los Rascacielos

Los rascacielos

El rascacielos, los edificios en altura, son el símbolo más característico de la arquitectura del siglo XX. No sólo tienen una función económica, al aprovechar al máximo el precio del suelo, sino que también tienen una función simbólica. Muestran el triunfo del capitalismo, y en él intervienen todos los agentes de la sociedad capitalista de masas: obreros, empresarios, arquitectos, industria, ciudad, etc. Esta función simbólica queda patente en la torre Eiffel, sin ninguna función clara, pero con 300 metros de altura.
El rascacielos nace en Chicago, tras el incendio de la ciudad de 1871. Los edificios en altura se hicieron necesarios para superar la escasez de suelo; y los arquitectos estadounidenses propusieron soluciones novedosas, que una sociedad tan dinámica como esta no dudó en adoptar. Estos edificios nacen con una voluntad utilitarista, nada en un rascacielos es superfluo.
La generación de arquitectos que construyen los primeros rascacielos está encabezada por William le Baron Jenney , que en 1885 construye el primer rascacielos, el Home Insurance . En su edificio emplea los nuevos materiales y los adelantos técnicos: estructuras metálicas ignífugas y el ascensor. La estructura metálica libera al muro de su función de carga por lo que se pueden abrir huecos e iluminar el interior del edificio con luz natural.
Otros arquitectos de esta escuela de Chicago fueron, Louis Sullivan , Daniel Brunham , William Holabird y Martin Roche . Su estética era producto de las necesidades de las ciudades estadounidenses y no una imitación de la arquitectura europea. Sin embargo pronto aparece un estilo ecléctico. En 1922 Raymond Hood y John Howells construyen el Chicago Daily Tribune (torres Tribune), con 141 metros de altura, y que recuerda a una catedral gótica.
Si en Chicago nacieron los rascacielos, y tuvo su momento de esplendor entre 1880 y 1895, fue en Nueva York donde tuvieron su mayor desarrollo. El primer rascacielos de Nueva York fue el edificio Flatiron , construido por Daniel Brunham en 1902 con 87 metros de altura, y recuerda la proa de un barco. Se desata una carrera vertiginosa por ganar altura. En 1909 la torre del Metropolitan Life Insurance alcanzó lo 213 metros. Imita el campanario de la plaza de San Marcos en Venecia. En 1913 el edificio Woolworth alcnaza los 241 metros, con un aspecto gótico. En los años 20 y 30 triunfan en los rascacielos las formas que recuerdan al clasicismo, edifico Chrysler (1930) de William van Alen con 319 metros de altura. En 1931 se inaugura el Empire State , de Lamband Harmon Shreve, con 381 metros de altura. La crisis de 1929 impulsó, curiosamente, la construcción de rascacielos. Estos son edificios muy caros, pero también permite aprovechar al máximo el precio del suelo, y además su construcción era todo un símbolo que ocultaba las miserias de la situación económica.
No obstante, no fue hasta después de la segunda guerra mundial cuando la estética del rascacielos se difundió por todo el mundo. En los primeros años del siglo XX se vuelven a las formas clásicas, aunque los edificios ganan el altura. En 1940 Raymond Hood y John Howells construyen el Rockefeller Center , con 259 metros de altura.
Los arquitectos europeos huidos de la barbarie nazi durante la segunda guerra mundial encontraron en Estados Unidos un estilo que no sólo adoptaron sino que lo impulsaron, ya que coincidía con los principios del racionalismo y el estilo internacional que propugnaba la Bauhaus. Fueron arquitectos como Walter Gropius, Ludwig Mies van der Rohe y Adolf Loos . Los rascacielos se liberan de su eclecticismo, de su imitación de las formas clásicas. El cristal gana protagonismo. En 1952 Gordon Bunshaft construye en cristal el Lever House , con unos «modestos» 92 metros de altura. En 1958 Mies van der Rohe construye el edificio Seagram , con 160 metros de altura. En 1963 Walter Gropius construye el edificio de la Pan-Am con 246 metros de altura. El perfil de Nueva York se caracteriza por la abundancia de edificios racionalistas que superan los 100 metros de altura y concentrados en la isla de Manhattan: Hotel Plaza de las Naciones Unidas de 154 metros (1976) de Kevin Roche y John Dinkeloo ; Citicorp Center de 279 metros (1977) de Hugh Stubbins ; sede central de la AT&T de 197 metros (1984) de Philip Johnson , edificio Lipstick de 133 metros (1986) de Philip Johnson y Juan Burgee . Pero ningún edificio tuvo la audacia del Word Trade Center , las torres Gemelas, que se elevaron a los 417 metros de altura. Fueron construidas por Minoru Yamasaki y Emery Roth y terminadas en 1972 y 1973. En 1974 perdieron su récord de edificio más alto del mundo, superadas por la torres Petronas en Kuala Lumpur, Malasia (452 metros) de Cesar Pelli . Las torres Gemelas fueron destruidas en un atentado terrorista el 11 de septiembre del 2001, cuando terroristas islámicos estrellaron sendos aviones comerciales contra las torres. Su estructura, aunque resistieron el impacto, no aguantaron el incendio provocado.
En la medida en que crecen los edificios van cambiando su concepto y función, ya no son sólo edificios de una ciudad sino pequeñas ciudades en sí mismas, las torres gemelas de Nueva York tenían su propio código postal, existen calles, plazas, centros comerciales y de ocio. La base de los rascacielos son auténticas plazas públicas de grandes dimensiones. En ellas se distribuyen los flujos de personas que acceden al edificio, escaleras y ascensores. No sólo se construyen las viviendas, oficinas y centros públicos, sino también se piensa en cómo se ha de mover la gente dentro del edificio.
Desde 1974 el techo de los 500 metros parece insuperable, pero existe un proyecto de los arquitectos, para construir un edificio de 1.200 metros de altura, la torre biónica, de Eloy Celaya y Javier Pioz. En la actualidad el edificio más alto del mundo es el Taipei 101, en Taiwán, de 101 pisos y 508 metros de altura. Es obra del arquitecto japonés C. Y. Lee y fue inaugurado en el año 2004.

Arte S. XX

Arte S. XX
La abstracción pura, o no figurativa, es, probablemente, el culmen ideal del arte. En el fondo, toda representación artística es una abstracción de la realidad, y la abstracción pura prescinde de todo elemento que vincule la obra de arte con el mundo natural, para quedarse exclusivamente con la idea: con el concepto y la belleza.
La abstracción pura se enfrentó, y se enfrenta, a la incomprensión de la sociedad mucho más que los más radicales provocadores, y es que no tenía referentes históricos, era algo totalmente nuevo y opuesto al concepto de arte surgido en el Renacimiento, e incluso en la Antigüedad clásica. Se trata de un movimiento que simplifica las formas hasta perderlas, y quedarse en el color y las formas más puras. Incluso se va a prescindir del título, para que no haya referencias con la realidad. La obra de arte debe ser bella por sí misma, como objeto. El concepto de belleza y de obra de arte ha cambiado definitivamente.
El camino hacia la abstracción pura comienza en 1910 a raíz de la constitución por Kandinsky del grupo Der Blaue Reiter (El Caballero Azul) uno de los cuadros que Kandinsky expone en Múnich.
Vasily Kandinsky (1866-1944) es el gran teórico del arte abstracto. Escribe De lo espiritual en el arte, donde expone sus ideas. Es una auténtica reflexión sobre el arte, lo que es el arte y lo que es la obra de arte, y una declaración de principios. Su pintura está destinada a despertar la emoción en el espectador, en el que deben actuar sólo los sentimientos, pone a sus cuadros títulos abstractos, intrascendentes, actitud que imitarán, frecuentemente, los demás pintores. Puntas de arco, En alto, Lírica, Impresión V, Improvisación, Juicio universal; Amarillo, rojo, azul.
Paul Klee (1879-1940) tiene un carácter más simbólico. Transforma las figuras hasta hacerlas irreconocibles. El niño en el paisaje, Composición, En el gris de la noche, Puerto y veleros.
El rayonismo
El rayonismo es, en realidad, el último estadio del futurismo. Sin embargo, difícilmente se observa en él figura alguna. Publicará su manifiesto en Moscú 1913. Pretenden representar las radiaciones que se desprenden de los cuerpos; es la época en la que se descubren los rayos X y la radiactividad.
Sus representantes son Mijaíl Larionov, (1881-1964) Rayonismo rojo, Luz de la calle, y Natalia Goncharova, (1883-1962) La electricidad, Bosque verde. Su influencia se extenderá hasta la obra de Paul Jackson Pollock , Ojos en la cabeza y Georges Mathieu , Capetos por todas partes.
El suprematismo
Kasimir Malévich (1878-1935) es el gran pintor abstracto ruso. Su obra es muy fecunda, y participa de varios movimientos. Su obra abstracta crece tras la Revolución rusa. Es el inventor del suprematismo, que se caracteriza por las figuras simples y los colores planos. Cuadrado blanco sobre fondo blanco, y la serie de pintura suprematista sin título. Su estilo servirá para hacer carteles propagandísticos.
El neoplasticismo
En Holanda trabaja Piet Mondrian (1872-1944) máximo representante del grupo De Stijl (El Estilo). Su estética se conoce con el nombre de neoplasticismo,constructivismo o arte concreto. Se emparenta con el suprematismo ruso. Sus obras se caracterizan por las formas ortogonales, las líneas gruesas y los colores planos. Composición nº1, nº2, nº3, y nº5, Composición con líneas, Composición en gris y amarillo, Composición oval. El creador del grupo fue Théo van Doesburg : Composición XII.
El expresionismo abstracto
La deformación de las figuras que inicia el expresionismo nos lleva a la desaparición total de la forma. El cuadro se convierte en una masa informe de color y líneas. Entre los pintores del expresionismo abstracto tenemos a Arshile Gorky: Cascada, Willem Kooning : Mujer y bicicleta, Paul Jackson Pollock : Ojos en la cabeza, Catedral, Georges Mathieu : Capetos por todas partes, Jean Dubuffet : La mesa, Compañera constante y Philip Guston: El retorno.
El informalismo
En el informalismo se pone de relieve la expresividad de los materiales, sin necesidad de figuración. Entre ellos destacan Ántoni Tápies: Pintura 1957, Pintura abstracta, Gran escuadra, Cornelis van Beverloo : Juego del sol en las olas, Jean Dubuffet : La mesa, compañera constante, Jean Fautrier : La judía.
El op-art y el arte cinético
Tras la segunda guerra mundial aparece una nueva generación de artistas abstractos. No sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento, sino que exigen del espectador una actitud activa. En sus obras el ojo debe estar mirando una obra que se mueve, buscando el principio y el fin. El op-art es un movimiento pictórico mientras que el arte cinético es más bien escultórico. En esta época el centro del arte es, definitivamente, Nueva York.
En el op-art encontramos a Víctor Vasarely: Triond, Supernova, Yaacov Agam , con sus cuadros en relieve, Doble metamorfosis III, Briget Riley: Current, Jeffrey Steele : La volta, Richard Anuszkiewicz : Iridiscencia, Michael Kidner : Azul, verde, violeta y marrón.
El arte cinético es la escultura del movimiento. Hacia 1922 surge una nueva forma de entender la escultura que pretende abandonar el estatismo de la escultura tradicional. Aparecen, así, los móviles, que se harían tan populares tras la segunda guerra mundial. Estas obras pueden moverse por la acción del espectador, el viento o un motor eléctrico. Para sus obras utilizan todo tipo de materiales, como chatarra, que una vez pintada tiende a perder la tercera dimensión para ser vistos desde un solo punto. Se identifican con la pintura, se simplifican las formas y se tiende a la abstracción pura. Este movimiento está muy vinculado a la Bauhaus . Una vez superado su impacto inicial, el arte cinético ha entrado en los hogares de gracias a los móviles de vivos colores que se colgaron encima de las cunas de los bebés, y en los juguetes de movimiento continuo que se pusieron de moda en la década de los 80.
En el arte cinético encontramos a escultores como Laszlo Moholy-Nagy: Moduladores del espacio, Man Ray: Objeto de construcción, Alexánder Rodchenko: Construcciones colgantes, Marta Boto: Rotaciones cinéticas, Anillos en movimiento, Nicolás Schoeffer : Efectos de luces sobre prisma de hielo, Gregorio Vardenaga: Rotaciones cinéticas, y Alexánder Cálder: Móvil estable.
Otros artistas abstractos son Frantisek Kupka: Líneas animadas, William Scott : Negro, arena y ocre, Giuseppe Santomaso: La hora de las cigarras, Pierre Soulages : Pintura, Egill Jacobsen : Bosque cósmico, Gustave Singer : Alta Provenza II, Barnett Newman : Adán, Mark Rothko: Rojo sobre castaño, Ádolph Góttlieb: Contrapeso, Terry Frost: Invierno, Patrick Heron : Pintura con franjas horizontales, Robert Delaunay : Disco simultáneo, Hans Arp: Según las leyes del azar, Frank Stella :Variación, y Kennet Noland : Regalo.
A pesar de la reticencia inicial, el arte abstracto triunfa definitivamente después de la segunda guerra mundial y hoy forma parte de la iconografía habitual, aunque de manera disfrazada.
Escultura abstracta
La abstracción en escultura persigue los mismos fines que en la pintura, aunque difícilmente pueden reconocerse lo mismos estilos.
Entre la escultura no figurativa destacan Georges Vantongerloo , que intenta la codificación matemática de los volúmenes: Relación de volúmenes, y Théo van Doesburg : Monumento a Leenvardem, ambos pertenecientes al grupo Der Stijl. Antoine Pevsner (1884–1965) es el escultor más representativo: Proyección en el espacio, Construcción cinética, Visión Espectral, Naum Gabó: Cabeza de mujer, Celuloide y metal, Eduardo Chillida, con sus esculturas monumentales: El peine de los vientos, El elogio al horizonte, Tres hierros y Julio González.

El Expresionismo

EL EXPRESIONISMO

El expresionismo antepone las emociones y los sentimientos sobre las formas. El artista pretende que el espectador experimente un impacto fundamentalmente emotivo ante las obras, respondiendo al uso desmedido de colores, a la disformidad, a la agresividad en la composición. Esta intención de subordinar las formas a los sentimientos siempre ha estado presente en el arte, desde sus inicios, ejemplificándose en los rostros de la pintura del Románico, en los monstruos del infierno del medioevo, en las figuras del Greco, o en los trabajos de representantes del Postimpresionismo como Van Gogh o Gauguin. Iniciando el siglo XX se formaliza esta postura dando lugar a un nuevo movimiento de vanguardia, El Expresionismo, que combate las técnicas y los modelos que prevalecían en Europa desde El Renacimiento así como el radical racionalismo de géneros como el Cubismo.
Los orígenes del Expresionismo se desarrollaron en Europa, principalmente en Alemania y Austria, luego de la Primera Guerra Mundial, como una forma de rechazar al impresionismo, en el que los colores y las formas son un reflejo de la nostalgia de los artistas ante la crueldad e inhumanidad de la guerra. Hacia finales del siglo XIX y principios del XX numerosos artistas, bajo la influencia de pintores como Van Gogh, Gauguin, y de movimientos como el postimpresionismo rechazan los lineamientos formales existentes y proclaman la ruptura con las normas y reglas del sistema artístico del siglo XIX. Los artistas dejan de lado la técnica pictórica y pasan por alto los cuestionamientos de la crítica y se dedican a representar la realidad que viven día a día pintando lo feo, lo vulgar, lo injusto. Los expresionistas combaten los valores que dan lugar a innumerables prejuicios, la figura humana elevada e idealista del siglo XIX, lo convencional de la cultura, la guerra, la injusticia social. Para algunos toma un respiro la esperanza de la creación de un mundo nuevo. En Alemania un grupo de pintores se agruparon en lo que llamaron Die Brücke ("El Puente") y buscaron cabida entre dos tendencias opuestas, aquella conformada por pintores de calidad media que sin ningún interés en la vanguardia se dedicaban a repetir motivos como floreros y paisajes y la otra que exacerbaba la razón y la objetividad, tal era el caso del cubismo. Con la intención de impulsar la visión subjetiva del artista, los integrantes de Die Brücke se volcaron a métodos primitivos, que calificaban de "auténticos", directos y sinceros, inspirándose también en la obra de pintores más contemporáneos como Cèzanne, Van Gogh, Gauguin y Edvar Munch, cuyas obras consideraban fuertemente emotivas. El grupo se reunió en Dresde desde 1905 hasta 1913 y practicó un arte plano y lineal que buscaba la simplificación absoluta de la forma y el color.

Hacia 1912, pintores de excelente calidad radicados en Munich se agruparon en lo que llamaron Der Blaue Reiter, cuyo tendencia, al igual que Die Brücke, apuntaba hacia el primitivismo. Genios como Kandinsky, Malévicht y Paul Klee conforman el grupo, que impulsa un lenguaje psicológico a través del simbolismo de los colores y las formas. Las frustraciones del hombre moderno y urbano ante los eventos bélicos, las guerras coloniales y las rivalidades entre viejas potencias, facilitaban el escenario para un movimiento tan revulsivo como resulto el Expresionismo. Der Blaue Reiter culminó violentamente con la declaración de la I Guerra Mundial en 1914.
Las circunstancias históricas de las que hemos hablado llevaron al artista expresionista a plantearse como reto la representación de las emociones y los sentimientos en su forma más completa, representando el lado pesimista pero sin descartar un mundo nuevo.
Características del Expresionismo:


§ Distorsiona las formas y recurre al uso de colores fuertes y puros, con combinaciones al azar, todo esto con la intención de alimentar sus obras de una desmedida fuerza psicológica y expresiva.
§ Está presente el uso de las líneas buscando transmitir el ritmo de los sentimientos.
§ Protagonizan las obras elementos como máscaras y paisajes. Se deja de lado la representación objetiva de la figura humana dando paso a rostros desfigurados y tristes.
§ Predominan los colores los colores azul, amarillo y verde, contrastando con el blanco y negro.

El Dadaismo

EL DADAISMO

El movimiento Dada surgió a la vez en Suiza y Estados Unidos en 1916. Desde Zurich se expandió hacia Alemania y hacia Francia. En París es ya el movimiento de moda en 1923. El movimiento Dada tiene la particularidad de no ser un movimiento de rebeldía contra otra escuela anterior, sino que se funda en un cuestionamiento de todo el marco conceptual del arte y de la literatura de antes de la Primera Guerra.
El grupo de Zurich
Suiza, a partir del estallido de la guerra en 1914, se convierte en un centro de refugiados pacifistas de toda Europa. Allí se encontraron todos los disidentes de otras escuelas previas, tales como el expresionismo alemán, el futurismo italiano o el cubismo francés. En 1916, en Zurich, un grupo de artistas instalaron en una cervecería un pequeño cabaret, al que bautizaron como "Cabaret Voltaire". Allí se reunieron el filósofo Hugo Ball, el poeta Tristan Tzara, el pintor Marcel Janco, ambos refugiados rumanos, y el pintor alsaciano Jeans (Hans) Arp. A partir de ese encuentro comenzaron una serie de actividades en el cabaret así como editaron la revista que llevaría el nombre de "Dada". Tristan Tzara pronto se convirtió en el promotor y principal exponente del movimiento Dada. Entre él y Hugo Ball dieron sustancia a la teoría dadaísta.
El origen del término Dada es confuso y controvertido. De acuerdo con la versión de Tzara y Ball, la palabra surge de la casualidad: abriendo las páginas de un diccionario con la ayuda de un cuchillo, el primer término señalado fue ese: dada. De acuerdo con otras versiones, fueron los camareros del Café Terrasse, lugar donde se solían encontrar estos artistas centroeuropeos, quienes identificaron primeramente al grupo como dada: para esos camareros, las lenguas habladas por aquellos emigrados eran incomprensibles, salvo la sílaba "da-da" ("sí, sí", en ruso y otras lenguas). En pocos meses los espectáculos del café Voltaire fueron famosos en la ciudad Suiza. El espectáculo dadaísta había nacido, cargado de provocación, tendencia agresiva, propuestas ilógicas y absurdas.
En 1917, Francis Picabia, un pintor francés, refugiado también en Suiza entra en contacto con Tzara. Ambos darán sentido al Manifiesto Dada de 1918, posiblemente el documento más importante del movimiento dadaísta de Zurich. Tras el fin de la guerra, el dadaísmo cautiva a los artistas vanguardistas de París, produciéndose un resurgimiento del mismo. El Zurich dada, con la diáspora de sus refugiados, se había acabado.
El grupo de Nueva York
También la declaración de guerra llevó a la ciudad americana a grupos de artistas refugiados. Entre ellos hay que destacar a Duchamp y Picabia. Allí se integraron con las corrientes vanguardistas que desde comienzos del siglo se estaban gestando en Harlem, Greenwich Village y Chinatown. Aunque Nueva York no era Zurich, ni existía ese clima de refugiados políticos de la ciudad suiza, el espíritu iconoclasta, recalcitrante y nihilista fue idéntico. En marzo de 1915 nace la revista "291", nombre tomado del número de la casa ocupada por una galería de arte en la Quinta Avenida. Duchamp, Picabia, Jean Crotti, como europeos refugiados, junto con los americanos Man Ray, Morton Schamberg y otros dan vida al dada neoyorquino.
El grupo de Berlín
Tras la guerra, Alemania entra en una crítica situación. Tras la revolución bolchevique, el partido Espartaquista alemán -la izquierda socialista- ensaya también la revolución en Alemania. En toda esa agitación social un grupo de artistas van a incorporarse a las tesis izquierdistas: será el Movimiento dadaista.
Procedente del grupo de Zurich, Richard Huelsenbeck, trae a Berlin el espíritu dadaísta, pero mucho más radical contra las anteriores escuelas vanguardistas (futurismo, cubismo). Junto con el poeta Raoul Hausman promueve declaraciones y manifiestos a partir del "Dada Club". Junto a los anteriores destacarán el pintor Georg Grosz, agudo crítico del militarismo y del capitalismo alemán de aquellos años, y los hermanos Herfelde, uno famoso divulgador de la técnica artística del fotomontaje, otro indispensable editor de las obras dadaistas de aquellos años. El movimiento dada berlinés pasará a la historia por la incorporación de las nuevas técnicas artísticas de difusión de ideas entre las masas, principalmente el fotomontaje. La constitución de la República de Weimar en 1919 marca el fin de los proyectos políticos dadaístas y la resituación de este grupo en los marcos artísticos.

Geografía Urbana Tema 6º

TEMA 6


GEOGRAFÍA URBANA






LA CIUDAD: UNA DEFINICIÓN COMPLEJA
Una ciudad es una agrupación permanente de casas/viviendas y habitantes, aunque el primer problema con su definición surge cuando se establecen las cifras mínimas para considerar una aglomeración de habitantes como ciudad:
En Francia: 2.000 habitantes
En España: 10.000 habitantes
En Dinamarca: 250 habitantes
En Estados Unidos: 2.500 habitantes
En la antigua Unión Soviética: 12.000 habitantes

Por ello es necesario caracterizar las ciudades por otros aspectos que definen una población como urbana:
- funciones no agrícolas;
- creación humana, con escasa presencia de la naturaleza, salvo por la existencia de parques o jardines;
- un uso intensivo del territorio;
- existencia del planeamiento urbano o la política urbanística, que diseña la ciudad en mayor o menor medida.

Pero, aún así, es prácticamente imposible elaborar una definición de ciudad que sea universalmente aceptada. Existen agrociudades, es decir, importantes núcleos de población en los que sus habitantes tienen una dedicación agraria predominante; las plataformas petrolíferas podrían ser definidas como ciudades por el volumen de su población y la dedicación no agrícola de sus moradores, aunque la ausencia de un entramado urbano (calles, edificios, plazas, etc.) impiden la catalogación como tal.
La Geografía, en suma, estudia las ciudades como elementos organizativos del territorio, ya que se convierten en principales focos de la actividad social y económica.

EMPLAZAMIENTO Y SITUACIÓN
En principio ambos términos hacen referencia al lugar físico que ocupan las ciudades sobre el territorio, aunque deben hacerse precisiones terminológicas importantes:
- emplazamiento: es el lugar topográfico ocupado por la ciudad, el lugar concreto: en la cima de una montaña (ciudades andinas), en una llanura litoral (Castelló, Barcelona), en una ría (Bilbao), en una terraza fluvial (Zaragoza, Toledo), en un estrecho (Estambul)… Este concepto está asociado a variables eminentemente físicas como pendientes, permeabilidad y dureza del suelo, orientación; pero también antrópicas/humanas, como por ejemplo los usos del suelo: interés agrícola, interés forestal. El emplazamiento, en suma, está condicionado por factores como el relieve, la orientación o la disponibilidad de agua, que son fundamentales.
- situación: es la posición que ocupa la ciudad en relación a su entorno territorial, por lo que en este concepto se incluyen aspectos como la accesibilidad de la ciudad o su ubicación respecto a vías de comunicación.

LAS FUNCIONES URBANAS
En cualquier caso, la ciudad asume tres funciones básicas imprescindibles tanto en la sociedad como en la economía actual de los países desarrollados: función comercial, función de administración/servicios y función industrial:
- la función comercial se remonta a plena Edad Media, cuando las tradicionales ferias y mercados se celebraban preferente en los grandes núcleos de población;
- la industria, por otra parte, suele generar ciudad (Revolución Industrial) y viceversa, es decir, las grandes aglomeraciones urbanas suelen atraer industrias;
- con un carácter ancestral, las ciudades también acogen una serie de servicios relacionados con la administración, el gobierno del territorio e incluso la política.

Junto a éstas, existen otra serie de funciones complementarias:
- bancaria y financiera (podría incluirse en la comercial),
- militar,
- cultural,
- religiosa (Roma, Santiago de Compostela, Jerusalén…),
- turística,
- nodos de transporte.

De todas formas, las ciudades de alguna importancia siempre acumulan varias de estas funciones, que se completan y complementan unas a otras. La ciudad, el medio urbano, se caracteriza, por lo tanto, por desempeñar una acusada multifuncionalidad que no es tan acentuada en el medio rural.

LAS ÁREAS DE INFLUENCIA
La ciudad genera toda una serie de vínculos con su entorno, con las localidades vecinas, la comarca y la región. Se establecen, por lo tanto, auténticas áreas de influencia que delimitan las zonas donde cada ciudad ejerce una atracción por diferentes motivos (económicos, sociales, culturales, laborales...) hasta configurar una red o un sistema regido por una jerarquía.

RED URBANA o SISTEMA URBANO
La red urbana o el sistema urbano es la tela de araña que forman las diferentes ciudades de un territorio, formada a su vez por las diferentes áreas de influencia.
Urbanización, por otra parte, es la proporción entre el número de personas que habitan en ciudades y la población total de un territorio.
Urbanismo, por último, es la forma de hacer ciudad, es decir, la planificación para realizar el desarrollo futuro de la ciudad. Y, en este sentido, cabe diferenciar entre suelo urbano —en el que se puede urbanizar—, suelo urbanizable —aquél que se contempla para ser urbanizado próximamente— y suelo no urbano/no urbanizable. Estas dos últimas categorías corresponden a las superficies que no pueden/podrán ser afectadas por la construcción urbana.

EL PLANO DE LA CIUDAD
Cada ciudad adopta una forma que obedece a criterios muy diversos y que, en general, es fruto de la propia historia. En la lectura del correspondiente plano, de hecho, se pueden extraer conclusiones sobre la evolución urbana que ha experimentado cada ciudad.
Los tipos de planos/formas urbanas, con un carácter general, son los siguientes:
- ciudad globular: se expande desde el centro hacia las afueras siguiendo ejes bien delimitados. El crecimiento constante de la ciudad le daría una forma de gran estrella;
- ciudad axial o lineal: por contraposición a la tipología anterior, la aglomeración urbana crece en torno a un eje único y, por lo tanto, adquiere formas más o menos rectangulares;
- ciudad irregular: es aquella cuyo crecimiento no puede ser comparado con ninguna forma geométrica.

De todas formas, el plano de una ciudad es el resultado de la yuxtaposición de muchos planos parciales: casco viejo, ensanches, nuevas barriadas, etc. Los planos más habituales son el plano en desorden —frecuente en los cascos viejos, donde las calles tienen una disposición complicada, casi laberíntica—, el plano radioconcéntrico —formando orlas o circunferencias— y el plano en damero —presenta una auténtica cuadrícula de calles—.

TERMINOLOGÍA
- Intramuros/Extramuros: términos aplicados a las zonas situadas en el interior/exterior de recintos urbanos amurallados.
- CBD (Central Business District o Distrito Central de Negocios): centro funcional de la ciudad (en Estados Unidos). Suele situarse en medio de la ciudad y concentrar las funciones esenciales de la misma: cultural, comercial, administrativa, política, económica.
- Área metropolitana: concentración de ciudades que supera el millón de habitantes. En España existen tres: Madrid, Barcelona y Valencia.
- Conurbación: concentración de ciudades cuyas periferias respectivas se han fusionado.
- Ciudad dormitorio: en un principio son acuñadas con dicho término las barriadas de las grandes áreas metropolitanas que tenían una función única como residencia, es decir, sus habitantes apenas podían desarrollar otras funciones ni satisfacer demandas básicas como la compra de alimentos. Con el tiempo, sin embargo, dichas barriadas se convierten también en importantes núcleos comerciales y de servicios.

Funciones de una ciudad

Funciones de una ciudad
El término funciones urbanas se refiere a las actividades que se desarrollan en los centros urbanos, las cuales les dan las características propias que permiten diferenciarlos del ámbito rural.
Las funciones que pueden cumplir un centro urbano son múltiples y variadas, sin embargo, se pueden clasificar atendiendo a las actividades más relevantes de cada una de ellas.
Función comercial: es una de las más características de la ciudad. En ella se incluyen todos los servicios necesarios para el comercio y el consumo que necesita la población urbana. Dentro de las ciudades cuya función principal es el comercio, destacan los puertos marítimos, donde fluyen mercaderías de todo el mundo, dado que el mar es la vía a través de la cual se moviliza el mayor tonelaje de carga mundial. Algunos ejemplos de ciudades que desempeñan esta actividad son: Valparaíso, en Chile; y Brujas, en Bélgica.
Función administrativa o de gobierno: las ciudades que cumplen esta función son aquellas que se dedican a la organización de los servicios que requieren el buen funcionamiento de la actividad política y administrativa. Todas las ciudades capitales del mundo, así como las más importantes de cada región, desempeñan esta tarea. Por ejemplo: Washington, Canberra y Brasilia.
Función industrial: es una de las más importantes dentro de la ciudad, por constituir la principal fuente de trabajo de su población. Un ejemplo lo constituye la ciudad de Laja, en Chile, donde gran parte de sus habitantes trabaja en la industria de la celulosa. A nivel mundial, podemos nombrar por su actividad industrial a Detroit y Pittsburg, en Estados Unidos; Duisburg, en Alemania, y San Pablo, en Brasil.
Funciones religiosa y cultural: entre las ciudades que cumplen una función religiosa, sobresalen: Ciudad del Vaticano, en Italia, a la que peregrinan miles de fieles, por ser sede del Papado, lo que hace que su importancia se extienda a otros campos además del religioso. Otros ejemplos son: La Meca, en Arabia; y Lourdes, en Francia.
En Chile podemos nombrar La Tirana, Andacollo y Yumbel, todos ellos centros de peregrinación. Ciudades destacadas por su importancia en el plano educativo, en especial por el prestigio de sus universidades son: Oxford y Cambridge, en el Reino Unido; Upsola, en Suecia; Princeton, en Estados Unidos.
Función turística: se desarrolla en ciudades dedicadas al descanso y la recreación de las personas que llegan hasta ellas, como Viña del Mar, en Chile, de nombradía internacional. Entre otras, destacan además, Málaga y San Sebastián, en España; Nápoles, en Italia; Niza, en Francia; Miami y Las Vegas, en Estados Unidos. Las ciudades de este tipo presentan condiciones naturales, unidas a una infraestructura adecuada, que las hace atractivas a personas que buscan favorables condiciones climáticas, paisajes hermosos o posibilidades de practicar determinados deportes o diversiones.
Algunas ciudades desarrollan muchas o gran parte de las funciones en forma siumultánea, de modo tal que no es posible individualizar funciones claramente preponderantes. Son denominadas por algunos, ciudades mixtas, y por otros, gran ciudad o metrópoli. Entre las más sobresalientes están Nueva York, París, Londres, Roma, Los Ángeles y Boston.

Tema 6º, Geografía, Las Ciudades, Esquema

TEMA 6º: LAS CIUDADES:

1.- La Ciudad, creación humana: análisis desde ≠ perspectivas;

ð Funcional: pueden ser más o menos numerosas o especializadas
ð Morfológica: queda definida por:- el plano
- el aspecto externo
ð Sociológica: gran diversidad y complejidad
ð Medioambiental: necesidad de recursos =>problemas = residuos, medioambientales…

2.- Las Funciones urbanas:

ð Residencial: todas las ciudades
ð Comercial: origen de muchas, actividad import.
ð Industrial: vinculada a la ciudad, actualmente en las afueras (Detroit, Barcelona)
ð Político-administrativa: concentran los servicios necesarios para el ejercicio del poder (Bruselas)
ð Cultural: con centros educativos import., o un patrimonio hcº destacado (Venecia, Córdoba…)
ð Turística: ≠ motivos, condiciones naturales, patrimonio, artísticas (Praga)
ð Religiosa: centros de peregrinación (Jerusalén)

3.- La jerarquía y las redes urbanas:

ð La ciudad influye sobre la región que la rodea y establece con ella relaciones que dan lugar a áreas de influencia.

ð Según importancia de las áreas, se establece una jerarquía de ciudades:
- a nivel planetario (Nueva York)
- a nivel nacional: ·1er orden (Madrid)
· 2º orden (Sevilla)
èRed Urbana: conjunto de núcleos urbanos jerarquizados que coexisten en un
territorio y que establecen entre sí relaciones de todo tipo.

4.- Forma y estructura de la ciudad:

4.1.- El emplazamiento y la situación:

ð Emplazamiento: lugar concreto donde se asienta la ciudad (valle, isla…)
ð Situación: entorno geográfico de la ciudad (centro del país, costa…)

4.2.- La imagen de la ciudad:

ð El plano mental: representación gráfica del espacio urbano como es percibido por el
ciudadano (subjetivo).
ð El plano urbano: representación gráfica del espacio urbano a gran escala (1:10000…)
Tipos: _ Plano ortogonal, en cuadrícula o damero, o hipodámico
_ Plano radiocéntrico
_ Plano irregular

4.3.- La estructura urbana:

ð Área Suburbana: antes rural, ahora urbana => crecimiento de la ciudad. Servicios e in
dustrias y zonas residenciales (dormitorios)

ð Áreas comerciales: _ pequeño comercio (áreas residenciales)
_ comercio especializado y grandes almacenes (centro)
_ grandes superficies comerciales (periferia)

ð Zonas verdes: áreas no edificadas con vegetación distribuidas x la ciudad
ð Áreas industriales: Antes cercanas al ferrocarril, actualmente en la periferia

ð Áreas residenciales: según nivel económico de sus habitantes;

- barrios acomodados; unifamiliares, con servicios de calidad
- barios menos acomodados; bloques de viviendas, con servicios de menos calidad

ð Centro: - gran actividad comercial, de ocio y financiera
- se denomina Distrito Central de Negocios o CBD (Central Business District)
- bien comunicado, edificios de altura, densidad de tráfico (vehículos y
peatones), alto precio del suelo
- en Europa corresponde con el casco hcº


5.- Las ciudades en el mundo:

5.1.- La ciudad en los países desarrollados: centro urbano con actividades terciarias y la periferia
con industrias. Los transportes unen todas las zonas.

ð La ciudad europea: - casco hcº
- ensanches
- áreas residenciales
- áreas industriales
- áreas suburbanas

ð La ciudad norteamericana: - CBD
- áreas residenciales del centro de la ciudad
- áreas industriales
- áreas residenciales de la periferia

5.2.- La ciudad en los países subdesarrollados: expansión x aumento demográfico y atracción de
mejora de vida

ð se concentran todos los sectores económicos
ð crecimiento no motivado x desarrollo industrial, sino x intereses colonialistas
ð constan: - centro hcº
- zona comercial y administrativa
- barrios residenciales acomodados
- barrios chabolas
ð problemas: - continuo crecimiento sin planificación
- insuficiencia y baja calidad en equipamientos urbanos
- elevada contaminación


6.- La vida en la ciudad:

6.1.- El modo de vida urbano (rasgos):

ð fomento libertad individual
ð individualismo => incomunicación
ð población heterogénea (intercambio de ideas)
ð innovaciones (tecnológicas, ideológicas, creativas
ð formas de vida familiar y laboral
ð relaciones sociales (impersonales y superfluas)
ð ritmo de vida intenso y acelerado, a lo que se une los problemas de tráfico, ruido,
contaminación => estrés.


6.2.- Ventajas de vivir en la ciudad:

ð amplia oferta laboral
ð equipamiento médico-sanitario
ð oferta educativa y cultural
ð centro de intercambio de mercacias
ð sedes administrativas y políticas


7.- Los problemas urbanos y sus soluciones:

ð medio ambiente: - gases nocivos
- vertidos de aguas y residuos
- contaminación acústica y lumínica
ð abastecimiento y equipamiento

ð problemas circulatorios y de contaminación

ð vivienda (elevado precio => especulación urbanística => traslado a la periferia

ð problemas sociales: - barrios ricos y marginales
- aislamiento de los individuos
- desempleo … …

Tema 5º Geografía. El Poblamiento rural y urbano, esquema

TEMA 5º: EL POBLAMIENTO RURAL Y URBANO:

1.- El Poblamiento:
Definición:
Criterios diferenciadores:
§ Nº y concentración de habitantes
§ Actividades económicas
§ Tamaño de los núcleos de población
§ Forma y Tamaño de las calles y edificios
§ Equipamiento y servicios

2.- El Poblamiento Rural (hábitat rural):
Definición:
2.1.- Tipos de poblamiento rural: - disperso (explotaciones avícolas-ganaderas extensas)
- concentrado (escasez H2O, colectivización, defensa)
- intercalar (intermedio entre las dos anteriores)
2.2.- Los Núcleos rurales: Los Pueblos: Definición; unidad base de concentración o asentamiento de
población en el hábitat rural.
Clasificación:

* Forma:
- Pueblo o calle lineal (vía de comunicación, llano)
- Pueblo concentrado o nuclear (en torno a una plaza, castillo, iglesia,…)
- Pueblo radial (centralizado, con radios y anillos concéntricos)

* Actividad económica:

- Pueblo agrícola: 25 ó 30 viviendas, agropecuarias.
- Agrociudad: más de 1000 hab., con servicios, forma urbana, pero agropecuario.
- Pueblo residencial: ubicado en h. rural, población no se dedica al agro.
2.3.- La Red Viaria:

* Caminos rurales:
- comunican población con áreas cultivadas
- zonas llanas con latifundios, red poco densa y rectilínea
- zonas llanas con minifundios, red más densa e irregular

* Vías pecuarias: lugares de tránsito para ganado buscando pasto

- Cañada: 75 mts., varios cientos de Kms., de invierno a verano
- Cordel; 38 mts.
- Vereda: 21 mts.

* Coexiste con el sistema viario (carreteras, autovías, autopistas, líneas férreas, etc.)

2.4.- Las Edificaciones; la casa de campo:

* Cubierta; - planas e inclinadas, según precipitaciones
- barro (tejas), piedra (pizarra), ramas y pajas

* Plano; - compacta o en bloque (dependencias unidas a ras de suelo o en altura)
- disgregada o desunida (dependencias separadas, funciones específicas, en torno al atrio

* Materiales de construcción (dependen del entorno);
- vegetales; madera (zonas bosque templado y frías), ramas (zonas más cálidas)
- piedra; básicamente en zonas montañosas
- tierra; Adobe (barro cocido), en zonas llanas

* Cerramiento; según temperaturas, luz y vientos
3.- El Poblamiento Urbano:

3.1.- El proceso de urbanización;
- Definición
- Oferta de servicios
- Problemas
- Tipos: ð países desarrollados; · alta urbanización (> 75 %)
· lento ritmo de crecimiento
· mayor crecimiento de las ciudades medias
· gran nº de ciudades importantes
· estructura dispersa
ð países menos desarrollados;
· urbanización en continuo crecimiento (< 35 %)
· mayor crecimiento de las grandes ciudades
· las mayores urbes del planeta
· modelo compacto
3.2.- Evolución histcª de la urbanización:

ð Edad Antigua: _ Grecia (acrópolis, ágora)
_ Roma (cardo, decumano, foro,…)

ð Edad Media: _ Cristiana (murallas, plano irregular y radiocéntrico)
_ Musulmana (irregular, laberíntico, zoco,…)

ð Edad Moderna: _ Renacimiento (geometría, simetría y proporción)
_ Barroco (símbolo de poder, plano cuadrícula, calles rectas y anchas)

ð Edad Contemporánea: _ Rev. Industrial (éxodo rural=>barrios obreros=>crecim, no planificado)
╘>intentos de planificación urbana=>interés de la burguesía
╘>ciudad jardín ╘>barrios burgueses
(Ensanches)
_ S. XX=> Ciudades Satélite y dormitorio

3.3.- Crecimiento de las ciudades actuales: (Áreas de influencia)
╔ ╘>Periurbanas o suburbanas
║ ╘>Rururbanas
╚>Ciudad
╘>dispersa
╘>difusa

═►Transformaciones de las Áreas Rururbanas:
- Demográficas y sociales: aumento de la población (llegada de habitantes). Vida urbana
- Ocupación del suelo: ocupación intensiva, no planificada (urbanizaciones)
- Económicas y funcionales: pérdida de actividades agrarias, aumento de las industriales
y servicios. Habitantes con movimientos pendulares. Desarrollo del transporte =>problemas de tráfico.

═►Crecimineto ciudad actual da lugar a áreas de ≠ dimensiones:
ð Área Metropolitana:
_ Núcleo central => Metrópolis
_ Otros núcleos => Corona metropolitana

ð Conurbación: dos o más ciudades se unen, pero mantienen su independencia administ.
ð Megalópolis: diversas ciudades (con áreas metropolitanas y conurbaciones) crecen
hasta formar un gran continuum urbanístico.





3.4.- El entramado y la edificación urbana:

═►La Trama Urbana: modo en el que los edificios se agrupan y distribuyen en el espacio.

ð Trama compacta o cerrada; las casas se agrupan unas junto a otras, unidas por un
muro. Típico de los centros hcºs.

ð Trama abierta; edificios aislados, unifamiliares, grandes bloques. Viviendas en altura.
Típico de la periferia.

═►Tipos de Edificación: (época de la construcción, materiales y técnicas, nivel económico,
ubicación, función, cambios,…).

ð Edificaciones antiguas; - compactas, centro hcº.
- se agrupan formando F manzanas irregulares (casco hcº)
F manzanas regulares (ensanches)

ð Edificaciones en Bloques; (ver Rascacielos)

ð Viviendas unifamiliares; aisladas o adosadas, 1 ó 2 plantas, con zonas verdes, periferia.

ð Edificaciones de crecimiento espontáneo (chabolas); en el extrarradio, con materiales
de desecho, sin higiene ni agua.

¿Qué es el Arte?

¿QUÉ ES EL ARTE?

Se ha intentado definir a lo largo del tiempo de numerosas y muy variadas maneras, sin que en ningún caso parezca haberse llegado a una conclusión. Es más en los últimos tiempos lo que parece es que sea prácticamente imposible definirlo: Arte es todo lo que el hombre llama arte......no existe realmente el arte, sino los artistas....en resumen el arte es un concepto complejo difícil de definir con palabras. Sin embargo, lo que nadie parece negar, es que el arte son sensaciones...sensaciones que nos conmueven o impresionan y nos provocan un determinado estado de ánimo...pero para provocar esa emoción es necesario que la contemplación atraviese un proceso intelectual...es decir, se requiere una formación...saber mirar: descifrar y leer en las imágenes lo que el autor nos quiere trasmitir.

¿Cómo se aprende a mirar?

! Mirar una obra no significa decidir si gusta o no gusta!, detrás de una imagen hay colores, luces, formas, símbolos escondidos… que quieren decir algo...ello requiere un proceso de formación:

A. Hay que interpretar ese lenguaje, leer la intención del autor, etc.
B. Hay que conocer la morfología con la que construimos ese lenguaje
C. Ponerlo en relación con el momento histórico, porque la obra no tiene sentido fuera de su ámbito y de sus condicionamientos sociales, culturales, etc.

Ello va completando la formación del espectador, que una vez que ha educado su sensibilidad, está en disposición de convertirse en un adecuado receptor, consiguiendo que la obra se mantenga viva.

Recuerda: El análisis visual requiere entrenamiento. El primer paso es formarla, a partir de elementos más complejos, relacionados con la expresión estética...:

§ La percepción: Es la que nos permite delimitar los elementos formales de la obra.
§ La estructura: nos descubre los componentes de la obra de arte
§ El significado y la época: La obra no tiene sentido si no quisiera decirnos algo. Su significado es esencial en la interpretación de la obra de arte
§ El concepto de estilo: es un concepto muy relativo, (se puede construir un edificio gótico en el s. XVI y en el s. XX), pero nos permite clasificar la Historia del Arte.

Así pues queda claro que la expresión plástica (arquitectura, pintura, escultura, arte mobiliar, diseño, fotografía, cómic, cine, música, danza...) son modos de comunicación una forma de trasmitir mensajes...Dichos mensajes pueden ser múltiples y concuerdan con el contexto histórico y cultural de cada época. A grandes rasgos podríamos diferenciar los siguientes mensajes e ideas:

§ Mensaje intelectual: Cuando se trata de trasmitir conceptos abstractos, ideas, emociones, sugestiones, etc., lejos de hacerlo a través de la imagen o de la figuración real, trata de trasmitir ideas o contenidos a través de imágenes no reales que trascienden la realidad, así la pintura egipcia o la pintura cubista se llenan de contenido intelectual.
§ Mensaje Sensorial: Trata de provocar en el espectador una emoción o sensación a través de representaciones muy reales, valdría tanto la pintura renacentista, como la impresionista.
§ Mensaje simbólico: Son imágenes que tienen una segunda lectura. En este sentido las representaciones mitológicas o religiosas que conllevan un simbolismo implícito.
§ Mensaje historicista: Cuando representa un hecho histórico, que a través de la imagen se quiere exaltar o propagar.
§ Mensaje social: Suele ir ligado a un sentido propagandístico de un determinado poder político, religiosos, económico, etc... Muchos estilos se han movido en función del mecenazgo que han buscado en la obra de arte su exaltación: lo mismo la monarquía que la iglesia o recientemente los grandes poderes económicos.
§ Mensaje espiritual o religioso: Trata de provocar una emoción, devoción, fervor o miedo en el espectador, en consonancia con unas creencias. Naturalmente también tiene un amplio contenido propagandístico.

Por tanto, Recuerda:
Con frecuencia se admira la destreza del artista al representar los objetos y lo que más gusta son los cuadros y esculturas en los que lo que está representado aparece “como si fuera de verdad”. No se trata de negar que esto es importante, lo que hay que observar es que también el representar la naturaleza se puede hacer de diversas formas: Por ejemplo, un simple boceto lo puede conseguir aunque presente menos detalles que un gran cuadro al óleo.

Otro problema surge cuando la obra de arte parece haber sido realizada “incorrectamente”. Esto sucede especialmente si las obras pertenecen a una época cercana a nuestros días.

No obstante, seguro que muchas de esas personas disfrutan con los dibujos animados de Disney. Seguro que entonces no se preguntan si Mickey Mouse se parece realmente a un ratón o Donald a un pato. Quienes penetran en el mundo de Disney no se preocupan del Arte con A mayúscula. No van a ver sus películas con los mismos prejuicios que cuando contemplan cualquier obra del arte moderna.

Cabría preguntarse ¿qué es lo que queremos de las personas que realizan el arte de nuestros días? Lo que no nos podríamos preguntar -porque estamos seguros de que la respuesta es sí- es que poseen conocimientos suficientes para dibujar con “corrección”.

Por tanto hay dos cosas que debemos preguntarnos cuando contemplamos una obra de arte en la que encontramos una falta de corrección:
Una, si el artista no tuvo sus motivos para alterar la apariencia de la que vio.
otras, que nunca debemos condenar una obra de arte por estar incorrectamente realizada, a menos que estemos completamente seguros de que quién está equivocada es la persona artista y no nosotros.

Hay que tener en cuenta que las personas artistas quieren ver el mundo de una forma nueva, sin ningún prejuicio. Sin embargo, no existe mayor obstáculo para gozar de las grandes obras de Arte que nuestra repugnancia a despojarlos de costumbres y prejuicios.








LENGUAJE DEL ARTE

ARQUITECTURA, ESCULTURA Y PINTURA


1.- ARQUITECTURA:

Todos sus elementos vienen a configurar en un conjunto dicha concepción espacial. Un cambio en dicha concepción supone el nacimiento de un nuevo estilo o movimiento artístico.
A. La Planta.- Es el dibujo arquitectónico de un edificio representado en plano horizontal. Representa la distribución del espacio y de sus elementos. Sobre la planta se indican con frecuencia la forma de los soportes y también las cubiertas con líneas discontinuas.
B. Materiales constructivos.- Condiciona la factura del edificio. Entre los más utilizados figuran el adobe, el tapial, la madera, la piedra, el ladrillo el hierro, etc.
C. Elementos sustentantes.- Permiten la elevación de muros y pisos. Los más significativos son La columna (de sección circular), Pilar (sección poligonal), Dinteles (es una pieza horizontal que soporta una carga dando origen a las arquitecturas adinteladas o arquitrabadas), Arcos (pieza curva que a veces puede tener un efecto ornamental). Los más característicos: De medio punto, ojival o apuntado, abocinado, carpanel, conopial de herradura, escarzano, lobulado, peraltado y falso arco (aproximación de hiladas).

§ Cubiertas.- El cierre de la parte superior, pueden ser: Planas, a dos aguas, abovedadas o con cúpula.
§ Bóvedas: La forma la define el tipo de arco empleado en la construcción, (bóveda de medio cañón, de crucería, de aristas, de lunetos, etc.)
§ Cúpulas: Son bóvedas semiesféricas que normalmente cubren un espacio cuadrado, cuyo apoyo, según sea una planta circular o poligonal, se realiza mediante pechinas o trompas.










2.- ESCULTURA:

Dentro de la escultura hay que diferenciar entre dos fórmulas: Exenta o de bulto redondo y el relieve.
A. Materiales: La utilización de distintos materiales para la realización de una escultura resultan determinantes, ya que cada uno proporciona una calidad táctil diferente, transmitiendo sensaciones distintas. La calidad depende del material y el tratamiento (superficies finas, pulidas, aristadas, rugosas...). Los empleados habitualmente son: madera, bronce, mármol, hierro, terracota, marfil, hueso...etc.
B. Volumen: La escultura es tridimensional y por ello comporta un volumen. Cuando no dispone más que de un punto de vista se dice que es una imagen regida por la ley de la frontalidad, mientras que aquella que ha sido concebida para ser contemplada desde cualquier punto se dice que es una escultura con volumetría.
C. Movimiento: Algo característico de la escultura es la disposición, es decir la sensación de movimiento o reposo que es capaz de trasmitir. Ese movimiento se transmite mediante recursos como los paños al viento, líneas de fuga, contrapostos,...etc.
D. La composición es cuando la escultura recoge soluciones para dar la sensación de movimiento o escenificar una historia.
E. Proporción: El módulo de proporción ha variado a lo largo de la historia, pero se habla de proporción, cuando una escultura se aproxima a los volúmenes reales
F. Masa: Se refiere a la sensación de peso que provoca la visión de una escultura. Es una apreciación intelectual por la que nos parece que una figura puede ser pesada, rotunda, compacta o por el contrario, liviana, ingrávida...o un caso extremo el de la combinación de materia escultórica y no-escultórica.
G. Luz: Sirve para modelar, crear volumen y movimiento, es por tanto un factor compositivo.
H. El Color: Contribuye a subrayar en ocasiones su realismo, potenciando su expresividad y resaltar su valor estético
I. El Relieve: A veces la escultura está adherida a un plano, resultando una figura en altorrelieve, bajorrelieve y si se hunde en el plano, huecorrelieve.



3.- LA PINTURA:

La pintura se ha definido como el arte aristocrático, pues sólo la aprecian certeramente los pocos que han adquirido una suficiente educación de su sensibilidad y se ha introducido apropiadamente en su lenguaje.

A. La Materia pictórica: Nos referimos al soporte (muro, lienzo, madera, papel...), así como a los elementos que sirven de aglutinantes a la coloración (aceites, clara de huevo, agua...) La pintura contemporánea ha añadido además a la materia pictórica elementos que hasta ahora eran extraños al lenguaje de la pintura, tales como arena, trapos, metal...lo que le otorga una textura (lisa, pastosa, mate, brillante, rugosa..) que a veces llega a ser tan densa que se habla de pintura matérica.

B. La línea: Permite la identificación y el reconocimiento de las formas. Tiene un valor esencial en la transmisión de un mensaje pictórico. Si en una obra predominan trazos verticales suele tener una significación mística; si triangulares, equilibrio; si circular, perfección. Según su trazo varía la expresión plástica:


§ Continuo y cerrado = descriptivo
§ Grueso y vehemente = expresivo
§ Abierto = imaginativo y poético
§ Curvilíneo = sensualidad

C. El volumen: Es una ficción en la pintura, ya que esta es siempre bidimensional, si bien lo que el autor quiere transmitir es, una sensación de tridimensionalidad...y ello lo logra mediante la luz, el color, la línea...

D. La perspectiva: Mediante la misma se simula profundidad (la tercera dimensión), en todo el conjunto del cuadro y no sólo en un objeto transformando la obra en una ventana abierta al espacio imaginario. La perspectiva se ha simulado en la E. Media mediante la disminución de tamaño de los objetos, en el Renacimiento mediante haces de líneas que configuran una pirámide, cuyo vértice es el punto de fuga de las mismas. La perspectiva aérea el la gran aportación de Leonardo da Vinci y consiste en modificar los contornos de los perfiles y objetos en la distancia, difuminar las figuras del fondo, etc.


E. El color: Es la esencia de la pintura. Existen colores primarios (que no son frutos de ninguna mezcla: amarillo, rojo, azul), los secundarios, surgen de los primarios (anaranjado: amarillo + rojo...etc.). Los colores se dividen a su vez en cálidos y fríos; los primeros son colores salientes (amarillo anaranjado y rojo).Los fríos por el contrario absorben la luz (violeta, azul, verde). El color tiene por sí mismo valor, participa en la composición de la obra en función de sus armonías, modela objetos, crea perspectiva, influye en el tratamiento de la luz, puede tener añadido un valor simbólico.

F. La Luz: es representada ilusoriamente y sirve para acentuar profundidad, crear movimiento, dar expresividad y dinamismo.


G. La composición: Determina la ordenación de todos los elementos del lenguaje pictórico en el conjunto del cuadro, utiliza formas geométricas, para transmitir una sensación de armonía, equilibrio, movimiento, orden, caos, etc.




TECNICAS ARTISTICAS.


1.- ESCULTURA.


A. El modelado: Utiliza materiales blandos (barro, cera, etc.…) y consiste en ir añadiéndolos. Si se quiere una forma que perdure se utiliza un molde con la imagen en negativo, que se rellena del material elegido, después se cuece en un horno (si es barro obtenemos una terracota).
B. La talla: Supone la eliminación del material hasta dar forma y volumen a la figura.
C. La fundición: Cuando se inyecta en un molde material líquido fundido al fuego (bronce, hierro...) o licuado con agua (cemento...). Un procedimiento habitual para obtener una imagen es la técnica de la cera perdida que consiste en modelar una figura en cera, cubrirla con barro u otro elemento que resista en fuego, se le practique un agujero en la cabeza, otro en los pies y por arriba se introduzca el líquido candente...al abrirse paso derrite la cera que sale por abajo.
D. Policromía: Consiste en aplicar color a la pieza, lo que ha sido habitual en todas las culturas. En el caso de la madera se utilizan técnicas como el estofado. El estofado consiste en aplicar panes de oro a una figura, después color y finalmente raspar o bruñir para que la policromía resalte.



2.- LA PINTURA


Colorante, aglutinante y diluyente, son los tres elementos fundamentales de la materia pictórica...

A. Colorante: Lo que llamamos pigmento es la base de la pintura tiene su origen en colorantes minerales o químicos. Los más habituales para el azul o verde (cobre), rojos (hematites de hierro), etc.
B. Aglutinante: Es el elemento que debe añadirse al colorante para que se pueda aplicar, además cohesiona al colorante y lo protege. Entre otros se han utilizado yema de huevo, goma arábiga, cola de animal, cal, aceites de linaza o ceras (para encáustica).

Una vez ejecutada la pintura se procede a recubrirla con un elemento protector, para protegerla resaltarla, para ello se han aplicado desde clara de huevo a resinas o ceras.




PROCEDIMIENTOS PICTORICOS

§ Fresco: Técnica propia de la pintura mural. (lleva un revoque y un enlucido de cal en la que penetra el color).
§ Óleo: Utiliza aceite para disolver los colores, dando brillo al lienzo o a la madera sobre la que se aplica (permite retocar y corregir).
§ Tempera o temple: Es toda aquella pintura que utiliza un diluyente acuoso. Se puede aplicar sobre madera, lienzo o pared. Al contrario que el fresco se seca más lentamente y corre el riesgo de descascarillarse.
§ Acuarela: Utiliza mucha agua como diluyente, y muy poca cantidad de aglutinante (goma, baba de caracol, glicerina...)
§ Pastel: Es una pintura seca, se utiliza para la confección de lápices de colores, por ello sus soportes habituales son tela y papel. La propia grasa de la piel funciona como diluyente.
§ El gouache: Utiliza como aglutinante agua gomosa, lo que da texturas más pastosas y gruesas de mayor contenido expresivo. Su soporte habitual es la tela.
§ Polímeros o acrílicos: son pinturas plásticas o acrílicas, cuyo aglutinante es cola o resinas sintéticas. Tiene gran densidad, por eso seca con rapidez.


3.- EL GRABADO


La utilización de un molde con la imagen grabada recibe distintos nombres según la técnica y el soporte:
§ Xilografía: sobre madera
§ Litografía: sobre piedra.
§ Serigrafía: sobre tela, especialmente seda.
§ Calcografía: sobre plancha de metal, generalmente cobre.

Breve Glosario de Términos Artísticos

TÉRMINOS ARTÍSTICOS

ÁBACO: Parte superior de un capitel. El órden dórico, está formado por una pieza prismática, en el Jónico se enrolla en espirales y en el Corintio, se simplifica y se estiliza.

ABALAUSTRADA: Se dice de la columna renacentista o barroca muy torneada y con profusa decoración, de forma semejante a los balaustres de una escalera.

ABOCINADO: Hueco o vano en un muro cuya anchura aumenta a partir de los marcos o jambas hacia una o ambas caras del mismo.

ÁBSIDE: Capilla o conjunto de capilla, en la cabecera de un templo tras el altar mayor. Generalmente tiene planta semicircular o poligonal y suele ir cubierta con bóveda de horno.

ABSIDIOLO: Ábside muy pequeño. Capillas abiertas en el ábside o la girola.

ACADÉMICO O ACADEMICISTA: Que se ajusta a las normas consideradas como clásicas.

ACUARELA: Pintura sobre papel o cartón con colores diluidos en agua. Los colores utilizados son transparentes y a veces dejan el fondo del papel que actúa como otro verdadero tono.

ADINTELADA: Arquitectura que se apoya o descansa su peso verticalmente sobre dinteles en huecos y en vanos. También se le denomina Arquitrabada.

AGUADA: Pintura realizada con colores disueltos en el agua o goma muy líquida.

AGUAFUERTE: Técnica de grabado sobre metal que se obtiene mediante la acción de un ácido. Según el tiempo de inmersión, la corrosión del ácido será más o menos profunda, consiguiendo así unos trazos suaves y un aspecto aterciopelado.

AGUJA: Cubierta de una torre muy aguda (generalmente en templos) y calada, propia del arte gótico.
AJEDREZADO: Adorno en relieve semejante a un tablero de ajedrez.

ALERO: Parte del tejado que sobresale del muro.

ALFIZ: Moldura generalmente rectangular que enmarca los arcos en su cara exterior recuadrándolos.
ALICATADO: Ornamentación consistente en un revestimiento de losetas monocromas o decoradas en forma poligonal o estrellada.

ALMINAR: Torre de las mezquitas, desde donde el almuédano llama a la oración. También se llama Minarete.

ALMOHADILLADO: Paramento construido por sillares rehundidos en las juntas o uniones por lo que cada uno de ellos resulta en relieve.

ALZADO: Representación plana, sin perspectiva de un edificio según un plano perpendicular a la base.

ARABESCO: Ornamentación propia del arte islámico a base de complejos dibujos entrelazados.

ARBOTANTE: Arco exterior que transmite los empujes laterales de una bóveda a un contrafuerte por encima de las naves laterales. También se le denomina Botarel.

ARCO: Elemento curvo de cobertura o soporte que en la arquitectura abovedada sustituye al dintel o al arquitrabe.

àLos elementos que lo constituyen son:
Las Dovelas- Piezas en forma de cuña cuya superficie interior intrados por contraposición a la exterior, denominada extrados. La dovela central se denomina Clave.
Las dovelas donde arranca se denominan salmer.
La rosca es el espacio entre el intrados y el extrados.

àClases principales de Arcos:
Medio punto: Totalmente semicircular.
Apuntado: sus curvas se unen formando una punta en la clave.
Carpanel: Tiene tres centros.
Conopial: Tiene cuatro centros.
Herradura o Túmido: Con su curva que sobrepasa la circunferencia en una mitad de su radio.
Lobulado: Con un trazado de arcos en el intrados.
Mixtilíneo: formado por líneas curvas y rectas. Muy variado.
Peraltado: Mayor del semicírculo con porción recta en los extremos.
Rebajado o escarzano: Menor del semicírculo.
Tranquil o rampante: tiene los salmeres a distinta altura.

àLos arcos por su situación en la arquitectura también reciben nombres:

Fajón o perpiaño: El que sostiene o ciñe la bóveda interior, a modo de refuerzo al eje transversal a la nave.
Formero: el que es paralelo al eje del edificio o de la nave.
Toral: Cada uno de los arcos del crucero sobre los que descansa la cúpula u otro tipo de cubierta elevada.

ARMADURA: Conjunto de elementos que sirven de soporte al tejado. Comúnmente está formado por dos vigas horizontales apoyadas sobre los muros denominadas soleras en las que se apoyan oblicuamente otras llamadas pares.

ARQUERÍA: Serie de arcos iguales y sucesivos.

ARQUITRABE: Parte interior del entablamento sobre el que descansa el friso y que apoya directamente sobre la columna.

ARQUIVOLTA: Cada una de las roscas que forman una serie de arcos doblados concéntricos.

ARTESONADO: Cubierta en forma de artesa invertida, compartimentada en espacios cuadrados o poligonales con rica ornamentación.

ASTRÁGALO: Baquetón fino que ciñe el fuste en su extremo superior y sobre el que se asientan los capiteles.

ATAUJÍA: Obra de adorno que se hace con filamentos de oro y plata embutiéndolos en ranuras o huecos previamente abiertos en piezas de hierro u otro metal.

ATAURIQUE: Ornamentación árabe muy estilizada de tipo vegetal.

ATRIO: Pórtico de la antigua casa itálica. Núcleo central de la casa romana o patio porticado que, junto al nartex, precede a las naves en la basílica paleocristiana.

AVISPERO. Ataurique profundo y minucioso realizado con el empleo del trépano.

BAJORRELIEVE: Relieve que sobresale al menos de la mitad de su bulbo.
BALAUSTRADA: Serie u orden de balaustres colocados entre los barandales (columnillas que forman las barandillas o antepechos de los balcones.

BALDAQUINO: Dosel sobre columnas que cubre un altar o tumba con claro sentido conmemorativo.

BASA: Parte inferior de la columna que descansa sobre el piso o suelo y en la que a su vez se apoya el fuste.

BOCETO: Proyecto o esquema de una obra.

BODEGÓN: Género pictórico que representa una composición a base de seres inanimados (animales muertos, vegetales o cosas), También se le conoce como naturaleza muerta.

BÓVEDA: Obra de fábrica de superficie curva que se apoya en muros, pilares o columnas, la engendra el movimiento o repetición del arco. Hay varios tipos:
De Aristas: es la originada por el cruce perpendicular de dos bóvedas de cañón de la misma flecha o altura.
Bóveda de Cañón: Es la engendrada por el desplazamiento de un arco de medio punto a lo largo del eje longitudinal. Generalmente está reforzada con arcos fajones. Puede tener tantos matices como el propio arco peraltado, rebajado o apuntado.
Bóveda de Crucería: Su estructura está compuesta por arcos que se cruzan diagonalmente, también llamados nervios, con una clave central común y cuyo espacio se cubre complementos.
Bóveda de Horno: Consta de un cuarto de esfera y por lo general cubre el espacio del ábside semicircular.
Bóveda Vaida: Es de forma esférica cortada por los cuatro planos verticales y perpendiculares entre sí.

BRUÑIR: Pulimentar un objeto metálico. Obtener brillo por frotación en la cerámica.

BULTO REDONDO: Se aplica en escultura a las figuras en tres dimensiones y aisladas en el espacio, de manera que se pueden contemplar desde cualquier punto de vista. Se denomina también exenta.

CABALLETE: Armazón de madera con tres pies y un apoyo horizontal que sirve de soporte al cuadro durante su ejecución.

CABECERA: Testero de una iglesia o parte en la que se halla el altar mayor.

CABUJÓN: Piedra preciosa tallada por pulimento y no por talla, con forma semi-elipsoidal.

CANDELABRO: Es una decoración renacentista que se aplica a los fustes de columna o pilastras y que se caracteriza por estar organizada a base de un eje central longitudinal que articula motivos geométricos vegetales e incluso antropomorfos.

CANES O CANECILLOS: partes salientes del alero o cornisa que soportan la carga de la armadura o cubierta. Si se adornan con rollos o cilindros horizontales se denominan modillones.

CANON: Regla de las proporciones humanas, conforme al tipo ideal.

CAPITEL: Elemento colocado sobre el fuste de la columna, que sostiene directamente el arquitrabe, arcos, etc. Suele estar decorado y adoptar diversas formas.

CARDINA: Motivo ornamental que representa una hoja de cardo, con más o menos naturalismo. Especialmente en el estilo gótico.

CARTELA: Tabla o recuadro en la que se coloca un emblema o leyenda.

CASETÓN: Compartimiento hueco, generalmente de forma cuadrada en que queda dividida una cubierta al cruzarse las vigas que lo forman. Puede ornamentarse con un rosetón de fondo.

CELOSIA: Tablero calado para cerrar vanos, que impide ser visto pero no impide ver.

CHAPITEL: Remate apuntado de una torre generalmente bulboso, cónico o piramidal y terminado en flecha aguda.

CICLÓPEO: muro cuyo aparejo está formado por piedras de enorme tamaño colocadas por lo general sin argamasa alguna.

CIEGO: Elemento arquitectónico que no tiene luz.

CIMBORRIO: Construcción elevada sobre el crucero en forma de torre de planta cuadrada y octogonal con la función de iluminar el interior del edificio.

CIMBRA: Armadura de madera en torno a la cual se construye una bóveda o un arco.

CINCEL. Instrumento para esculpir piedra. Si se esculpe metal se llama Buril. Si es madera se llama Gubia y si es barro u otro material blando Espátula.

CLARABOYA: Ventana abierta en el techo o en la parte más alta de las paredes.

CLAROSCURO: Contraste de luz y sombra que finge o hace resaltar las formas en profundidad.

COLUMNA: Soporte de sección circular cuyas partes principales de abajo a arriba son: basa, fuste y capitel.

COLLARINO: Moldura cóncava que sirve de transición entre el fuste y el capitel.

COMPOSICIÓN: Disposición de las figuras o elementos de una obra de arte.

CONTRAFUERTE: Refuerzo vertical de un muro, generalmente exterior, que contiene y contrarresta las presiones laterales. También se le llama estribo.

CORNISA: Parte sobresaliente o superior de un entablamento. También se utiliza para señalar los pisos o plantas por el exterior de los muros.

CRESTERÍA: Serie de ornamentos generalmente calados que corona un edificio o el borde de una techumbre.

CRUCERO: Espacio de un templo en el que se cruzan dos naves perpendiculares, siendo una de ellas la nave principal.

CRUJÍA: Espacio comprendido entre dos muros de carga.

CUBIERTA: Sistema de cierre en la parte superior de una construcción.

CÚPULA: Bóveda semiesférica. Normalmente cubre un espacio cuadrado, cuyo paso o planta circular u octogonal se da por medio de trompas o pechinas. Cuando se desea conseguir una mayor elevación de la cúpula, no se hace a esta reposar sobre las trompas o pechinas, sino sobre un anillo o tambor, a menudo cilíndrico u octogonal. Hay varios tipos:
Gallonada: la que recuerda o imita el aspecto de los gajos de una naranja.
Falsa Cúpula: la obtenida por aproximación de hiladas.

DAMASQUINADO: Ataujía o embutido de metales finos sobre hierro o acero.
DERRAME: Disposición de un vano, de manera que se aumenta la recepción de luz, por ser mayor la abertura en la parte exterior del muro.

DESPIECE: Forma en la que están cortados y dispuestos los elementos de un muro o arco.

DINTEL: Elemento horizontal que soporta una carga apoyando sus extremos en las jambas o soportes de un vano.

EMPUJE: Presión de un dintel, arco o bóveda.

ENGASTAR: Sujetar una piedra preciosa, esmalte, etc..., a una montura por medio de pequeños dientes, cola, etc.…, de modo que puedan exhibirse sin desprenderse o caerse.

ENJUTA: Espacio comprendido entre el arco y la pared que suele decorarse con medallones.

ENTABLAMENTO: Conjunto de arquitrabe friso y cornisa en los órdenes clásicos.

ENTRELAZADO: Ornamentación cuyos dibujos se cruzan y entrecruzan con sentido geométrico.

EPIGRÁFRICA: Decoración realizada a base de epígrafes o inscripciones.

ESCORZO: Modo de representar una figura sobresaliente del plano de fono para crear líneas o planos contrastados.

ESGRAFIADO: Decoración mural que se obtiene dando el enfoscado y el enlucido de un muro de distinto color, y raspando luego en parte del enlucido, hasta que aparece el enfoscado.

ESMALTE: Decoración lograda por fusión de materias vivas y coloreadas.

ESPADAÑA: Pared elevada sobre la fachada que sirve de campanario. Suele poseer uno o más vanos, en los cuales se ubican las campanas.

ESTATUA: Obra de escultura de bulto redondo representando la figura humana.

ESTEREÓBATO: Basamento sobre el que reposa el templo griego.

ESTÍPITE: Elemento en forma de tronco invertido de pirámide, que puede tener funciones o soporte como decoración.

ESTOFAR: Raspar el color aplicado sobre la superficie decorada haciendo dibujos, de modo que aparezca el oro. Es una especie de esgrafiado sobre el oro.

ESTRÍAS: Surcos longitudinales de las columnas.

ESTUCO: Mezcla de cal muerta y polvo de mármol, alabastro y yeso que tiene numerosos usos por su bajo costo y ligereza.

EXVOTO: Cualquier tipo de testimonio generalmente trabajado de forma artística que se lleva como ofrenda a un ser sobrenatural en cumplimiento de una promesa.

FÁBRICA: Construcción de obra con piedra o ladrillo.

FÍBULA: Broche o hebilla que hace funciones de imperdible.

FILETE. Miembro de moldura, el más delicado, con una lista larga y angosta que separa otras dos de mayor tamaño.

FILIGRANA: Labor delicada y fina. Técnica de joyería antigua, que consiste en trabajar soldando a la base metálica, hilos o gránulos de oro o de plata.

FLECHA: Aguja que remata una torre. Altura del arco o bóveda.

FRESCO: Pintura mural realizada con pigmentos de origen mineral aplicado sobre un soporte de argamasa de arena y cal con brochas.

FRISO: Parte del cornisamento que hay entre el arquitrabe y la cornisa. Ornamento de arquitectura donde suelen ponerse los adornos.

FRONTISPICIO: Fachada delantera del edificio.

FRONTÓN: Remate triangular de una fachada, pórtico o ventana, etc.

FUSTE: tronco de columna. Espacio comprendido en la misma entre la basa y el capitel.

GABLETE: Coronamiento apuntado del muro entre las torres de la fachada gótica. También puede aparecer coronando vanos pilares o estribos.

GÁRGOLA: Desagüe saliente del tejado normalmente esculpido de forma fantástica.

GEMINADOS: Vanos, columnas o ventanas unidas de dos en dos.

GOTA: Cada uno de los pequeños troncos de pirámide o de cono, que como adorno, se colocan debajo de los triglifos del cornisamiento, especialmente en el orden dórico.

GRABADO: Dibujo sobre madera, metal, piedra u otro material duro, obtenido mediante incisiones o rayas hechas con un buril, punzón o sistemas análogos.

GRUTESCO: Motivo decorativo a base de seres fantásticos, vegetales y/o animales completamente enlazados y combinados para formar un todo.

GUIRNALDA: Motivo decorativo formado por hojas, flores y frutos unidos por cintas suspendidas por sus extremos.

HASTIAL: Fachada de los pies de una iglesia.

HIERATISMO: Rigidez de expresión y actitudes en escultura o pinturas. Se opone a naturalismo.

HILADA: Cada una de las filas horizontales de ladrillos, sillares, etc., en el aparejo de un muro.

HORNACINA: Cavidad en un muro destinado a cobijar una estatua. En algunos casos puede cobijar toda una portada. Con frecuencia es coronada por una bóveda de cuarto de esfera.

HUESO: Es aquel en que los sillares se asientan sobre una hilada sin argamasa.

ICONO: Imagen. Se designan así, especialmente a las bizantinas o de tradición rusa, coptas u otras.

ICONOGRAFÍA: Ciencia que estudia el origen, desarrollo y formación de temas figurados y de los atributos con los que puede identificarse, así como de los que va acompañado.

IDEALISMO: Tendencia de los artistas que buscan acercarse en lo posible a la representación perfecta de los temas, buscando siempre el arquetipo o la superación de los defectos.

ILUMINACIÓN: Arte de la ilustración del libro (miniaturas)

IMÁGEN: Estatua, efigie o pintura de un ser celestial. Apariencia, aspecto exterior de algo.

IMAGINERÍA: Arte de la talla.

IMBRICACIÓN: Disposición de elementos, en especial tejas, imitando las escamas de un pez.

IMPOSTA: Faja o moldura horizontal de la que arrancan los arcos y bóvedas, a veces señala los distintos pisos de una fachada.

INTERCOLUMNIO: Espacio vacío entre dos columnas.

ISOCEFALIA: Norma artística que alinea las cabezas a una misma altura formando un friso continuo.

ISÓDOMO: El aparejo formado por sillares y dispuestos en hiladas iguales.

JAMBA: Soportes verticales a ambos lados de un vano sobre los que descansa el dintel del arco.

LACERÍA: Ornamentación geométrica que consiste en una serie delineas entrecruzadas alternativamente una sobre otras, formando diversas figuras estrelladas y poligonales.

LIENZO: Tela que se fabrica de lino, cáñamo o algodón utilizado como soporte pictórico. Por extensión designa la pintura al óleo.

LINTERNA: Remate que sirve para dar luz, usualmente sobre las cúpulas.

LUNETO: Bovedilla en forma de media luna que se abre en la bóveda principal para dar luz a esta..

MACHÓN: Pilar de obra maciza. Contrafuerte.

MACIZO: Se denomina así a la obra sólida contrapuesta al vano.

MADRAZAS: Centro de estudios islámicos anejos a las mezquitas.

MAINEL O PARTELUZ: Elemento vertical que divide la luz o anchura de una ventana.

MAMPOSTERÍA: Fábrica de piedra sin labrar o con la piedra tosca, que se apareja o dispone de modo irregular. Cada una de las piedras que la forman se llaman Mampuestos, a las que para que asienten bien se les colocan a menudo unas piedras pequeñas a modo de cazo denominadas ripios.

MANDORLA: Italianismo que significa almendra, representada por un óvalo o marco almendrado que circunda o rodea al Cristo mayestático, especialmente en el arte románico.

MECHINALES: Agujeros resultantes en una pared, por haber sido ocupados durante su construcción con las agujas del andamio.
MÉNSULA: Saledizo en un muro que soporta una carga del techo a través de un nervio, arco o pilastra, o estatua. También se le puede denominar repisa.

METOPA: Espacio que media entre dos triglifos, en el friso clásico (dórico especialmente) y se adorna con relieves.

MIHRAB: Voz árabe con que se designa el nicho u hornacina que marca en las mezquitas el sitio a donde han de mirar los que oran. El mihrab está en el muro de la mezquita, que forma ángulo recto con una línea imaginaria trazada desde la Meca.

MOCARABE: Decoración de prismas yuxtapuestos y dirigidos hacia abajo que acaban en un estrechamiento también prismático. Forman a modo de estalactitas sueltas.

MODELADO: Procedimiento de imitación de volumen de los objetos con tres dimensiones en un soporte plano.

MODULACIÓN: Técnica que permite sugerir la profundidad escalonando los volúmenes al presentarlos unos junto a otros por medio de una serie de pinceladas de valor parecido, aunque de color diferente.

MOLDURA: Elemento ornamental para decorar una superficie o de unión entre dos miembros para crear efectos de claroscuro. Las clases principales de molduras son:

àCóncavas;
§ Listel, Filete o Listón: de sección cuadrada o rectangular.
§ Toro o Bocel: Sección semicircular.
§ Baquetón o Verdugo: bocel fino y delgado.
àConvexas;
§ Media Caña: de sección semicircular.
§ Escocia: de sección semicircular con uno de sus lados prolongado.

àMixtas;
§ Gola: mixta de cuarto de círculo

MOSAICO: Decoración que se forma yuxtaponiendo sobre un fondo de cemento pequeñas piezas paralelepípedas, llamadas teselas, que tienen variados colores y que forman diversos dibujos.

MURAL: Pintura en una pared o en un muro.

NAOS: Cámara central donde se emplazaba la estatua de algún Dios en el templo clásico. También se le conoce por Cella.

NAVE: Cada uno de os espacios que delimitados por muros o columnas en fila, se extienden a lo largo de un edificio.

NECRÓPOLIS: Lugar dispuesto adecuadamente para servir de sede a las sepulturas de los miembros e una comunidad especialmente en una ciudad.

NERVIO: Elemento saliente y corrido del intrados de la bóveda.

NICHO: Cualquier cavidad practicada en el muro. También se le denomina hornacina. Su finalidad constructiva a veces el aligerar peso del muro.

OBELISCO: Pilar aislado con remate piramidal, de sección cuadrada o rectangular con finalidad decorativa o conmemorativa.

ÓCULO: Ventana circular u oval. También se la conoce como Ojo de Buey.

OJIVA: Es un arco tendido diagonalmente bajo una bóveda para reforzarla. La armadura formada por dos arcos de ojiva que se cruzan se llama bóveda de ojivas o de crucería.

ÓLEO: Técnica pictórica que consiste en colores triturados y aglutinados con aceite secante al que se añaden resinas.

ORDEN: En arquitectura, conjunto formado por la columna y el entablamento, dispuestos según módulos o cánones más o menos fijos.

OSCILLUM: Pieza arquitectónica romana, propiciatoria del buen augurio, que solía colocarse en los dinteles de las puertas, caso de Corduba, o colgadas de las ramas de los árboles, en honor a Saturno y Baco.

OVA: Adorno en forma ovoide, por lo común con un extremo apuntado hacia abajo que sirve para decorar molduras.

PALETA: Tabla pequeña sin mango, generalmente ovalada y con un agujero en un extremo, por donde el pintor mete el dedo pulgar para sostenerla, y en la cual tiene ordenados los colores que va a utilizar. Comúnmente se utiliza para óleo.

PALIMSESTO: Pergamino o escrito antiguo sobre el que se ha escrito más de una vez y que conserva más o menos restos del texto o los textos primitivos.

PANTÓCRATOR: Representación de Cristo triunfante sentado y con l os evangelios en la mano izquierda mientras la mano derecha la tiene en una actitud bendicente

PARAMENTO: Aspecto o disposición de los elementos en un muro.

PASTEL: Pintura en que los colores se aplican con lápices blandos.

PECHINA: Cada uno de los cuatro triángulos curvilíneos sobre los que se sustenta una cúpula. Sirven para pasar de la planta cuadrada a la circular.

PEDESTAL: Basamento o pie de una columna o elemento arquitectónico.

PERPIANO: Piedra o sillar que atraviesa todo el muro.

PERSPECTIVA: Modo de representar en una superficie los objetos, de manera que aparezcan en la forma y disposición en que se muestran a la vista de la realidad.
Aérea: La que intenta representar la atmósfera en la que se envuelven los objetos, difuminado el fondo.
Frontal: La que representa los cuernos y orejas de un animal de modo en que son vistos en la realidad por el espectador.
Lineal: Las líneas de las figuras son convergentes hacia el fondo cada vez más pequeñas cuando se desea presentarlas alejadas del espectador. Disminuyen de acuerdo con las llamadas líneas de fuga que convergen hacia el punto de fuga.
Torcida: la que representa orejas y cuernos de frente, estando la cabeza de perfil (Arte Rupestre).

PILAR: Soporte cuadrado o de menos de ocho lados que hace la misma función arquitectónica que la columna.

PILASTRA: Pilar adosado a un muro con basa y capitel.

PINÁCULO: Remate piramidal muy puntiagudo, con ganchos y otros detalles de embellecimiento de los contrafuertes góticos.

PINTURA: Representación artística de una superficie plana por medio del dibujo, la luz y el color. Según sea la técnica empleada puede ser:
Acuarela: En papel o cartón usando colores disueltos en el agua.
Aguada: Colores disueltos en agua o en goma muy líquida.
Aguazo: Aguada realizada sobre lienzo. Los colores suelen ser más fuertes que en la acuarela.
Encáustica: Los colores se disuelven en cera. Se aplica con un punzón o un pincel caliente.
Fresco: Los colores son disueltos en agua y son aplicados en el paramento cuando aún está el fresco enlucido.
Óleo: los colores van disueltos en aceite secante, anormalmente linaza.

PLANTA: Dibujo arquitectónico de una obra representado en sección horizontal.

PLINTO: Pieza cuadrada sobre la que reposa una columna.

PODIO: Plataforma o pedestal en el que descansan varias columnas.

POLICROMAR: Revestir con colores diversos materiales, en especial madera.

PORCHE: Entrada o galería adosada a un edificio. Tiene arcadas y está cubierta.

PÓRTICO: Lugar cubierto y columnado situado ante un edificio y generalmente adosado a él.

REBAJAR: Disminuir la altura de arcos o bóvedas a menos del semicírculo.

RELIEVE: Representación escultórica de figuras realzadas en un plano. Según sobresalga del plano más de la mitad, la mitad o menos de la mitad del grueso de la figura, o bien se hale rehundida en relación con la superficie del plano se denomina respectivamente –Alto relieve, Medio relieve y Hueco relieve-.

REPLICA: Repetición de una obra idéntica o con ligeras variantes, realizadas por el propio autor y su taller.

REPUJADO: Trabajo efectuado sobre metal martilleando su parte trasera, para conseguir un relieve en el anverso o parte delantera. Se retoca posteriormente con un buril o cincel.

RETABLO: Armazón arquitectónico que sirve tanto de ornamento sobre un altar, como por la colocación de imágenes, pinturas o relieves.

ROSETÓN: Vano circular calado, especialmente en el arte medieval cuyas divisiones se disponen de forma radial.

SAETERA: ventana estrecha abocinada.

SALOMÓNICA: Se llama así a la columna retorcida o que sube en espiral.

SECCIÓN: Plano o corte oblicuo en un edificio.

SILLAR: Piedra labrada que se usa en construcción, normalmente de sección rectangular y paralelepipédica. El sillarejo es un sillar más pequeño.

SOGUEADO: Decorado con sogas o adornos en forma de cuerdas.

TACOS: Cuadraditos que forman la decoración llamada ajedrezado, jaquelado, etc.

TALLA: Escultura realizada en madera.

TAMBOR: Cuerpo cilíndrico de ventanas que se elevan sobre la cúpula.

TEJAROZ: Pequeña cornisa románica sobre canecillos.

TESELA: Pequeña pieza de piedra tallada en cubo, de mármol, vidrio o pasta que se emplea en la confección de mosaicos.

TETRAMORFOS. Conjunto de símbolos de los evangelistas. Hombre: San Mateo; Buey: San Lucas; León: San Marcos; Águila: San Juan.

TIMPANO: Superficie entre el dintel y el arco de una puerta o ventana.

TRACERÍA: Dibujos geométricos de piedra calados en las ventanas o rosetones góticos.

TRAMO: Espacio de una iglesia comprendido entre dos columnas en el sentido transversal.

TRANSEPTO: Crucero.

TRÉPANO: Instrumento que sirve para agujerear. Por extensión, escultura hecha a trépano, que es la que presenta profundas incisiones para dar efecto de gran relieve de claroscuro, formado a modo de calados.

TRIGLIFO: Miembro arquitectónico en forma de rectángulo saliente y surcado por tres canales que sirve de decoración, especialmente en el orden dórico.

TROMPA: Bovedilla semi-cónica, con el vértice en el ángulo de dos muros y la parte ancha hacia fuera, en el saledizo. Permite pasar de la planta cuadrada a la poligonal y coronar esta con una cúpula, cimborrio, etc.

URBANISMO: Ciencia y técnica que estudia los asentamientos colectivos humanos atendiendo a su forma, emplazamiento, función y dotación.

URNA: Recipiente con tapa. Tipo de enterramiento propio de la incineración.

VACIADO: Fondo que queda en el neto del pedestal entre la moldura que lo recuadra. En escultura, molde de cera o diseño preparatorio para la obra.

VANO: Hueco que interrumpe la pared.

VENERA: Motivo decorativo que consiste en una concha (pectem benedictus) que se relaciona con los ritos de iniciación, fecundación, peregrinación.

VIDRIERA: Bastidor con vidrios utilizado como cerramiento en vanos, asumiendo funciones decorativas. Su realización comprende varias fases: dibujo, corte, color y emplomado.

VOLUTA: Espiral.

ZAGUÁN: En una casa, pieza cubierta inmediata a la entrada con función de vestíbulo o caballeriza.

ZAPATA: Madera o pieza de piedra corta que se utiliza dispuesta horizontalmente para dar más altura a las techumbres y columnas, así como para completar su sentido decorativo.

ZÓCALO: Cuerpo inferior de una construcción cuya función es elevar los basamentos a un mismo nivel.

Nuevas Formas de Expresión

NUEVAS FORMAS DE EXPRESIÓN


1.- EL CARTEL


El cartel es un medio visual y de comunicación de masas que sirve como reclamo publicitario; por eso nace con la industrialización, para incitar al consumo. Un cartel debe llamar, pues, la atención del espectador recurriendo a imágenes fáciles puestas al servicio de lo que se quiere vender. Su soporte más común es el papel y sus características plásticas son las formas grandes, la grafía rotunda y nítida, las figuras aisladas, la simplificación compositiva y los colores planos y vistosos.

El primer gran cartelista fue el francés Jules Chéret, quién influyó profundamente en los postimpresionistas como Toulouse- Lautrec. Durante todo el s. XX la producción cartelista se ha ido intensificando y adhiriéndose a las más variadas tendencias, desde el modernismo hasta el racionalismo.



2.- LA FOTOGRAFÍA

Se inventó gracias al desarrollo científico e industrial de principios del s. XIX y destaca por su capacidad para reproducir la realidad, con lo que libera al lenguaje pictórico de la esclavitud del naturalismo.

Desde la primera fotografía de Niepce y los daguerrotipos de Daguerre, la fotografía se va perfeccionando. En la segunda mitad del s. XIX se crea la fotografía en color y durante los años veinte se generaliza el uso de las cámaras pequeñas en Europa y EE.UU.

El resultado desde el punto de vista artístico es una imagen bidimensional, estática y con un sólo punto de vista. Además, en su lenguaje se consideran otros elementos, como la luz, el encuadre, el color.

Exceptuando las cámaras “pocket” o turística y la “polaroid” o instantánea, ambas automáticas, el papel del fotógrafo es fundamental en el resultado final, porque en las cámaras réflex controla la velocidad de obturación, la abertura del diafragma, la composición, la profundidad de campo, e incluso puede modificar la fotografía con fines artísticos mediante filtros distintos, objetivos, etc.


3.- EL COMIC


Es un relato ilustrado gráficamente que nace a finales del s, XIX como tira cómica en los periódicos americanos, normalmente en forma de sátira política. Su popularización tuvo lugar en los EE.UU. tras la crisis del 29, popularización que tuvo como consecuencia la aparición del libro de cómics, álbumes dedicados a un sólo personaje, etc. En este contexto aparece el género de aventura, con héroes como Tarzán, Supermán, Flash Gordon, Tintín, Dyck Tracy o el Capitán Trueno.

A partir de 18550 se produce un renacimiento del cómic, pero no ya de los historietas de ciencia ficción o super-héroes, sino del cómic de humor. En esta línea hay que destacar el humor de Ch. M. Schultz y su Charlie Brown y la crítica escéptica del mundo de los mayores que realiza Mafalda. Algo posterior son las conocidas aventura de Astérix, mientras que en Italia triunfa el cómic negro, con elementos sadoeróticos como Valentina.

Desde entonces el cómic se viene valorando como obra de arte, en buena medida, gracias al Pop. Art. El cómic tiene muchos puntos en común con el cine, porque recibe muchas influencias de este y ambos integran el tiempo característico de la narrativa y el espacio característico de la plástica.

De la narrativa toma el texto y del dibujo la bidimensionalidad, el estatismo, el color, etc. Del cine el cómic toma la estructura y el lenguaje, ya que en cada viñeta existe un encuadre, una angulación, una profundidad de campo, etc.







4.- EL CINE

Supone un paso más en la reproducción de la realidad, porque supera a la fotografía al ser capaz de representar tiempo y espacio bidimensionalmente. Su nacimiento es consecuencia directa de la evolución de la fotografía, y se basa en la sucesión de fotogramas cuya imagen permanece en nuestra retina durante una fracción de segundo.

El cine se ha convertido hoy en el medio de comunicación de masas, en un fenómeno comercial, en una industria, en un factor de ocio, pero también en un nuevo género artístico. Es al mismo tiempo, parecido a la literatura (por su sentido narrativo y el ritmo del guión), al teatro 8por la interpretación de los actores) y a la televisión, su hija directa, y contiene asimismo elementos del lenguaje pictórico, la música e incluso la danza.


ORÍGENES:

Si dejamos a un lado los experimentos de Licoln o Edison, el verdadero inventor fue Luis Lumiere, quién patentó la primera cámara cinematográfica en 1985. Un año más tarde el invento se aplica España, con lo que puede calificarse como la primera filmación en España (la salida de misa del Pilar de Zaragoza).

En estos primeros momentos, el cine no pasa de ser un espectáculo de barraca, pero no pasa de ser un espectáculo de barraca, pero poco a poco irá encontrando su propio lenguaje y se convertirá en un arte total.

Del realismo inicial se pasa a una línea más fantástica como el Viaje a la Luna de G. Meliés. En adelante se irán aplicando nuevas técnicas, tanto en Europa como en EE.UU. y el cine pasa a ser una industria más, con figuras como Giffith, un director que mezcló magistralmente los primeros planos con encuadres generales grandiosos en obras como Intolerancia o el Nacimiento de una Nación. También en el primer tercio del s. XX aparece el cine cómico, con la sátira de M. Senmet.

En Rusia, nada más estallar la revolución el cine se pone al servicio de los ideales políticos gubernamentales. La principal figura es Eisenstein, director del inmortal filme “El Acorazado Potenkim”, donde l masa se convierte en protagonista de un drama a la vez realista y simbólico. En la misma línea nacionalista se enmarcan “La Madre” de Pudovin y la Tierra de DouzhenKo.

Por otra parte, en EE.UU., se coloca a la cabeza de la cinematografía mundial al acabar la gran guerra: la ley seca, que provoca el nacimiento del cine negro o de gagnsters (como la Ley del Hampa de Von Stenberg) y al mismo tiempo aparecen las primeras películas sonoras. La crisis de los años 30 tiene su respuesta crítico-humorística-humana en “Tiempos Modernos” y “Luces de la Ciudad” del actor y director, Charles Chaplin.

Sin embargo, en 1934 entra en vigor la censura que obliga alas grandes industrias a dar una versión idealizada y feliz de la sociedad americana. Sólo se salva la sátira de Hitler que realizó Chaplin en “El Gran Dictador”.

Durante este periodo, en Europa el cine estaba al servicio de los regímenes fascistas excepto en Francia. Hitler y Mussolini, fomentan las cintas de exaltación nacionalista e imperial y acaban con el cine crítico. Frente a esta tendencia se sitúa el naturalismo poético o realismo negro del francés Jean Bigó, Rene Clair y Jean Renoir, que cuentan historias realistas de personajes de clase baja, desde una idealizada visión romántica y poética.

En Italia al acabar la Segunda Guerra Mundial, se desarrolla el neorrealismo, una crónica de los hechos cotidianos más tristes, de problemas como la guerra, el paro, el hambre, los niños abandonados. Además De Santi, Luigi Zampa y Pietro Germi, los directores neorrealistas fundamentales son: L. Visconti (con Tierra Tiembla), donde aborda os problemas desesperanzadores sicilianos y propone la solidaridad de las clases para su liberación) y de Sica (con el ladrón de bicicletas, amarga visión sobre la falta de trabajo y la supervivencia).

En América dirige la -generación perdida- (Rosen, Kazan, Huston...) que tratan temas como la corrupción, la marginación de los negros, el antisemitismo. Sin embargo, la intensificación de la Guerra Fría propiciará la constitución de este realismo crítico por superproducciones de escaso valor artístico basado en grandes decorados y en el movimiento de masas, como -El Cid, con honrosas excepciones (Espartaco o Ben-Hur). Ante el neocapitalismo nace una tendencia más atenta a temas contemporáneos representada por Truffaut, Godar, Antonioni y W. Wilder.

Entre los sesenta y los ochenta el cine sufrió un descalabro propiciado por la extensión de la televisión. No obstante, aparecen títulos brillantes, como las distintas entregas de El Padrino, de Coppola, y otros no tanto como las películas sobre la guerra de Vietnam. Más recientes son obras de arte como Cinema Paradiso de G. Tornatore.


El cine, a pesar de las influencias que recibe de otras formas de expresión artística tiene unos elementos característicos de su lenguaje:
§ El Plano o toma- conjunto de fotogramas que recorren una unidad de tiempo. Se distinguen distintos tipos de planos, el más amplio es el general (capta el ambiente), el seguido del americano (filma a las personas de rodillas para arriba), luego el plano medio (de cintura para arriba), el primer plano (de busto) y el plano detalle o primerísimo. Además, cada plano se agrupa formando escenas, y las escenas formando secuencias que determinarán el ritmo de la obra.
§ El encuadre, es la composición, la colocación de los elementos en cada fotograma. Normalmente recurre a recursos como el plano-contraplano (en los diálogos), la elipsis, composiciones arbitrarias con valor simbólico (como el encuadre inclinado), etc.
§ Los ángulos de toma o puntos de vista desde los que filma la cámara, pueden ser centrales (neutra, colocados frontalmente), picados (si la cámara está por debajo), laterales, dorsales. Asimismo, cada imagen puede ser objetiva o subjetiva.
§ Los movimientos de cámara, son característicos del cine y se clasifican en: acompañamiento del personaje, tráveling (movimiento de la cámara sin rotación sobre su eje), panorámica (rotación de la cámara sobre su eje sin movimiento) y trayectoria (mezcla de tráveling y panorámica).


Además hay que tener en cuenta los elementos no fílmicos heredados de otras artes, como la iluminación, el color, el vestuario, el decorado, la música o los actores.


ELEMENTOS ESTRUCTURALES DEL CINE:

En toda película se sigue este proceso de realización.

-El Guión. Realizado o no por el director, es el texto que contiene el argumento de la película y contempla además todos los datos sobre el plano: duración, situación y movimientos de las cámaras, diálogos, interpretación de los actores, iluminación, etc. A veces se establece un prediseño para mayor claridad y se dibujan los fragmentos más difíciles de la cinta.

-El Rodaje. El rodaje es la puntualización de todos los elementos del lenguaje cinematográfico puesta al servicio de la idea que se ha plasmado en el guión, todo ello bajo las órdenes del director.

-El Montaje. Supone el ensamblaje de una escena tras otra. Es la parte más importante de todo el proceso porque determina el resultado final de la película al marcar el ritmo y la estrategia de la narración, que puede ser lineal, in media res, flash-back, tiempo simultáneo, etc.

Escultura y Pintura S.XIX, Resumen

ESCULTURA Y PINTURA DEL SIGLO XIX.
El Romanticismo.
La Revolución francesa, las guerras napoleónicas que azotan Europa y la Crisis interna de los sistemas de Antiguo Régimen provocan la pérdida de la fe en la Razón. Como reacción, aparece una nueva sensibilidad que se caracteriza por conceder un valor primordial al sentimiento, la exaltación de las pasiones, la intuición, la libertad imaginativa y al individuo. El romanticismo es, ante todo, una manera de sentir.
La pintura romántica.
Características generales.
La pintura romántica rechaza las convenciones neoclásicas, las reglas, supone un momento de renovación técnica y estética de importantes consecuencias para el futuro:
§ Utiliza diferentes técnicas; el óleo, acuarelas grabados y litografías.
§ La textura comienza a ser valorada en sí misma y aparecen las superficies rugosas junto con las formas más sutiles. La pincelada es libre, viva y llena de expresividad.
§ Desaparece la línea frente al color. Se recupera la potencia sugestiva del color, liberándose las formas y los límites excesivamente definidos. Es el agente emocional de primer orden
§ La luz es importantísima y se cuidan sus gradaciones dando un carácter efectista y teatral.
§ Las composiciones tienden a ser dinámicas, marcadas por las líneas curvas y los gestos dramáticos. Algunos autores como Friedrich prefieren esquemas geométricos más reposados.
§ Los temas son variados. Se cultiva el paisaje como recurso para transmitir los estados de ánimo, dominado por lo infinito de la naturaleza ante la que el hombre aparece relegado y oprimido. Otros temas son las revoluciones políticas, los desastres, religiosos, retratos, lo exótico y fantástico.
El Romanticismo francés.
Los dos autores más representativos son Géricault y Delacroix, maestros del color, la representación del vigor, de la voluntad y de la energía contenida. Del primero destaca su obra La Balsa de la Medusa que se convierte en un alegato político contra la pasividad del gobierno cuya incompetencia provoca el naufragio de la fragata Medusa. Delacroix se consagra como el máximo exponente del romanticismo con su obra La Matanza de Quíos, donde reflejaba la carnicería realizada por las tropas turcas contra los griegos. Pero la obra más notable es el cuadro que conmemora la Revolución de 1830 y que lleva por título La Libertad guiando al pueblo.
El Romanticismo alemán.
La figura más importante es Friedrich. La representación de la naturaleza alcanza la expresión más elevada donde el hombre cumple el insignificante papel de espectador frente a la magnitud del paisaje. Algunas de sus obras son Salida de la luna sobre el mar o Viajero sobre un mar de niebla.
El romanticismo inglés.
En los últimos años del siglo XVIII, Inglaterra aporta su contribución a la pintura del paisaje romántico a través de las figuras de Constable y Turner.
Constable. Los paisajes de Constable transpiran autenticidad y verdad. Están llenos de manchas de colores y se preocupa sobre todo por captar los efectos de la luz y las cambiantes condiciones atmosféricas a través de una técnica rápida y precisa.
Turner. Su obra expresa la preocupación por el color y la luz que utiliza de manera revolucionaria al representar los medios por los que el color parece propagarse a través de la atmósfera: niebla, vapor y humo. Con su obra Lluvia, vapor y velocidad, se convierte en abanderado de la pintura moderna.
La Escultura Romántica.
Es opinión generalizada entre los románticas que la escultura es el arte que menos se presta a la expresión de la sensibilidad romántica. La única excepción digna la encontramos en el grupo del escultor francés François Rude denominado La marcha de los voluntarios de 1792, alto relieve situado en el Arco de la Estrella en París. La lectura romántica de esta obra se deduce por el vigoroso ritmo de los personajes que marchan contra las tropas invasoras al son de La Marsellesa.
El Realismo
El realismo Pictórico.
Características Generales.
Durante la segunda mitad del XIX asistimos a cambios importantes del mundo del arte, se pasará de una pintura realista a otra impresionista que abrirá las puertas de todos los cambios posteriores.
A nivel político es el siglo de las revoluciones burguesas. Durante todos estos años una rica burguesía controla la política y también el gusto artístico a través de los Salones, medio por el que los artistas exponen su obra y se dan a conocer; frente a ella estarán el socialismo y buena parte de la intelectualidad y de los artistas que claman por una mayor libertad.
El realismo reivindica el apogeo de la realidad, la importancia de los temas cotidianos tratados de un modo objetivo sin idealización ni pintoresquismo, frente a los grandes temas del pasado- religión, mitología, alegoría, historia...- . En este sentido el romanticismo les ha abierto las puertas al haber insistido tanto en el paisaje, sin mitos, y en lo popular.
En realidad lo escandaloso de los realistas está en los temas, la manera que tienen de afrontar la realidad ya que la técnica es más tradicional. Se niegan a idealizar las imágenes y el hombre aparece en sus tareas normales. El gusto burgués mira con añoranza las realizaciones más frívolas del arte del Antiguo Régimen y la aparición de las obras de Courbet suponen un provocador revulsivo.
Los pintores realistas.
Courbet (1819-1877). Considera función de la pintura reproducir la realidad tal como es, libre de todo prejuicio filosófico, moral, político o religioso. Obras importantes son El estudio del pintor y Un entierro en Ornans.
Daumier (1808-1879). Realiza grabados y litografías y caricaturas que critican la hipocresía de la monarquía de Luis Felipe. En la pintura al óleo utiliza una pincelada enérgica que da la sensación de abocetamiento. Sus temas reflejan el compromiso y la solidaridad con las clases humildes. Como en La lavandera o en el Vagón de tercera.
Millet (1814-1875).Es el primer pintor que nos presenta como exclusivo protagonista de un cuadro al trabajador, pero siempre en actitud resignada y paciente como en el Angelus o El sembrador.
El Paisaje realista. El principal artífice del cambio fue Corot y tras él la escuela de Barbizon, cuyos pintores intentan plasmar en la tela la realidad del paisaje francés. Corot no se deja llevar por la interpretación de la naturaleza propia de los románticos, sino que ve la naturaleza tal como es, no tal como se la imagina. Los paisajes de Corot captan el instante, la luz huidiza, la atmósfera que sabemos que cambia según las horas. Obras importantes son La catedral de Chartre y El puente de Nantes.
Escultura realista.
El mejor representante de la escultura realista es Meunier. Consigue sustituir a los dioses antiguos o a los burgueses por los nuevos héroes de la vida moderna: los proletarios anónimos.

Fauvismo, Cubismo y Futurismo

FAUVISMO, CUBISMO Y FUTURISMO
INTRODUCCION.
En el XX los valores establecidos desde hacia siglos se alteran. El artista, inmerso en estos cambios, se sitúa en una nueva dimensión y la innovación en todos los campos de la expresión artística definen esta etapa. Es importante tener en cuenta la fecundidad del arte contemporáneo, que provoca la aparición de corrientes yuxtapuestas, a veces de efímera duración, reflejo de los cambios acontecidos y de la gran capacidad creadora del hombre.
LA PINTURA
Sufre la mayor transformación rompiendo con las convenciones establecidas desde el Renacimiento sobre la perspectiva y sobre la representación figurativa. El artista busca una forma diferente de expresar las realidades cambiantes, dan valores subjetivos al color e insisten en la velocidad y la simultaneidad como elementos condicionantes de la vida contemporánea.
Las tensiones sociales y políticas son graves durante la primera mitad de siglo, y tanto la guerra como el período en entreguerras provocan en los artistas su ira, su frustración ante lo absurdo, su necesidad de expresar la dureza del mundo que están viviendo, distanciándose de los lenguajes y de las formas tradicionales. Es importante tener en cuenta que muchos de los artistas de las primeras vanguardias se afilian o participan activamente en movimientos políticos de diferentes signos. La guerra afecta directa e indirectamente a los hombres y la presión psicológica y el testimonio de la catástrofe quedan presentes en la obra gráfica de los vanguardistas.

El Fauvismo.
El fauvismo puede considerarse como uno de los primeros movimientos de vanguardia del siglo, aunque la cohesión y el propósito común del grupo de pintores que la forma es efímera: 1905-1910.
Las características comunes del grupo son las siguientes:
§ Libertad en el color hasta llegar a la exaltación o la violencia, sin mezclas o matices. El color se independiza del objeto, haciendo un uso arbitrario de este respecto de la naturaleza, cuyos resultados son rostros verdes, árboles azules, mares rojos,...
§ Extrema simplificación de formas y elementos: los objetos y contornos se perfilan con pinceladas gruesas, anchas, bastas y se rellenan con manchas de color planas.
§ Interpretación lírica y emocional de la realidad con temas agradables paisajes o retratos.
§ La profundidad desaparece y los volúmenes se perfilan con pinceladas fuertes y no con el claroscuro. La ruptura con la perspectiva tradicional es un hecho consumado.
§ Es figurativo pero bastante antinatural.
Los pintores más importantes son: Matisse (Mujer con sombrero) y Derain.
El Cubismo.
El nacimiento del cubismo es uno de los acontecimientos más importantes del arte contemporáneo. Esto se debe a que el cubismo no es " un movimiento más", sino que representa la ruptura clara y definitiva con la pintura tradicional: desaparición de la perspectiva (profundidad ), utilización de una gama de colores apagada ( grises, tonos pardos y verdes suaves), introducción de la visión simultánea de varias configuraciones de un objeto (vista de frente y de perfil, por ejemplo) con lo cual desaparece el punto de vista único y la referencia a un espacio fijo e inmutable, se profundiza en el interior de los cuerpos tratando de representar el espacio interior. Las formas de la naturaleza quedan reducidas a las figuras geométricas fundamentales: prismas, rectángulos, cubos...; de ahí precisamente procede el nombre de cubismo. En definitiva, lo que los pintores cubistas intentaron y consiguieron fue elaborar un nuevo lenguaje pictórico a base de descomponer la realidad (lo que se ve) en múltiples elementos geométricos y presentar en sus obras los aspectos más significativos de los objetos.
Las raíces del cubismo hay que buscarlas en los intentos de realizar una representación pictórica que tuviera una base científica, como realizaron los neoimpresionistas y Cézanne. Para los cubistas solo es posible captar la verdadera naturaleza de la realidad a través de su estructura interna. La exposición retrospectiva de Cézanne en 1907 influye decisivamente en Picasso y Braque. Con la obra de Picasso Les Demoiselles d'Avignon (1907) se inicia la ruptura con el concepto del espacio en perspectiva creado en el Renacimiento de forma irreversible.
Entre los pintores cubistas existen divergencias en cuanto a los presupuestos teóricos de los que parte el cubismo.
Braque (1882-1963). Ha dejado penetrantes escritos sobre los propósitos del cubismo: “No podría retratar a una mujer en toda su belleza natural..No tengo capacidad para ello. Nadie la tiene. Por eso he de crear un nuevo género de belleza en términos de volumen, de línea, de masa, de peso, y a través de esa belleza interpretar mi impresión subjetiva”.
Braque respeta o, al menos, no se separa tanto de la realidad visual como Picasso. Se ha observado que los cubistas no introducen nuevos objetos de la civilización técnica: el automóvil, el tren, o las máquinas; se mantiene vinculados a los tradicionales: jarras, vasos, figuras humanas, instrumentos musicales y en una fase avanzada incorporan recortes de periódicos (collage).
Picasso (1881-1973). Es, junto con Braque, el fundador del cubismo. El ambiente de la bohemia modernista catalana prepara al pintor para su vida en París, a donde llega, por primera vez en 1900. Los cuadros de Picasso en esta época revelan su asimilación del impresionismo y del postimpresionismo.
Todas sus experiencias cristalizan en una obra decisiva, Las señoritas de Avignon (1907), donde ha adoptado un nuevo punto de vista, con varias vistas simultáneas. Durante los años siguientes elabora un nuevo lenguaje: el cubismo analítico con obras como Cabeza de Mujer o Muchacha con mandolina, y continua con el cubismo sintético. En 1936 estalla la guerra civil española y Picasso carga su pintura de acentos trágicos. En su obra Guernica utiliza todos los conocimientos que había tejido a lo largo de los años.
El cubismo analítico.
Hacia finales de 1909 se inicia esta fase del cubismo que se caracteriza por analizar la realidad y descomponerla en múltiples planos geométricos anchos y simples que sugieren escasa profundidad y con tonos cromáticos ocres y grises.
En estas obras de Picasso y de Braque, El Portugués, se crea un nuevo concepto de cuadro, de pintura y de espacio. No existe ningún tipo de profundidad ni de espacio ilusorio; sólo formas que desmigajan el objeto desde diferentes puntos de vista y nos las presentan sobre la misma superficie.
El cubismo sintético.
Ahora el objeto no se descompone sino que se resume (sintetiza) en sus aspectos más esenciales sin ningún tipo de sujeción a las leyes de la imitación de la apariencia. La aplicación del Collage (papeles u otros materiales pegados al cuadro) ayuda a formas la visión sintética de los objetos. Destacan como artistas importantes Braque (1882-1963) con su obra Vaso, botella y periódico; Picasso, Vive la France; Juan Gris (1887-1927) y Léger (1881-1955).
El Futurismo
El término futurismo se encuentra por primera vez aplicado al arte en un manifiesto del poeta italiano Marinetti, que pretendía iniciar un humanismo dinámico: Declaramos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva: la belleza de la velocidad. Un automóvil rugiente que parece correr sobre la metralla, es más bello que la Victoria de Samotracia”. Con furor iconoclasta terminaba diciendo: “Queremos demoler los museos, las bibliotecas, combatir el moralismo, el feminismo y todas las vilezas oportunistas y utilitarias. Más adelante pintores que representan esta tendencia como Boccioni o Severini apoyan otro manifiesto de los pintores futuristas en el que insisten en el tema de la velocidad como expresión de la vorágine de la vida moderna
§ Para estos el impresionismo se había detenido en el umbral y a la representación de un caballo de cuatro patas hay que añadirle otras veinte y darle una impresión triangular.
§ De igual manera el sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y el color como una vibración de forma prismática.
§ Característico de este estilo será otorgar a os objetos posiciones sobre el plano con deseo de representar movimiento
§ Fue un movimiento con muchos autores comprometidos con el fascismo que no encontró demasiados seguidores, dejándonos como herencia la sensibilidad por los objetos típicos de nuestro tiempo -máquinas- y una dimensión de ala vida moderna, la velocidad.

EXPRESIONISMO, DADÁ, SURREALISMO Y ABSTRACCION
El Expresionismo.
Con este término se denomina una pintura en la que prima la expresión subjetiva sobre la representación de la objetividad. Se plantean las angustias vitales del hombre y por esto tiene una carga dramática, pesimista y crítica.
Este término engloba obras y autores de un amplio período, aunque el país donde esta vanguardia alcanza mayor intensidad es en Alemania. Sus rasgos generales se acentúan en períodos de crisis.
El valor fundamental es la libertad individual de expresión, pero con unos nexos comunes: El artista expresa emociones, queriendo reproducir en el espectador sus sentimientos. Los momentos de tensión, frustración y desgarramiento político provocan en la paleta de estos pintores la expresión de un grito de protesta.
En Alemania, las ciudades de Dresde, Munich y Berlín son los centros culturales y de contactos artísticos, junto con París, donde surgen agrupaciones de artistas que perfilan el expresionismo.
Los pintores más importantes son los siguientes:
• Munch (1863-1944). Cuando expone por primera vez en Berlín, en 1892, escandaliza y su exposición es clausurada. Munch se consagra al estudio de los problemas psicológicos de la sociedad moderna, por ellos enfermedad y muerte se convierten en una constante en su obra. La forma nace con la participación subjetiva en el objeto del cuadro, objeto que en primer lugar es el hombre con sus sentimientos y sus sensaciones, elementos que hasta entonces han estado vedados. El grito, su obra más conocida la describe el autor como expresión de soledad, angustia y miedo al sentir la fría, vasta e infinita naturaleza, con colores irreales, violentos, que enlazan el paisaje y sitúan en el centro la persona en situación desesperada
• Ensor (1860-1949). Su técnica es de colores vivos y textura fina o compacta. Las máscaras, presentes en sus obras, son grotescas hasta llegar a lo macabro, Vieja con máscara.
• El grupo de Dresde. Tienen en común algunas técnicas y propósitos, como el uso de colores planos y arbitrarios, el alargamiento de las figuras, las coincidencias temáticas (desnudos, animales, bailarinas,...), los contornos negros y la fuerza de la línea. Destacan dentro de este grupo Kirchner (1880-1938) y Nolde (1867-1956).
• El grupo de Munich. En Munich surge la segunda oleada expresionista. Las características comunes de este grupo son el dinamismo y el simbolismo en el uso del color y la tendencia a la abstracción. Destaca dentro de este grupo Kandinsky (1866-1944). Considerado como uno de los más brillantes teóricos del siglo.
• El Grupo de Viena. Durante la guerra algunos pintores necesitan expresar su dolor ante la irracionalidad y la destrucción. Kokoschka (1886-1980), utiliza trazos gruesos y manchas de color como torbellinos, que no abandona durante toda su vida.
El dadaísmo.
Este nuevo movimiento nace cuando en Europa se ha iniciado la guerra de 1914, a la vez se desarrolla el cubismo y el surrealismo. Zurich, Nueva York y Berlín son los centros de los dadaístas.
La palabra "Dadá" es una voz buscada en el diccionario al azar y que no pretende significar nada. Algunos intereses comunes identifican a todo este gran grupo dadá: expresar el estado de ánimo negativo a través de la destrucción, frente a la hecatombe bélica. El manifiesto de 1918 dice: el arte es una idiotez... todo lo que se ve es falso. Además se sienten desencantados, personalmente, ante lo absurdo de la política y adoptan un aire anárquico, tomando el lema de Bakunin como bandera en el campo artístico: la destrucción también es creación.
La forma que adoptan es la provocación, el escándalo, la destrucción como manifiesto de ruptura y negación del arte. El dadaísmo critica al arte y a la cultura burguesa, niega la racionalidad habitual y extiende la crítica al capitalismo y al fascismo. Partiendo de estos pensamientos, dadá es una de las vanguardias más radicales que imponen una auténtica mutación en el arte contemporáneo. Se abandonan las preocupaciones estéticas tradicionales, y el espíritu de ruptura a través del escándalo, provocando una gran libertad creadora que da sus frutos en collages, fotomontajes y pinto-esculturas, técnicas que se mantendrán de moda en la década de 1960-1970.
Los artistas más importantes de esta vanguardia son Duchamp, Arp, Picabia y Grosz.

El Surrealismo.
El surrealismo es un movimiento amplio, que inspira una nueva sensibilidad. Sus fines son provocar la expresión libre de aquello que considera lo más interno en el hombre; su inconsciente y su imaginación.
Breton firma el primer manifiesto surrealista en 1924 y a través de su lectura se encuentran las bases de este movimiento: Creo en el encuentro futuro de estos dos estados, en apariencia contradictorios, como son el sueño y la realidad en una especie de realidad absoluta, de surrealidad. El surrealismo expresa el funcionamiento real del pensamiento, sin control de la razón, libremente frente a preocupaciones estéticas o morales. Existe un punto en el espíritu a partir del cual la vida y la muerte, lo real y lo imaginario, lo pasado y lo futura, dejan de percibirse contradictoriamente.
Recursos comunes para plasmar estos contenidos teóricos en las artes figurativas son introducir máquinas fantásticas, aislar fragmentos anatómicos, la animación de lo inanimado, las metamorfosis, las perspectivas vacías, las creaciones evocadoras del caos, la confrontación de objetos incongruentes, las temáticas eróticas como referencia a la importancia que el psicoanálisis otorga al sexo, aunque cada artista imprime su propio sello.
Los artistas más importantes son los siguientes:
• Salvador Dalí (1904-1989). Su obra se pude resumir en surrealismo y provocación, se marchará de la escuela de Bellas Artes de Madrid por juzgar de incompetentes a sus profesores y ya en París se alista a la tendencia Surrealista (1929).
Su obra siempre inquietante, cercana al lenguaje oral poético, a veces cinematográfica, tiende a romper los valores espaciales característicos de la pintura y adentrarse en los de la literatura.
-Es excepcional en sus calidades plásticas, de asombroso dibujo, se deja influir intencionadamente por el Renacimiento y el Barroco, con una luz limpia y transparente.
-Ya en los trabajos de muchacha en la ventana, donde la corrección del dibujo, de la composición y del color hace pensar en una obra clásica, sorprende por su intento de ruptura con los convencionalismos usuales, al situar a la muchacha (su hermana) de espaldas al espectador.
-Su primera etapa surrealista es furiosa y ácida, las formas se alargan, se descomponen o resultan de apariencia equívoca, como la Persistencia de la Memoria, en el Ángelus Arquitectónico, o en la Premonición de la Guerra Civil (1936). Más adelante se tornará grandiosamente barroco y sus obras, Leda Atómica o el Cristo de San Juan de la Cruz estarán imbuidas de un sentido del espacio y de la composición más clásico pero siempre inquietante. Dalí abandona prácticamente la pintura en 1982, al morir su musa y compañera. Gala Eluard.
-Algunos temas llegan a ser obsesivos, como las imágenes dobladas o las simbólicas asociadas al sexo. Su colorido es brillante; los objetos, los paisajes, las personas son asociaciones simbólicas envueltas en una atmósfera onírica.
• Joan Miró (1893-1983). De lenguaje preciso y minucioso, ya en 1923 se inicia en plasmar la realidad surgida del sueño. Sus creaciones están formadas por asociaciones fantásticas, signos simbólicos, ondulaciones y curvas que imponen a su obra un carácter rítmico y festivo. Este estilo tan propio aparece en todas sus obras con una constante de vivos colores, estrellas, lunas, filamentos, repitiéndose hasta la saciedad, llenos de lirismo y emotividad como en El carnaval de arlequín.

LA ABSTRACCION
El objeto había sido sometido en la pintura del s. XX a toda suerte de experimentos: reducido a color en el Fauvismo, geometrizado en el Cubismo, distorsionado en el expresionismo, vibrado dinámicamente en el Futurismo, soñado en el Surrealismo; ahora el arte abstracto se procede definitivamente a su eliminación. El lienzo se transforma en un grito, en lago inarticulado e incomprensible que para algunos responde a la raíz destructiva de la sociedad moderna.
-El propósito de los artistas abstractos es prescindir de todos los elementos figurativos para concentrar la fuerza expresiva en formas y colores que no ofrezcan relación con la realidad visual.
-La obra se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza, y por tanto ya no representa hombres, paisajes, casas, flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar con un lenguaje sin formas, como el de la música, la necesidad interior. El color se ordena libremente, a impulsos de la inspiración.
-V. Kandinsky y P. Klee son considerados los padres de la pintura no figurativa, y les siguen otros autores llamados neoplasticistas que reducen la abstracción a representaciones geométricas de colores delimitados por franjas negras, llegando a representar en la madurez a eliminar todo rasgo concreto de un objeto visible, comenzando el cuadro por una idea intelectual.
-Un siguiente paso será la utilización de otros materiales tales como sacos, metal, arena, para dar al lienzo una realidad tridimensional, que muchos interpretan como una desesperación por el presente industrial y una nostalgia por lo natural.

LA ESCULTURA.
La escultura sufre en el XX una revolución radical, que levemente se apuntaba ya en algunos escultores desde mediados del siglo anterior. Su evolución, más lenta que la pintura, quizá se deba a su mayor supeditación al encargo y a los costosos materiales necesarios, actuando como un freno a la experimentación.
La escultura cobra valor en sí misma, se independiza fuera de un conjunto o ambiente determinado y tiende igual que la pintura a la abstracción y al uso de nuevos materiales.
Los inicios
• Pablo Picasso. Rompe con la tradición formal e introduce la descomposición geométrica como un nuevo lenguaje en la escultura que apuntala el desarrollo de la abstracción, e introduce concavidades que sirven para incorporar el vacío como elemento escultórico. Entre 1904 y 1914 realiza esculturas introduciendo nuevos materiales (chapa, alambre, cordeles), que cobra vida propia con su manipulación.
• Pablo Gargallo (1881-1934) Trabaja con chapas de hierro dándoles formas cubistas. El Profeta.
•Constantino Brancusi (1876-1957). De espíritu independiente, experimenta con inquietud cómo penetrar más allá de la apariencia, hasta llegar a la esencia y alcanzar la belleza eliminando detalles y simplificando formas. Le atrae el volumen cerrado, tradicional, aunque da vida deforma diferente a los objetos con gran simbolismo y estilización. El beso
Período de entreguerras.
•Julio González. Es quizá el principal escultor del periodo en entreguerras. Catalán, de familia de orfebres y herreros, familiarizados con la forja y los diseños ornamentales de joyería modernista, reside en País desde 1900, donde realiza dibujos, pinturas, trabajos de orfebrería y escultura en bronce. En 1937 presenta en la Exposición Internacional de París su Montserrat, de tremendo dramatismo, reflejo del dolor de la situación de una España desgarrada por la guerra. Es el primero en utilizar el hierro de forma sistemática.
La segunda mitad del siglo hasta la actualidad.
• Henry Moore. Para el es más importante la fuerza que la belleza convencional. Uno de sus temas preferidos es la figura femenina reclinada, consiguiendo crear una sugerente mujer, muy vital y madre. Otro tema común es la mujer asociada a la fertilidad, de inspiración prehistórica. Disfruta trabajando el material y descubriendo el camino que este le indica, antes que alterar deliberadamente la forma natural de una pieza de piedra, bella por sí misma. Figura recostada y Madre reclinada e hijo.
• Alexander Calder. Es una figura singular, inventos de la escultura móvil, para la cual estaba muy preparado gracias a sus estudios de ingeniería. Sus "objetos libres", apoyados o colgantes, hechos con láminas de metal, se mueven casi siempre con las mínimas corrientes de aire.
• Eduardo Chillida (1924). Trabaja el hierro, el acero, la madera, el hormigón, el alabastro. Se observa gran elegancia en sus estructuras de corte arquitectónico y majestuosa presencia.

Impresionismo y Postimpresionismo

IMPRESIONISMO Y POSTIMPRESIONISMO.
AUTORES IMPRESIONISTAS: MANET, MONET, RENOIR, SIGNAC Y DEGAS.
AUTORES IMPRESIONISTAS: GAUGUIN, CEZANNE Y VAN GOGH.

1.- EL IMPRESIONISMO:
Introducción
El crecimiento capitalista y la industrialización desencadenan un desarrollo sin precedentes que transforman radicalmente a Europa. La concepción de la realidad cambia a un ritmo vertiginoso y todo esto afecta profundamente al arte. Los conceptos de espacio y tiempo se transforman, las comunicaciones son cada vez más rápidas, la fotografía permite ver cosas que el ojo humano no percibía. Ante este mundo cambiante, el arte pictórico de la segunda mitad del siglo XIX ofrece el camino del impresionismo que supone el origen del arte contemporáneo después de las experiencias postimpresionistas.
Durante el siglo XIX el medio por el que los artistas conseguían su aceptación era a través de los Salones o Exposiciones Nacionales. Para un pintor el no ser aceptado en un Salón suponía su marginación y su fracaso. La decisión de incluir o excluir las obras competía a los jurados formados por autoridades académicas cuyos criterios se basan en las tradiciones más conservadoras y se rechazaban las obras originales que suponían una ruptura con el arte oficial. En 1863 se organizó una exposición con las obras que el jurado no había admitido. A esta exposición se la llamó " Salón de los rechazados", entre los que se encontraba Manet y algunos años más tarde, en 1874, organizan la primera exposición impresionista: Monet, Renoir y Pissarro, entre otros.
Características Generales:
§ Se utiliza el óleo sobre lienzo principalmente, aunque también el pastel sobre papel.
§ Nuevos temas. Los impresionistas descubren que no existe el tema insignificante sino cuadros bien o mal resueltos. Hacen una recuperación de lo banal que favorece la atención a los problemas formales. Hay una marcada preferencia por los paisajes tanto rurales como urbanos; interesa la captación de lo fugaz- el agua, el humo, aire...-. Son paisajes reales, no compuestos, donde aparecen elementos considerados feos como el ferrocarril, las estaciones,... También hay escenas intranscendentes, de ocio - bailes, tabernas-. Se renuncia los temas "importantes", con mensaje; son la negación del tema.
§ Nueva valoración de la luz. El color no existe, ni tampoco la forma; soló es real para el pintor la relación aire-luz. De este modo, la luz es el verdadero tema del cuadro y por esto repiten el mismo motivo a distintas horas del día. La calidad y la cantidad de luz (no la línea o el color) es la que nos ofrece una u otra configuración visual del objeto. Esto les obliga a pintar al aire libre y a emplear una factura rápida capaz de captar algo tan cambiante. Los cuadros son muy luminosos y claros.
§ El color está directamente relacionado con la luz. Utiliza colores claros, vivos y puros que se aplican de forma yuxtapuesta para que la mezcla se produzca en la retina: es lo que se llama mezcla óptica. Con este recurso se gana viveza cromática. Las sombras dejan de ser oscuras y se reducen a espacios coloreados con las tonalidades complementarias, ya que el color se hace más vigoroso acercándolo a su complementario (Ej. el rojo y el verde se potencian mutuamente). El negro desaparece por considerar que no existe en la naturaleza por esto el sombreado no se realiza a la manera tradicional coloreando las sombras.
§ Pincelada suelta, corta y rápida. Para traducir mejor las vibraciones de la atmósfera rehuyen cualquier retoque de las pinceladas y prefieren la mancha pastosa y gruesa. La línea desaparece y son la pincelada y el color los valores dominantes.
§ El modelado al modo tradicional, con gradaciones de color y luz, no existe y con el tiempo se acabará disolviendo las formas y volúmenes en impactos luminosos y cromáticos.
§ Pintura al aire libre. Esta proyección hacia los lugares abiertos viene impuesta por la temática pero más todavía por el deseo de " limpiar de barro" los colores, de verlos y reproducirlos puros, y de hallar un correctivo a la composición demasiada mecánica, de pose, del estudio.
§ Nueva valoración del espacio ilusorio. No hay interés por el espacio que finja profundidad, desaparece la concepción tradicional del cuadro como escaparate o ventana. Se pretende que sea algo vivo, un trozo de naturaleza, por lo que se huye de la perspectiva y la composición tradicional. En muchos cuadros lo llamativo es el encuadre que corta figuras y objetos como el objetivo de una cámara fotográfica.
Pintores impresionistas.
Manet. Rechaza la tradición académica. Su polémica entrada en el mundo pictórico la realiza en el Salón de los rechazados con su obra El almuerzo sobre la hierba, cuadro que escandaliza al público y a la crítica porque ofrece una visión de la luz y la composición que los ojos de sus contemporáneos no estaban preparados para asumir. La sensación de volumen no se crea a partir del claroscuro y las figuras no se sitúan en un espacio ambiental sino que se funden en él. Otras obras de Manet son Olimpia y El bar del Folies Bergère.
Monet. El más poético de los pintores impresionistas, tiene una concepción fluida de la naturaleza. Uno de los primeros objetivos de Monet es fijar la inmediatez de la sensación visual. Para ello escoge los motivos acuáticos, destacando los efectos de la luz sobre el agua. Su preocupación por las variaciones luminosas según la hora del día le lleva a ejecutar varios cuadros simultáneamente sobre el mismo motivo: La catedral de Ruan, Acantilados,...El cuadro de Monet Impresión: sol naciente sirve de pretexto para que un crítico irónicamente bautice a este grupo con el nombre de impresionistas.
Renoir. Es al mismo tiempo un revolucionario y un artista con un fuerte peso de la tradición. Con tonalidades fuertes, rojas y amarillas, capta las vibraciones de la luz ondulante entre hojas. Prefiere como motivo al ser humano, sobre todo la mujer, que para él expresa la belleza., así puede admirarse en su obra más famosa Le moulin de la Galette.
Signac. Es después de Seurat, el representante más destacado de la escuela neoimpresionista o puntillista. Por influencia de Seurat sigue la técnica divisionista, estudiando cuidadosamente los efectos de luces, y llega a veces a superar a su maestro en la luminosidad del colorido. Presidente del salón de independientes, centra su labor principalmente en el paisaje
Degas. Es un impresionista de la forma más que del color. En muchos cuadros la luz brillante de la atmósfera es desplazada por la luz de las candilejas; la irisación de las ondas de Monet es en él brillos de faldas de bailarinas captadas en momentos fugaces. Considera que la forma tiene valor en sí misma y conserva su volumen. Siente especial interés por la figura humana como en sus temas de bailarinas.
Otros: Pissarro y Sisley.
Seurat. Intenta representar la realidad partiendo de una construcción rigurosamente científica. Se inicia así el llamado Puntillismo o divisionismo. Su técnica consiste en representar la vibración luminosa mediante la aplicación de pequeños puntos que, al ser percibidos por el ojo, recomponen la unidad de las formas y de la luz. Este procedimiento se ve en la obra Un domingo de verano en la Grande Jatte.

2.- EL POSTIMPRESIONISMO:
El impresionismo con su afán por captar la luz del natural había ido disolviendo las formas en su ambiente y todos los elementos del cuadro habían ido perdiendo volumen, dibujo y sentido del espacio. En los últimos años del XIX y principios del XX nos encontramos con unos pintores que partiendo del impresionismo derivan hacia una pintura personal que anuncian algunos de los movimientos pictóricos más importantes del siglo XX. El postimpresionismo supone entre otras cosas una recuperación de la importancia del dibujo y de la preocupación por captar no sólo la luz sino también la expresividad de las cosas y de las personas iluminadas.
Paul Gauguin. Se inicia en el impresionismo con Pissarro; deja una vida confortable, familia, mujer e hijos y se instala pobremente en París y Bretaña y después se traslada a Tahití, donde pinta sus series de mujeres tahitianas. Destaca por el uso tan expresivo que hace del color con tonos fuertes, vivos y muchas veces arbitrarios que dispone en grandes planos delimitados por ritmos lineales curvos. Tiene dos temas preferentes: el mundo exótico de Tahití y el "primitivismo" de Bretaña. Su obra es preferente del simbolismo y su sentido del color influirá en los fauvistas y expresionistas. Renuncia a la perspectiva, suprime el modelado y las sombras e identifica la sensación de plano igual que en las pinturas japonesas.
Paul Cézanne. En su pintura se recupera el volumen gracias a la geometría, el dibujo y la definición de las formas mediante pinceladas que han sido llamadas constructivas; todo esto sin renunciar al color de gran intensidad mediante los contrastes y las sombras coloreadas. En sus cuadros se potencia el primer plano y realiza pequeñas distorsiones fruto de la utilización de más de un punto de vista (bodegones). Su pintura es el punto de arranque del cubismo y ha influido en coloristas como Matisse. Los jugadores de cartas, la montaña de Santa Vitoria..
Van Gogh. Se establece en Arles entusiasmado por la luz de la Provenza pinta figuras y paisajes de formas serpenteantes flamígeras que traducen su fuego interior. Es un apasionado del color como vehículo para expresar las frecuentes depresiones y angustias que padeció. Su pincelada es muy característica, sinuosa, cursiva y espesa; los colores son a veces agresivos con contrastes no frecuentes- amarillo sobre naranja-. Abre las puertas al expresionismo del XX. Autorretrato, Noche estrellada, La siembra,...
Toulouse-Lautrec. Nos refleja el ambiente de los salones nocturnos: bailarinas, cantantes y prostitutas son sus modelos. En su técnica el dibujo, la captación del movimiento y la carga irónica y caricaturesca es esencial. Moulin Rouge.

La escultura:
Rodin (1840-1917).
Al mismo tiempo que se desarrolla en la pintura la corriente impresionista, el arte escultórico inicia la búsqueda de un nuevo lenguaje que esté en consonancia con los planteamientos estéticos que surgen a finales del XIX.
La obra escultórica de Rodin replantea los presupuestos del realismo, asume algunos de los planteamientos del impresionismo como la valoración del fragmento y la importancia de la sensación luminosa. Es el primer escultor que consigue que lo que parece un boceto sea visto como una obra acabada. Todo ello lo consigue gracias a una gran facilidad para el modelado, replanteando bajo nuevos criterios la configuración del espacio escultórico mediante superficies y volúmenes sobre los que la luz crea fuertes contrastes. Obras importantes son: Los burgueses de Calais, Balzac y El Beso.

La Arquitectura del S. XX

LA ARQUITECTURA EN EL SIGLO XX
Introducción.
En el siglo XX los problemas del hombre actual son nuevos y por ello sus necesidades también, sin antecedentes referenciales. Ante todo se revisa el verdadero significado de la arquitectura y a partir de este momento no podrá juzgarse suficientemente una obra si no la visitamos en su interior. Esta nueva estética radica en la función. Si el edificio está armoniosamente distribuido en su interior, si está integrado en el entorno, si resulta grata su habitabilidad, el edificio es bello.
Desligados del compromiso del pasado, los arquitectos de este siglo manejan los volúmenes y los espacios con criterios absolutamente distintos producto de los nuevos materiales y de las nuevas necesidades.
EL RACIONALISMO.
El movimiento denominado Racionalismo agrupa las más fuertes personalidades de este siglo; su obra y su teoría son individuales pero tienen el denominador común de la simplicidad de las formas, la forma sigue a la función:
§ Usa materiales altamente industrializados especialmente el hormigón armado. Es un material barato, adaptable, incombustible, anticorrosivo y que permite la construcción en esqueleto dejando la planta libre. Además permite la prefabricación en serie. Se alterna con otros como acero, cristal o ladrillo.
§ El muro no es soporte, quedando reducido a una ligera membrana de cerramiento con gran número de ventanas que proporciona a los interiores luz y aire. Los soportes son pilares de diferente sección de acero y hormigón. Las cubiertas en general son adinteladas apoyando en los soportes con los que forman el esqueleto, consiguiendo un efecto ligero e ingrávido de gran audacia constructiva.
§ Los elementos decorativos desaparecen a favor de la forma recta y desnuda. Hay una gran preocupación por la proporción, la simplicidad y la asimetría. El espacio interno se basa en la planta libre con paredes interiores que se curvan y mueven libremente adaptándose a las diferentes funciones. En los exteriores los voladizos, los bajos libres y las terrazas en horizontal definen la nueva imagen.
§ Hay un gran interés por los temas urbanísticos ya que tratan de acomodar a los hombres al nuevo ritmo de vida y organizar sus agrupaciones, proponiendo nuevas fórmulas como la ciudad-jardín de Howard o la ciudad industrial de T. Ganier. Los edificios más representativos son las viviendas sociales, en especial rascacielos de viviendas, construcciones industriales, edificios administrativos, teatros, salas de conciertos y estadios deportivos.
A-Protorracionalismo, Adolf Loos: La mayor parte de sus obras fueron para la ciudad de Viena. Estaba totalmente en contra de la ornamentación de la arquitectura. Esta ha de ser según él, utilidad, y sus formas y volúmenes han de estar en relación con el ser humano
Peter Brebens: es, ante todo un arquitecto de fábricas como la AEG o la de turbinas de Berlín. Aprovechó las máximas cualidades de de los diferentes materiales para conseguir la máxima economía y simplificación, sin reñir con la estética.
Auguste Perret.: representa el racionalismo en Francia, y es el autor de la Casa Franklin de París (1902), en la que se sirve de cemento armado y cristal, igual que Tony Garnier que presentó una ciudad industrial para 35.000 habitantes a base de los mismos materiales. Su obra se sitúa en utopías socialistas de Owen y Fourier.
B- La BAUHAUS, fundada por Gropius en Alemania como centro pedagógico y experimental de arquitectura y diseño. Aunque entra en decadencia en 1930, ejerce una enorme influencia que crece al emigrar sus componentes a otros países de Europa y EEUU.
Walter Gropius: Su primera obra importante fue la Fábrica Fagus (1911) concebida como una hermosa combinación de hierro y vidrio, pero su gran obra es el edificio Bauhaus en el que colaboraron tanto profesores como estudiantes. La planta está formada por tres brazos que se extienden con libertad y multiplica los puntos de vista. Los muros son de cemento armado y vidrio.
Mies van der Rohe: La primera obra de este autor que podemos considerar revolucionaria data de 1919: el edificio de oficinas de la Friedrichstrasse de Berlín, tres torres unidas en el centro en el que se situaron escaleras y ascensores. Entre 1923 y 1924 proyecta dos casas de campo y en 1929 el pabellón de Alemania en la Exposición Universal de Barcelona, en el que demuestra que su arquitectura se fundamenta en el adecuado manejo de los materiales modernos, en los volúmenes nítidos y en el empleo del muro cortina que sustituye al muro tradicional. Emigrado a EE.UU., construye un gran número de rascacielos que parecen grandes cajas de cristal, en los que se percibe la devoción del arquitecto por las formas puras.
Le Corbusier: nace en Suiza, aunque la mayor parte de su obra se desarrolla en Francia. Aprende con Perret el uso del hormigón armado. Uno de sus primeros proyectos es la casa de Dom-Ino, en la que se contempla la posibilidad de su construcción en serie.
Funda junto a su Primo J. Jeanneret y Ozefant un estudio del que salen propuestas urbanísticas: ciudades para tres millones de habitantes. En 1926 realiza una de sus obras más conocidas, la Villa Savoye, que consiste en una estructura de hormigón armado encalada de inspiración mediterránea que se fundamento en los cinco puntos en los que se resume su arquitectura:
§ Empleo de pilotis: A modo de pilares para que la estructura quede sustentada y separada del suelo quedando un espacio transitable.
§ Fachada libre.
§ Terraza jardín: factible gracias al uso de hormigón que facilita la construcción de techos planos.
§ Multiplicación infinita de los vanos: ventanales corridos divididos por varillas metálicas.
§ La planta libre: al variar la función del muro, las plantas son mucho más diáfanas.
En su tratado de 1935, Le Modulor, recoge todas sus propuestas urbanísticas. Es un teórico, pero no utópico, ya que la mayoría de sus propuestas se aplican en las obras. Una de sus aplicaciones inmediatas fue la Unidad de Habitación de Marsella (1946-52), conjunto destinado a familias obreras, habitable y a bajo precio.
Hacia 1950 se suaviza su Racionalismo y se aproxima al Organicismo expresado en su obra maestra, Notre-Dame du Haut en Ronschamps.

EL ORGANICISMO
Por arquitectura orgánica debemos entender todas aquellas manifestaciones arquitectónicas que tratan de adecuarse y aliarse con la naturaleza. Esta idea la podemos encontrar en la arquitectura desde tiempos muy remotos, pero su verdadera formulación la redacta Frank Lloyd Wrigt (1869-1959). Se define por:
§ El sentido de lo interior como realidad.
§ La planta libre como flexibilidad y continuidad de ambientes.
§ La unidad entre interior y exterior.
§ El uso de materiales naturales.
§ La casa como protección.
Con F. LL. Wrigt el Racionalismo comienza a ser olvidado y se ensayan nuevos caminos para la arquitectura de origen norteamericano, viaja a Tokio, donde se siente fascinado por la arquitectura japonesa, igual que por los templos mayas del Yucatán, por lo que puede decirse que tiene una formación cosmopolita. A esta amplia formación debemos la Casa de la Cascada en Pensilvania, bella simbiosis entre naturaleza y arquitectura.
Con las formas curvas experimentó en el Museo Guggenheim de New York (1943-58). En este caso se encargó de que el museo poseyera espacios luminosos con luz controlada, no relejada por las superficies, por otro lado un espacio para disfrutar ascendiendo una rampa de un modo continuo y sin rupturas la exposición de objetos.


LA ARQUITECTURA EN LOS AÑOS 50
La nota que mayor define la arquitectura a partir de estos años es la diversidad.
Aparecen arquitectos como Le Corbusier, que interpretan la arquitectura como si de un objeto escultórico se tratase. Es el caso de P. Luigi Nervi que basará sus creaciones en tres aspectos: La cúpula esférica, la bóveda cilíndrica y los pilares inclinados en forma de Y. En esa línea están Félix Candela, nacido en Madrid, pero avecindado en México, donde realizó la mayor parte de sus obras.
Jørn Utzon, nacido en Copenhague es el autor de la Opera de Sydney (iniciada en 1957). Edificio realizado con cascarones de hormigón prefabricados superpuestos unos sobre otros que avanzan hacia la bahía.
Alvar Aalto (1898-1976), finlandés que funde en sus obras el espíritu racionalista con la tradición popular y los materiales tradicionales, preferentemente de madera. Son edificios cálidos y adecuados a la dimensión del ser humano, en los que se percibe la influencia de Wrigt

LA ARQUITECTURA DE LOS AÑOS 60
Son tiempos de revoluciones utopías y propuestas, dentro de las que sobresalen los arquitectos japoneses, los más creativos e innovadores del momento.
El urbanismo experimenta cambios extraordinarios. Una de las propuestas más significativas es la del grupo Archisgram, de origen inglés, procedente de la estética Pop y del mundo del comic, que llegó a discernir una ciudad que podría moverse gracias a las patas de las casas que semejan grandes naves espaciales.
Uno de los arquitectos más interesantes es Kenzo Tange, que junto a Korokawa y Arata Isozaki, representan lo que se ha venido denominando Metabolismo, que se fundamenta en:
§ Megaestructuras: torres formadas por diversas células con un eje central.
§ Vigas voladizas, elementos horizontales volados.
§ Mallas colgantes
§ Edificios a domo de cajas cúbicas.
En este tiempos e sigue desarrollando la tecnología sísmica para dotar de mayor estabilidad a los rascacielos, cúpulas geodésicas, etc.

La Arquitectura del S. XIX

LA ARQUITECTURA DEL XIX

El siglo de la industrialización.
El siglo XIX es un tiempo de gestación. La nueva sociedad, la nueva cultura industrial, necesitaba una respuesta arquitectónica a sus necesidades y esta respuesta, que no será dada satisfactoriamente hasta el sigo XX, se elabora durante el XIX.
Es un período en el que se entrecruzan diferentes tendencias, con una cierta confusión, pero sobretodo está marcado por el enfrentamiento entre tradición arquitectónica y las nuevas técnicas, materiales y necesidades aportados por la revolución industrial. Esto provoca la existencia de dos tendencias artísticas que se prolongan a lo largo de todo el siglo:
Arquitectura Historicista
Es un retorno a los estilos pasados. Tanto en sus aspectos constructivos como en los decorativos tiene caracteres tradicionales; es una arquitectura de pocas novedades. Se construyen edificios de diversa índole como iglesias, palacetes,... y se utiliza para cada uno un estilo diferente dependiendo del cliente y del artista. El Neogótico fue el estilo más importante. En Francia Viollet-Le-Duc se dedicó a la restauración de las catedrales góticas. En Inglaterra destaca el Parlamento de Londres.
Otros medievalismos también utilizados pero de menor importancia son el Neorromántico, Neobizantino o Neomudejar.
La Arquitectura del Hierro.
Nace en relación a la revolución industrial, que ofrece otras posibilidades y necesidades. Aporta una nueva visión de la construcción muy diferente a la tradicional, lo que supone cambios no solo de materiales, sino de técnicas de construcción, valores plásticos, tipologías, etc. Las características más importantes son las siguientes:
§ El material que utilizan es el hierro, hierro colado, de gran consistencia, más elástico indicado para soportes de gran carga. Desde 1845 se impone el acero de producción industrial y se generaliza el uso del cristal. En los revestimientos de los muros se utilizan materiales tradicionales (mampostería, ladrillo, piedra,..)
§ Los muros son simples cerramientos de los edificios sin otra función ya que la carga está sustentada por un armazón interno. Los soportes aislados suelen ser columnas de fundición trabajadas como las clásicas y pies derechos de hierro laminado más resistente para cargas de gran empuje o construcciones amplias.
§ Las cubiertas son techumbres de armazón metálico de diferentes formas o bóvedas metálicas cubiertas con láminas de cristal, teja o pizarra.
§ La decoración hecha en metal es casi inexistente pero aparece a menudo otra decoración de materiales tradicionales en los revestimientos externos.
§ En el espacio interno aporta un nuevo concepto espacial de extensión indefinida, amplia, despejada y luminosa. Muestra respeto por la simetría, proporción y armonía pero no teoriza sobre esto.
§ Se centró en la construcción de edificios acordes con los nuevos tiempos: puentes, fábricas, invernaderos, estaciones de ferrocarril, mercados, edificios para exposiciones, lo que significa el nacimiento de nuevas tipologías. Creó una nueva tradición constructiva que se ajusta al principio de que la forma sigue a la función. Se impone lentamente a mediados del XIX con sus innovaciones: construcción en esqueleto que permite edificar en altura, las paredes de vidrieras casi continuas, la planta libre y origina una nueva visión arquitectónica
Los edificios más significativos son : el Palacio de Cristal de Paxton (Londres 1850-51), la Galería de las máquinas de Dutert y Contamin, la Torre de Gustavo Eiffel (París 1889), la Estación de Atocha y el Palacio de Cristal del Retiro de Madrid.
La Escuela de Chicago. A finales del siglo XIX esta arquitectura conoce un gran apogeo en EE.UU. Los centros de negocios se centralizan y se hace necesaria la construcción en altura para rentabilizar el valor de los terrenos. El desarrollo de los ascensores y las estructuras metálicas se conjugan produciendo una nueva arquitectura, la de los rascacielos, basada en un sentido utilitario y funcional. El representante de esta escuela es Louis Sullivan que realiza el Auditorio de Chicago, los almacenes Carson, etc.
El Modernismo.
A caballo entre los siglos XIX y XX surge un estilo artístico fugaz pero de gran intensidad, el Modernismo, transmisor de la herencia cultural de siglo XIX y fundamento de muchas de las corrientes arquitectónicas del XX. El modernismo es un fenómeno complejo que se produce en las ciudades de aquellos países por donde se alcanza un cierto desarrollo industrial. Pretende ser el reflejo de una sociedad moderna y activa para hacer una ciudad alegre, nueva y elegante. Es el estilo de una rica y refinada burguesía de fin de siglo, la más preparada social e intelectualmente.
A pesar de las diferentes interpretaciones y nombres que recibe en los países en que se desarrolla, mantiene unas características más o menos comunes:
§ En materiales junto con los tradicionales se utilizan el hierro y el vidrio de forma constructiva y decorativa.
§ Los muros tiene un modelado plástico y sinuoso con formas caprichosas y los soportes son columnas, con aspectos de tallos vegetales, y pilares de piedra con formas fantásticas.
§ Las cubiertas son estructuras metálicas con revestimiento de vidrio coloreado de poco peso permitiendo libertad de formas y espacios abiertos.
§ La decoración es un elemento importantísimo. Las superficies curvas y la decoración floral y ondulaste dan forma a los edificios y recubren los muebles y las paredes. Las algas marinas, los lirios y los tulipanes, las mariposas, las vestiduras y los largos cabellos femeninos se unen en una curiosa mezcla con un sentido orgánico. Están realizadas en cerámicas, relieves o vidrieras y el color es un elemento fundamental.
§ La falta de simetría y las extrañas formas que a veces adoptan los planos, revelan un alto grado de racionalización en la integración de todos los elementos del edificio: interiores y exteriores, escaleras y habitaciones, materiales y decoración, todos los elementos de la casa se ajustan al estilo creando una atmósfera íntima.
Víctor Horta es el pionero en Bélgica y en toda Europa. Su obra La casa Tassel de Bruselas es la primera manifestación de este estilo.
El Modernismo en España.
El desarrollo industrial de Cataluña permite incluirla en las corrientes artísticas europeas y "el modernisme" alcanza un desarrollo y una vigencia mayores que en otros lugares, pues se prolonga hasta los años veinte. Características del "modernisme" es el acento neogótico de muchas de sus obras, consecuencia del nacionalismo de la burguesía catalana que pretende encontrar en lo medieval un esplendor modélico.
Entre los arquitectos del "Modernisme", Gaudí es el más importante, pero otros muchos arquitectos hacen que Barcelona cobre especiales tonos modernistas como Lluís Domènech i Montaner y Josep Puig i Cadafalch.
Antoni Gaudí.
Es el mejor y más creativo arquitecto de la época del Modernisme. Su arquitectura es más audaz y libre de prejuicios técnicos y formales que la de su tiempo y demuestra la capacidad de la arquitectura como vehículo de expresión lírica, de no estar casi siempre limitada por el utilitarismo y las tradiciones.
Sus obras más importantes son: El Capricho de Comillas, El palacio Episcopal de Astorga con elementos neogóticos, La reforma de la casa Batlló donde las paredes se ondulas, La casa Milá, llamada también "la Pedrera", el parque Güell, y La Sagrada Familia. Recibe el encargo en 1883 y trabaja toda su vida en ella, en especial en sus últimos años. Es un proyecto de grandes dimensiones que no llegó a terminarse. Constituye uno de los más audaces y sorprendentes monumentos religiosos de nuestro siglo en el que se conjuga una fértil y susreal fantasía con una avanzada solución estructural.



LA ARQUITECTURA EN EL SIGLO XX
Introducción.
En el siglo XX los problemas del hombre actual son nuevos y por ello sus necesidades también, sin antecedentes referenciales. Ante todo se revisa el verdadero significado de la arquitectura y a partir de este momento no podrá juzgarse suficientemente una obra si no la visitamos en su interior. Esta nueva estética radica en la función. Si el edificio está armoniosamente distribuido en su interior, si está integrado en el entorno, si resulta grata su habitabilidad, el edificio es bello.
Desligados del compromiso del pasado, los arquitectos de este siglo manejan los volúmenes y los espacios con criterios absolutamente distintos producto de los nuevos materiales y de las nuevas necesidades.
EL Racionalismo.
El movimiento denominado Racionalismo agrupa las más fuertes personalidades de este siglo; su obra y su teoría son individuales pero tienen el denominador común de la simplicidad de las formas, la forma sigue a la función:
§ Usa materiales altamente industrializados especialmente el hormigón armado. Es un material barato, adaptable, incombustible, anticorrosivo y que permite la construcción en esqueleto dejando la planta libre. Además permite la prefabricación en serie. Se alterna con otros como acero, cristal o ladrillo.
§ El muro no es soporte, quedando reducido a una ligera membrana de cerramiento con gran número de ventanas que proporciona a los interiores luz y aire. Los soportes son pilares de diferente sección de acero y hormigón. Las cubiertas en general son adinteladas apoyando en los soportes con los que forman el esqueleto, consiguiendo un efecto ligero e ingrávido de gran audacia constructiva.
§ Los elementos decorativos desaparecen a favor de la forma recta y desnuda. Hay una gran preocupación por la proporción, la simplicidad y la asimetría. El espacio interno se basa en la planta libre con paredes interiores que se curvan y mueven libremente adaptándose a las diferentes funciones. En los exteriores los voladizos, los bajos libres y las terrazas en horizontal definen la nueva imagen.
§ Hay un gran interés por los temas urbanísticos ya que tratan de acomodar a los hombres al nuevo ritmo de vida y organizar sus agrupaciones, proponiendo nuevas fórmulas como la ciudad-jardín de Howard o la ciudad industrial de T. Ganier. Los edificios más representativos son las viviendas sociales, en especial rascacielos de viviendas, construcciones industriales, edificios administrativos, teatros, salas de conciertos y estadios deportivos.
Su centro principal lo constituye la BAUHAUS, fundada por Gropius en Alemania como centro pedagógico y experimental de arquitectura y diseño. Aunque entra en decadencia en 1930, ejerce una enorme influencia que crece al emigrar sus componentes a otros países de Europa y EEUU. Los más destacados arquitectos de este momento son en Francia Le Corbusier (Villa Saboya y Unidad de Habitación) y en Alemania Mies van der Rohe y Walter Gropius.

Revolución Industrial

LA REVOLUCIÓN INDUSTRIAL

1.- EL ANTIGUO RÉGIMEN

Las enormes transformaciones económicas que conocerá Europa (comenzando estos cambios Gran Bretaña) a partir del siglo XVIII modificarán en gran medida un conjunto de instituciones políticas, sociales y económicas vigentes en muchos países desde al menos el siglo XVI que suelen denominarse como El Antiguo Régimen. El nombre fue utilizado por primera vez por dirigentes de la Revolución Francesa en un sentido crítico: los revolucionarios pretendían terminar con todo lo que constituía ese Antiguo Régimen. Aquí nos ocuparemos fundamentalmente de los aspectos económicos, aunque dando también las claves básicas para comprender las instituciones políticas y sociales de esta época.

1.1.- POLÍTICA Y SOCIEDAD EN EL ANTIGUO RÉGIMEN

En cuanto a la política la forma del estado durante el Antiguo Régimen es la Monarquía Absoluta (Texto). El rey considera que su poder es de origen divino (Dios ha delegado en él) y, por tanto, ilimitado (sólo responden ante Dios). Los monarcas absolutos concentran en sus manos el poder legislativo, el ejecutivo y el judicial, mandan sobre el ejército y todas las instituciones del estado. El estado en su conjunto (incluyendo sus habitantes-súbditos) no son sino una propiedad personal del Rey.

Las sociedades del Antiguo Régimen se caracterizan por tener una población estancada, sometida periódicamente a las llamadas crisis de subsistencia, (Texto) y que aún no han conocido la revolución demográfica que hará crecer la población europea a ritmos nunca antes conocidos. Se trata de una sociedad formada por grupos muy cerrados: la sociedad estamental.

La sociedad estamental se caracteriza por la desigualdad legal entre los diferentes grupos sociales o estamentos. De un lado distinguimos el grupo de los Privilegiados, constituidos por la nobleza y el alto clero, que poseían enormes riquezas provenientes de las rentas de la tierra y gozaba de exenciones fiscales -estaban excluidos del pago de varios impuestos-, eran juzgados según leyes distintas a las del pueblo, y se reservaban los cargos más importantes del ejército, la iglesia y el estado.

De otro lado tendríamos al estamento no privilegiado (o tercer estado), que no era un grupo nada homogéneo, pues cabían en él, desde ricos comerciantes y banqueros (que nada envidiaban a la nobleza en cuanto a riqueza) hasta el más humilde de los campesinos, pero que tenían en común el hecho de ser quienes sostenían económicamente el país con su trabajo, y el estado con sus impuestos. El tercer estado constituía habitualmente 9/10 de la población, de ellos la mayoría campesinos pobres.

1.2.- LA ECONOMÍA DEL ANTIGUO RÉGIMEN

Las economías tienen una fortísima base agraria: dos tercios, incluso tres cuartos de la población se ocupan de tareas agropecuarias. Se trata de una agricultura en general caracterizada por su bajísima productividad, por estar dirigida al autoconsumo (el campesino piensa fundamental en alimentarse directamente el mismo y sus familias con el producto de sus tierras) y no a la comercialización, y por la utilización de técnicas y herramientas que apenas han conocido cambios en varios siglos: la utilización del arado romano sigue siendo general en casi toda Europa y el mantenimiento del barbecho (dejar sin cultivar cada año un tercio o la mitad de las tierras para que esta recupere sus nutrientes) en la rotación de cultivos como técnica de fertilización de las tierras.

Además en muchas zonas se conservan estructuras del llamado régimen señorial típicas de la Edad Media: muchos campesinos en teoría hombres libres, debían sin embargo pagar impuestos a su señor (normalmente algún gran propietario de la zona con un título de nobleza o algún cargo eclesiástico) en forma de pagos en moneda, en especie (una parte de la cosecha) o personal (trabajando gratis durante varias jornadas en las tierras del señor). Además estos campesinos debían aceptar la autoridad judicial del señor y estaban obligados a utilizar (pagando) el molino o el lagar, e incluso a pedir su autorización para casarse. Todavía en el siglo XVII en muchas zonas de Europa esos campesinos tenían prohibido moverse de sus tierras y buscar otro trabajo, obligación que heredaban sus hijos. Sin embargo este sistema señorial se había debilitado con la peste que diezmó la población europea desde fines del siglo XIV: los señores debieron "aflojar" la presión sobre los campesinos. En los siglos XV y XVI, con la mayor circulación monetaria muchos campesinos cambiaron sus obligaciones por pagos en dinero. Además las monarquías absolutas recortaron el poder de los señores, en especial su capacidad para ejercer justicia y cobrar impuestos. De esta manera, mientras en algunos países del este de Europa el régimen señorial sigue vigente de lleno, en Gran Bretaña ya casi ha desaparecido, lo que es considerado por muchos historiadores como favorable para la modernización de la agricultura y de la economía en general que se producirá en este país a partir el siglo XVIII.

Esta economía agraria atrasada convive en muchas zonas con un importante desarrollo urbano y comercial dinamizado por los grandes descubrimientos geográficos pues, desde mediados del siglo XV, exploraciones portuguesas y castellanas revolucionan el conocimiento geográfico y científico en general, incorporando a la cultura europea nuevas tierras, mares, razas, especies animales y vegetales... Primero serán las costas africanas, luego el descubrimiento de América, posteriormente las tierras del Pacífico, de forma que a finales del siglo XVIII apenas quedaban por descubrir el interior de África y las zonas polares. Pronto algunos países europeos construirán enormes imperios coloniales basándose en su superioridad técnica (armas de fuego) que servirán, inicialmente, para animar el comercio europeo con inmensas cantidades de oro y plata (monedas) y ya desde el siglo XVIII se incorporan enormes plantaciones de tabaco y azúcar, que junto al comercio de especias y a la trata de negros, servirán para enriquecer enormemente a las burguesías mercantiles de algunos países europeos.

Pero este panorama de cambios hay que matizarlo, destacando, por ejemplo, la pervivencia de los gremios dentro de las actividades artesanales: los trabajadores de cualquier sector artesanal en una ciudad (zapateros, tejedores, alfareros...) estaban obligados a formar parte de una organización, el gremio, que controla toda la actividad que se desarrolle en esa ciudad, de manera que las mercancías fabricadas en otros lugares no puedan entrar en su ciudad. El gremio fijaba de una forma rígida horarios, precios, salarios, herramientas, número de trabajadores por taller..., e impedían cualquier avance técnico u organizativo que pudiese dar ventaja a unos talleres sobre otros. Por estas razones los nuevos regímenes liberales prohibirán la existencia de gremios como organismos incompatibles con economías basadas en el progreso tecnológico continuo que deriva de la competencia y el libre mercado.

El comercio encontraba numerosos obstáculos a su desarrollo como eran la existencia de multitud de aduanas interiores o la mala calidad de los transportes terrestres que sólo mejorarán con la construcción de los primeros ferrocarriles.


2.- FACTORES DE LA REVOLUCIÓN INDUSTRIAL ¿Por qué en Gran Bretaña? ¿Por qué a mediados del siglo XVIII?

La denominada Revolución Industrial tuvo su origen en Gran Bretaña desde mediados del siglo XVIII. Uno de los aspectos más discutidos del estudio de este proceso radica en la explicación de por qué tuvo lugar primero en Gran Bretaña y no en otros países. Se trata por tanto de pasar revista de una forma sucinta a los principales rasgos de este país en los momentos del "despegue" del proceso industrializador. A continuación se exponen de manera esquemática algunos de los factores que explican este hecho, procurando establecer comparaciones con la situación de otros países del entorno europeo que no comenzarán su industrialización hasta bien entrado el siglo XIX.

2.1.- FACTORES POLÍTICOS

Un régimen político estable, la monarquía liberal, que desde el siglo XVII es el sistema político imperante (mientras en otros países de Europa se refuerza la monarquía absoluta), y que se mantiene libre de las revoluciones que aquejan a otros países europeos.

Las numerosas guerras en las que se vio envuelto el Reino Unido durante los siglos XVIII y XIX no provocaron daños en territorio británico. La insularidad actuó en este sentido como una barrera de protección a la que se unía el desarrollo de una poderosa flota de guerra que mantendrá su hegemonía mundial durante los siglos XVIII y XIX.

La existencia de una moneda estable y un sistema bancario organizado: el Banco de Inglaterra fue creado ya en 1694. Estas condiciones no se darán en otros países europeos hasta finales del siglo XVIII.

2.2.- FACTORES SOCIALES Y ECONÓMICOS

Abundancia de capitales, procedentes, en parte, del dominio comercial británico, pues desde el siglo XVII la marina mercante británica en dura competencia con los holandeses se ha hecho con el control de buena parte de los intercambios comerciales de otros continentes con Europa. El comercio de productos como el té o el tabaco, y el tráfico de esclavos, había permitido la creación de enormes fortunas, en manos de comerciantes y banqueros. Este comercio colonial proporcionaba a Gran Bretaña materias primas y mercados donde vender sus productos manufacturados.

Incremento sostenido de la capacidad para producir alimentos por parte de la agricultura británica que está conociendo un importante desarrollo, la denominada revolución agraria, desde la aprobación de leyes que permiten el cercamiento de las propiedades.

Existencia de una abundante mano de obra. La población británica crece a gran ritmo a causa fundamentalmente de los cambios en la agricultura: el suministro constante y creciente de alimentos va terminando con las crisis demográficas. Parte de esa población en crecimiento emigrará a las ciudades y formará la masa de los trabajadores industriales.

La mayor libertad económica a causa de la debilidad relativa con respecto a otros países de organismos como los gremios que suponían un freno a cualquier innovación en las actividades industriales. No es casual que fuese un británico, el escocés Adam Smith, autor de La Riqueza de las Naciones, quien hiciese la más destacada e influyente defensa de la libertad económica: para Adam Smith la mejor forma de emplear el capital para crear riqueza es aquella en la cual la intervención de los gobiernos es lo más reducida posible. La mano invisible del mercado asigna siempre de la forma más eficiente los recursos económicos de un país.

Abundancia de emprendedores entre los comerciantes y los grandes propietarios de tierra.

Una aristocracia que permite y premia las innovaciones y la creación de riqueza, en contraste con la nobleza de otros países, más tradicional, apegada a la tierra y que desprecia cualquier forma de trabajo productivo.

Menor peso de los impuestos al comercio en el mercado interno: en Gran Bretaña el peso de los impuestos interiores era muy reducido comparado con otros países europeos donde era muy común encontrarse aduanas interiores cada pocos kilómetros lo que convertía al comercio en una actividad poco productiva. Puede decirse que en Gran Bretaña existía ya un mercado nacional que en otros países sólo existirá cuando se eliminen las aduanas interiores y se cree una importante red de ferrocarriles.

2.3.- FACTORES GEOGRÁFICOS

Abundancia de hierro y, sobre todo, de carbón. El hierro se encontraba en los Montes Peninos, mientras que el carbón abundaba tanto en Inglaterra como en Gales y Escocia. De hecho, después de tres siglos de explotación, Gran Bretaña sigue teniendo enormes reservas de carbón. En las proximidades de las minas de carbón se concentrará gran parte del potencial industrial británico en especial con el nacimiento de una fuerte industria siderúrgica básica para proporcionar metales baratos para la construcción de máquinas, ferrocarriles, infraestructuras...

Fácil y constante suministro de agua como fuente de energía, pues el clima, lluvioso, superando de promedio los 1.000 mm anuales y sin estación seca, proporciona corrientes de agua numerosas y constantes. La energía hidráulica desempeñará un importante papel en los años previos a la difusión de la máquina de vapor.

El factor “insular”: abundancia de puertos que facilitan el comercio nacional e internacional. Este factor unido a la existencia de muchos ríos navegables (y canales que se construirán) favoreció la creación muy temprana de un mercado nacional con las ventajas que supone contar con un mercado de gran tamaño a la hora de acometer inversiones.


3.- LA REVOLUCIÓN AGRÍCOLA

Se entiende por revolución agrícola una serie de importantes cambios sucedidos durante el siglo XVIII en los campos de Gran Bretaña. A comienzos de este siglo la agricultura británica seguía siendo en lo esencial muy tradicional: el utillaje (arados de madera, hoces, azadas), el escaso uso de fertilizantes o la práctica del barbecho formaban parte de las prácticas agrarias desde hacía siglos. Sin embargo, a lo largo del siglo XVIII se generalizarán importantes innovaciones:

3.1.- APARICIÓN DE NUEVA MAQUINARIA

La máquina sembradora del inglés Jethro Tull, auténtico pionero de la agricultura científica y que diseñó esta sembradora en los primeros años del siglo XVIII. Esta nueva sembradora posibilita sembrar rápidamente y colocando la simiente fácilmente en filas que hacen más simples otras tareas agrícolas. Además la semilla se ubicaba a una cierta profundidad que la alejaba del peligro que suponían los pájaros y el viento para la siembra.

El arado de hierro que posibilita un laboreo más profundo y efectivo. El nacimiento de una potente industria siderúrgica que proporcione hierro barato y abundante será básico para la mejora del utillaje agrario, que apenas había conocido cambios desde tiempos de los romanos. La utilización de caballos en lugar de bueyes acelerará los trabajos agrarios.

Las primeras segadoras y trilladoras, que permiten mejorar la productividad de los trabajadores agrícolas. Las importantes mejoras en la producción de hierro y acero los irán convirtiendo en materiales asequibles para la fabricación de maquinaria agrícola cada vez más compleja. Al principio utilizarán tracción animal (como puede apreciarse en estas segadoras tiradas por caballos) pero luego surgirán trilladores movidas con la máquina de vapor, e incluso en los años finales del siglo XIX se fabricarán tractores que movidos por vapor pueden ser considerados los antecedentes de los tractores con motor de explosión que revolucionarán la agricultura del siglo XX. Las nuevas máquinas además de incrementar la productividad y por tanto abaratar el coste de los alimentos, tendrán como efecto "liberar" mano de obra que podrá ser empleada en la industria.

3.2.- SURGIMIENTO DE UNA AGRICULTURA CIENTÍFICA

Ensayos exitosos con nuevas rotaciones de cultivos que permitirán eliminar el barbecho y disponer de importantes cantidades de materia vegetal para el engorde del ganado. Pioneros como Lord Townshend introdujeron la rotación cuatrienal: trigo, nabos, cebada, trébol.

La selección de nuevas especies de plantas que harán crecer enormemente los rendimientos agrarios.

Aumenta el uso de fertilizantes. En primer lugar porque aumentó la disposición de abono orgánico (estiércol), que venía utilizándose tradicionalmente, a causa del incremento de la ganadería. En segundo lugar porque se inicia la utilización de fertilizantes artificiales.

3.3.- EL CERRAMIENTO DE LAS PROPIEDADES

En Gran Bretaña hasta el siglo XVIII dominaba el sistema agrario llamado de campos abiertos (openfields): recogida la cosecha se hacía un aprovechamiento comunal de los pastos. Desde mediados del siglo XVII se advierte un movimiento por el que muchos propietarios cercan sus tierras y con ello adquieren un mayor control sobre los cultivos. Los cercamientos harán posible las inversiones y las innovaciones: hasta ese momento el sistema de campos abiertos obligaba a todos los cultivadores a seguir los ritmos de la tradición (sembrar y recolectar los mismos cultivos en las mismas fechas). Los cerramientos tenderán también a concentrar las propiedades (que generarán importantes tensiones sociales) en pocas manos: surgen grandes explotaciones agrarias trabajadas por campesinos asalariados. Hacia 1870 cerca de la mitad de las tierras británicas estaban en manos de unas 2.500 personas.

Los pequeños granjeros sin capital para cercar sus tierras en muchos casos vendieron y hubieron de transformarse en arrendatarios, jornaleros o emigrar a las ciudades. La mano de obra rural comienza con ello su declive mientras crece la mano de obra industrial. Con los cercamientos terminan también algunos rasgos medievales del campesinado y así desaparece una estructura socioeconómica basada en las obligaciones mutuas para ser sustituida por otra, capitalista, con el dinero y el pago en metálico como base. En resumen puede decirse que los cerramientos contribuyeron a hacer posibles y más sencillas las mejoras agrarias y que con ello la agricultura se hizo más eficiente y productiva para alimentar a una creciente población urbana.

3.4.- LAS MEJORAS EN LA GANADERA. CRÍA SELECTIVA.

La cabaña ganadera británica no sólo creció con el incremento de vegetales (alfalfa, trébol) resultado de las rotaciones de cultivos que eliminan el barbecho, sino que también mejoró con la generalización de la cría selectiva a que se lanzarán diversos propietarios, una ganadería "científica" que pretende la mejora de tamaño y salud de las razas ganaderas tradicionales. Si durante cientos de años los ganaderos habían mezclado animales con la esperanza de mejorar la calidad de los animales, ahora se hace esto mismo, pero de una forma más detallada y precisa, destacando el trabajo de pioneros como Bakewell quien no sólo seleccionaba con gran rigor los ejemplares, sino que guardaba cuidadosamente cartas genealógicas de sus animales. Estos conocimientos fueron difundidos por medio de libros o de boletines: ya desde los años finales del siglo XVIII circulan boletines agrarios que obtienen una gran difusión. De esta manera si hasta entonces las ovejas sólo eran valoradas por su lana y el ganado bovino por su fuerza de trabajo, ahora el interés se centra en crear razas productoras de carne. Entre 1700 y 1800 algunas razas de animales llegaron a multiplicar por tres su peso promedio. Algunas de las nuevas variedades surgidas, como las vacas Hereford se difundirán por medio mundo. La carne, hasta entonces un alimento sólo al alcance de los más ricos, se convertirá en un producto de consumo cotidiano para amplias capas de población, contribuyendo con ello a importantes mejoras en la alimentación que están detrás de la llamada Revolución Demográfica.


4.- LA REVOLUCIÓN DE LOS TRANSPORTES


4.1.- INTRODUCCIÓN

Hoy sabemos que la modernización económica de un país pasa entre otras cosas por una mejora en los transportes. Esta mejora incide en una bajada general de costes en todos los sectores (se hacen más productivos) y permite la creación de mercados amplios (en el siglo XIX se hablará de crear un mercado nacional) que hacen posible un mayor tamaño de las empresas y por tanto mayor especialización y economías de escala.

Cabe preguntarse cuál era la situación del Reino Unido al comienzo de esta etapa en que se inicia la industrialización (comienzos del siglo XVIII). En primer lugar debe destacarse el carácter insular de Gran Bretaña. La isla principal donde encontramos Inglaterra, Gales y Escocia, tiene una forma alargada: apenas hay territorios que disten más de cien kilómetros del mar. El clima lluvioso permite además la navegabilidad de muchos de sus ríos. Además, durante la Era Moderna (siglos XV al XVIII) Inglaterra se ha convertido en una gran potencia marítima, superando las anteriores primacías de España y Portugal y compitiendo con los holandeses en su dominio comercial de los mares. Los puertos británicos pueden ser considerados en estos momentos entre los más activos del mundo.

4.2.- CARRETERAS Y CANALES

Por estas razones podemos considerar que a comienzos del siglo XVIII Gran Bretaña contaba con un aceptable sistema de transportes, que verá enormes mejoras con la construcción de carreteras y, sobre todo, de muchos kilómetros de canales, pensados fundamentalmente para el transporte de mercancías pesadas, entre las que cabe destacar el carbón que conoce en estos años un importante aumento en su demanda ante la creciente escasez de madera. A finales de este siglo el carbón será una de las piezas claves de la industrialización británica. La construcción de canales se convertirá en una verdadera fiebre de manera que a comienzos del siglo XIX Gran Bretaña cuenta con más de 3000 kilómetros de aguas navegables, de ellos una tercera parte canales construidos por el hombre: mil kilómetros de canales con la tecnología de la época deben ser considerados como un esfuerzo notable.

Los canales redujeron enormemente el precio del transporte y su estacionalidad, pues al contrario que los caminos, intransitables durante los largos periodos de mal tiempo, los canales se encontraban útiles casi todo el año.

4.3.- EL FERROCARRIL

Pero la verdadera revolución de los transportes vendrá con la construcción de líneas de ferrocarril. La idea de construir raíles de hierro por donde circulen vagones o vagonetas era ya antigua, (Texto) y se utilizaba en las cercanías de las minas para transportar hasta un puerto de mar o hacia un canal minerales como el carbón. Estos vagones eran arrastrados por caballos o bueyes. La revolución vendrá cuando se piense en utilizar una versión de la máquina de vapor “móvil” que sea capaz de arrastrarse a sí misma y a un número indeterminado de vagones de carga.

Hubo intentos claramente fallidos, como los que pretendieron la construcción de automóviles movidos por una máquina de vapor (una versión motorizada de los carruajes de la época) y que debían circular por calles, carreteras y caminos: su lentitud, su peso, su coste y su difícil manejo no los llevaron más allá de la simple curiosidad, aunque debamos considerarlos como antecedentes de los automóviles movidos con motores de explosión que surgirán a finales del siglo XIX.

Quizás los primeros intentos de construir un ferrocarril con locomotoras movidas con la energía del vapor sean aquellos realizados para transportar el carbón desde las minas: muchos de ellos también fracasaron por la fragilidad de unos raíles ideados para vagones arrastrados por caballos y bueyes. Pero de la evolución de estos prototipos saldrán las primeras locomotoras viables como esta cuyo esquema reproducimos y que fue diseñada por Richard Trevithick, ingeniero británico auténtico pionero del ferrocarril, quien primero diseñó máquinas de vapor de alta presión, y desde comienzos del siglo XIX varias locomotoras capaces de arrastrar unas pocas toneladas de carga sobre raíles. Sus desarrollos no fueron más allá de simples exhibiciones, pero sirvieron para probar las capacidades del ferrocarril.

Durante la primera y segunda décadas del siglo XIX fueron mejorando las características de estas locomotoras (potencia, seguridad) y se logró la construcción de raíles lo suficientemente resistentes. En este contesto aparece la figura de George Stephenson, responsable de la primera línea ferroviaria útil y, que desde 1825 cubría el trayecto Stockton-Darlington transportando carbón. En 1829 se puso en marcha un concurso para construir una línea entre Londres y Liverpool. El ganador fue el propio Stephenson con su locomotora The Rocket (el cohete, capaz de viajar a unos 40 km/h) y así, desde 1830 se encuentra en funcionamiento esta línea que transporta mercancías y pasajeros. Con esta línea el ferrocarril demuestra su idoneidad para casi todo tipo de transportes (hasta ese momento era concebido como un sistema para llevar el carbón desde las minas a las ciudades), incluyendo el movimiento de personas.

En las décadas siguientes el ferrocarril, se expandirá por todo el mundo siguiendo muchas normas marcadas por Stephenson (incluyendo su ancho de vía de 1,43 metros, con la excepción de unos pocos países que, como España, prefirieron otra anchura) convirtiéndose por su fiabilidad (sin que faltaran espectaculares accidentes desde sus comienzos) (Texto), precio y carácter no estacional en el principal medio de transporte terrestre hasta mediados del siglo XX, jugando un papel económico más importante incluso en otros países que por su tamaño (Estados Unidos, Rusia) o sus dificultades geográficas (España, Suiza) no contaban con las relativas facilidades que sí tenía el Reino Unido.

4.4.- LA NAVEGACIÓN A VAPOR

Los primeros intentos registrados de mover un barco mediante una máquina de vapor se producen en el último cuarto del siglo XVIII, pero no será hasta los primeros años del siglo XIX cuando un ingeniero estadounidense, Robert Fulton, construya un barco propulsado por una rueda movida con la fuerza del vapor. Estos primeros barcos por sus características quedaron marginados a la navegación fluvial y costera.

Habrá que esperar a las décadas centrales del siglo XIX para que los barcos de vapor empiecen a desbancar a los veleros que durante siglos se habían constituido en un medio de transporte de mercancías y personas sin el cual es difícil entender la llamada Era Moderna (los "Descubrimientos", el comercio transoceánico, el colonialismo...). Para que esta sustitución fuese posible el barco de vapor recibirá importantes mejoras: la sustitución de la rueda por la hélice, la incorporación de máquinas más eficientes, la construcción de los barcos con casco de hierro. Con estas mejoras los barcos se hicieron más manejables, no tenían que malgastar su capacidad de carga acumulando enormes cantidades de combustible (o repostar muy a menudo) y se convirtieron en más rápidos y seguros.

En las últimas décadas del siglo XIX los barcos de vapor serán piezas insustituibles en fenómenos como el afianzamiento de un mercado mundial o en los intensos procesos migratorios que llevaran a varios millones de europeos a poblar Argentina, Australia o, sobre todo, los Estados Unidos de América.


5.- SECTORES DE LA INDUSTRIA


Dos fueron los sectores destacados de la primera revolución industrial: la industria textil por ser la primera donde se produjeron los cambios que diferencian a una industria moderna de una actividad artesanal, y la industria siderúrgica, cuyos productos revolucionaron las demás actividades económicas.

5.1.-LA INDUSTRIA TEXTIL

La industria textil fue la primera en desarrollarse. De hecho la producción de telas era desde hacía siglos una importante actividad económica en Gran Bretaña, tanto de tejidos elaborados a partir de lana (el sector más tradicional) como, más modernamente, de algodón. Parte importante de esa producción era exportada siendo Gran Bretaña uno de los mayores productores textiles del mundo desde décadas antes de iniciarse la completa industrialización del sector. Buena parte de esa producción se basaba en el llamado Sistema Doméstico. Precisamente la industrialización significará el paso progresivo de la producción artesanal en el ámbito doméstico mediante la utilización de herramientas o máquinas muy sencillas a la producción en grandes factorías (factory system) con decenas de telares movidos con energía hidráulica o por medio de máquinas de vapor.

A lo largo del siglo XVIII la industria textil conocerá importantes innovaciones técnicas. La mayor parte de las cuales serán realizadas por artesanos sin especiales conocimientos científicos. El estudio de estas innovaciones ha sido interpretado desde distintos puntos de vista, el más sugerente de todos es aquel que considera unos inventos como "respuesta" a los desequilibrios creados por un invento anterior. La historia de esos desequilibrios permite comprender uno de los aspectos esenciales de la industria moderna: la innovación continua y acelerada, frente a técnicas y herramientas artesanas que habían permanecido casi inmutables durante siglos. En apenas cincuenta años unos pocos inventos acabarán con herramientas centenarias y abrirán paso a la producción en masa.

En 1733, John Kay patentó un telar con lanzadera volante que permitía duplicar la capacidad de tejido de los artesanos ingleses. Si ya antes eran necesarias cinco o seis personas hilando para mantener ocupado a un tejedor con los nuevos telares aumentó de manera notable la demanda de hilo. Hasta entonces el proceso de hilado se realizaba con la rueca o con el torno de hilar: el trabajador con sus manos o accionando un pedal hace girar una rueda que mueve un único huso donde se va enrollando el hilo.

Ante la nueva demanda de hilo la respuesta sería la máquina hiladora spinning jenny que multiplicaba la capacidad de los hiladores, aunque aún utilizaba como energía la fuerza humana de los trabajadores.

Pero probablemente el salto a un sistema industrial se dio con la invención de una máquina hiladora que utilizaba como fuerza motriz el agua, la llamada water frame patentada por Richard Arkwright. Este invento exigía la concentración de numerosas máquinas y obreros trabajando a jornada completa bajo el techo de un edificio situado junto a una potente corriente de agua: Arkwright puede ser considerado el creador de la primera fábrica moderna. En pocos años este sistema de fábricas habrá sustituido al hasta entonces mayoritario sistema doméstico.

La mecanización del hilado pronto puso de manifiesto sus ventajas (Texto) y, a pesar de que muchos trabajadores observaban las nuevas máquinas con desconfianza e iniciaron las primeras protestas obreras, pues pensaban que les quitaban sus puestos de trabajo; en los últimos veinte años del siglo XVIII se emprendieran intentos por mecanizar otras labores textiles como el tejido. El paso más importante se dará con la puesta en marcha de los primeros telares mecánicos movidos con máquina de vapor. Ya hacia 1785 Cartwright había patentado un telar mecánico movido por fuerza hidráulica. En los años siguientes, varios inventores perfeccionaran este telar al que conseguirán aplicar la fuerza del vapor de una forma eficiente. Hacia 1800 una frenética carrera se ha iniciado en Gran Bretaña que hará surgir cientos de fábricas donde máquinas movidas con la energía del vapor hilan y tejen.

La historia de las invenciones en la industria textil arroja luz sobre el nuevo mundo que surge con la industrialización: cuando un invento mejora la productividad de una rama de la industria, inmediatamente se hace sentir la necesidad en otras ramas para responder a la nueva demanda.


5.2.- LA INDUSTRIA SIDERÚRGICA

La industria siderúrgica es con la textil básica para entender la industrialización de Gran Bretaña. El desarrollo de este sector es posterior al textil. La siderurgia era ya desde hacía siglos una importante actividad en Gran Bretaña, aunque su futuro estaba amenazado por la progresiva escasez de carbón vegetal: el creciente uso doméstico de madera, la construcción de las flotas y la propia siderurgia estaban a punto de acabar con los bosques británicos.

En este contexto resultaron fundamentales los trabajos de pioneros como Darby que consiguió en los primeros años del siglo XVIII la producción de hierro utilizando carbón mineral. El hierro resultante era de escasa calidad, pero a lo largo del siglo se fueron introduciendo mejoras que mejorarán su calidad y desplazará el uso de hierro producido con carbón vegetal. El hierro irá sustituyendo a la madera en herramientas agrícolas, estructuras de edificios, piezas de máquinas, herramientas artesanales... La utilización de carbón mineral tendrá otro efecto: si hasta entonces la producción de hierro estaba dispersa por la campiña inglesa en forma de pequeñas forjas, ahora se construirán grandes complejos en la cercanía de las minas de carbón inglesas y del sur de Gales. La tendencia a la creación de grandes factorías (factory system) es aún más acentuado que en el caso de la industria textil.

Algunos datos sobre la producción de hierro pueden ilustrar el enorme crecimiento de este sector, y así, si en 1720 la producción de hierro era de 25.000 toneladas, en 1796 ya ascendía a 125.000, y en 1850 ya pasaba de 2.500.000 toneladas. En 1.851, para albergar la Primera Exposición Universal celebrada en Londres, se construyó el Crystal Palace, fabricado íntegramente de hierro y vidrio.

Símbolo de los nuevos tiempos es la construcción en Coalbrookdale (finalizado en 1779) del primer puente fabricado íntegramente con hierro. Sin el hierro (y pronto el acero) de buena calidad y barato producido en las nuevas factorías británicas hubiese sido imposible el desarrollo de la máquina de vapor de Watt, los raíles ferroviarios y las locomotoras, los cascos de los modernos barcos de vapor...


6.- LOS CAMBIOS SOCIALES


6.1.-EL CRECIMIENTO DEMOGRÁFICO.

Aunque la industrialización va a producir enormes transformaciones en la sociedad británica como el crecimiento de la llamada clase burguesa, o el éxodo rural producto de la revolución agraria, sin embargo quizá los dos fenómenos sociales más dignos de estudio sean el espectacular crecimiento demográfico y el nacimiento de una nueva y masiva clase trabajadora formada por los obreros de las nuevas industrias.

La industrialización va a provocar un crecimiento de la población sin precedentes en la historia de la humanidad conocido como la Revolución Demográfica. Los cambios en la industria, la agricultura y los transportes produjeron un aumento espectacular de la riqueza (que se traduce fundamentalmente en una mejor alimentación) que se reflejó en un crecimiento notable de la población que servirá para multiplicar los habitantes de Europa en muy pocos años e incluso para poblar con emigrantes otros continentes.

La disminución de algunas de las más temibles epidemias que habían azotado Europa durante siglos, ciertas mejoras sanitarias e higiénicas (como el descubrimiento de la primera vacuna por el doctor Edward Jenner en 1796 que protegía contra la viruela) y, sobre todo, una mejor alimentación con el fin de las crisis de subsistencia, están entre las causas de ese crecimiento demográfico. Este aumento de la población fuerte y sostenido explica el enorme crecimiento de las ciudades británicas a lo largo de los siglos XVIII y XIX.

6.2.- LAS CONDICIONES DE VIDA DE LOS OBREROS

Precisamente en algunas de estas ciudades el crecimiento rápido, desordenado y sin criterios surgirán enormes suburbios superpoblados, sucios y conflictivos donde las epidemias de tifus o cólera se convierten en algo habitual. Estos suburbios surgían muchas veces en torno a una fábrica: estaban formados por los barracones donde vivían los operarios de esa fábrica.

Sin entrar en el conocido debate de si la industrialización mejoró o empeoró las condiciones de vida de los trabajadores, si que puede intentarse describir las situación en la que vivían estos obreros, que puede calificarse en general como muy mala, así como sus condiciones laborales habría que describirlas como espantosas: fábricas sucias, húmedas, oscuras, poco ventiladas y ruidosas (Texto) (condiciones causadas por la presencia en ellas de las máquinas de vapor y por la nula preocupación de los patrones por las condiciones laborales de sus empleados). En estas fábricas poco sanas y peligrosas era habitual que sus obreros pasasen de doce a catorce horas diarias, trabajándose incluso sábados en jornada completa, y domingos hasta mediodía. La concentración de obreros en las fábricas es la que hace posible que estos trabajadores tomen conciencia de su situación y vean que mediante acciones colectivas podrían tratar de mejorar sus condiciones de vida. El factory system se encuentra por tanto en el origen del movimiento obrero.

La industrialización impulsó también el trabajo de mujeres y niños de muy corta edad, pues si antes en muchos oficios la fuerza del trabajador era un factor clave, ahora la fuerza la realizan las máquinas. Los empresarios fomentaron el trabajo infantil y femenino porque mujeres y niños recibían salarios dos y tres veces inferiores a los de los hombres. Los niños fueron empleados en la industria textil, en las minas, (Texto) en la industria siderúrgica: durante el siglo XVIII no hubo normas que regulasen el empleo infantil. Para hacerse una idea de las dimensiones alcanzadas por esta explotación basta con citar la existencia de una ley del parlamente británico que en 1833 (The Factory Act, 1833) dejaba la jornada laboral de los niños de nueve a trece años en "sólo" nueve horas diarias, y de trece a dieciocho años el trabajo estaba fijado en diez horas y media (la jornada duraba para ellos doce horas, pero con hora y media reservada para las comidas). Todavía en 1.891, una ley que pretendía luchar contra abusos en la explotación infantil se limitó a elevar la edad mínima de trabajo de los diez a los once años.

De hecho, apenas se detectan preocupaciones sociales durante la segunda mitad del siglo XVIII pues estas condiciones se aceptan como normales. Ya en el siglo XIX investigaciones parlamentarias, protestas sindicales o conocidos relatos como los de Dickens en Tiempos Difíciles, pusieron de manifiesto la dureza de la vida de los obreros industriales.

6.3.- PROTESTAS OBRERAS.

Aunque desde los inicios de la industrialización se registra una notable oposición de los obreros artesanos a la introducción de máquinas, (Texto) las primeras formas de protesta obrera se detectan en Gran Bretaña en la segunda década del siglo XIX cuando surge el conocido Movimiento Ludita (o Ludismo), nombre que deriva de un personaje real o inventado, un obrero, Ned Ludd, cabecilla de este movimiento de protesta que se canalizaba hacia la destrucción de la maquinaria, y que pronto se extenderá por varios condados de Inglaterra donde la industria textil se había convertido en la principal manufactura. Las Guerras Napoleónicas de años posteriores hicieron saltar en varias ocasiones nuevas protestas luditas.

El llamado Movimiento Cartista supone una versión más organizada del Movimiento Obrero y que se desarrolla entre 1837 y mediados del siglo XIX. Debe su nombre a la denominada Carta del Pueblo, documento que llegó a conseguir la firma de cientos de miles de obreros y que era una petición elevada al Parlamento en la que se pedía el Sufragio Universal, el voto secreto, la igualdad en el valor de los votos... En definitiva, revelaba el deseo de democratización del sistema político británico: el movimiento obrero desea participar en el juego político y desde ahí mediante la presentación de leyes en el Parlamento, mejorar las condiciones de vidas de los obreros industriales. Desde mediados de siglo el movimiento irá perdiendo fuerza progresivamente, aunque paradójicamente, en años posteriores, el Parlamento Británico adoptará la mayor parte de las peticiones recogidas en la Carta del Pueblo.

Hay que recordar que la legislación británica (leyes aprobadas en 1.799 y 1800) prohibía de una forma terminante la formación de asociaciones obreras, pues se consideraba que estas asociaciones chocaban con el espíritu del liberalismo económico: debía ser el mercado quien fijase los salarios y no la presión de los sindicatos.

Pero a pesar de estos obstáculos legales surgieron diversas formas de asociacionismo obrero sostenidas por las cuotas que pagaban los trabajadores y que pretendían, ante todo, ofrecer protección para los asociados en caso de accidente o enfermedad. A partir de 1.824 las leyes británicas autorizan el asociacionismo obrero que darán origen a lo que podemos considerar los primeros sindicatos de obreros, las llamadas Trade Unions en las que, en principio se unían los trabajadores con un mismo oficio en una localidad. En los años treinta esas asociaciones profesionales y locales se irán uniendo entre sí hasta formar enormes asociaciones que a mediados de siglo agrupaban a cientos de miles de obreros británicos de todos los oficios. La huelga, la negociación colectiva pacífica y, cuando lo permitan las leyes electorales, la participación en política, serán los instrumentos de los que se valdrá el sindicalismo británico para mejorar las condiciones de vida de los trabajadores.

Este temprano desarrollo del sindicalismo en Gran Bretaña es el causante probablemente del escaso éxito que tendrán las nuevas ideologías obreras revolucionarias (el marxismo y el anarquismo) que están naciendo a mediados del siglo XIX. Cuando Marx (líder del socialismo) y Bakunin (líder anarquista) funden la Asociación Internacional de Trabajadores (A.I.T.) en Londres, ésta tendrá un éxito importante en países como Francia y Alemania, mientras que en Gran Bretaña (país donde se fundó) nunca pudo competir con las Trade Unions.

Revolución Francesa

LA REVOLUCIÓN FRANCESA
INTRODUCCIÓN
La revolución industrial comenzada en Inglaterra y las revoluciones en América y en Francia crearon un sistema político de carácter liberal.
El s. XIX fue una época de cambios culturales, de gustos y de formas de vida. La ciencia fue ocupando el espacio; la educación se convirtió en la formación para ciudadanos; la representación del mundo pasa de ser objetiva y realista a ser un mundo incierto y abierto en la estética del impresionismo.
Las tres grandes ideas: liberalismo, nacionalismo y socialismo, q nacen y se desarrollan a partir de finales del s. XVIII. Las monarquías absolutistas del A. Régimen son sustituidas por regímenes políticos de carácter constitucional y parlamentario.
LA REVOLUCIÓN FRANCESA
Revolución.- Revolución quiere decir "cambio radical". Un ejemplo de revolución es el cambio que se produjo del Paleolítico al Neolítico: en el primero, el hombre es cazador, lo que implica que sea nómada y que no exista la propiedad privada. Lo que caza uno es para todos. En cambio, en el Neolítico, el hombre se convierte en agricultor, lo que conlleva convertirse en sedentario y, a su vez, aparece la propiedad privada. Esta revolución fue una revolución económica.
La Revolución Francesa es una revolución política, económica y social: en el Antiguo Régimen, la economía estaba estancada, la sociedad era estamental y la política, absolutista. Tras la Revolución, la economía estaba en fase de crecimiento, la sociedad es mental y la política es demócrata.
La Revolución sucedió en Francia y no en otro sitio porque es donde mejor se conocen las ideas ilustradas. En el s. XVIII el Antiguo Régimen está agotado; la economía, mediante los burgueses, pretende renacer; las ideas de la Ilustración, como ya comentaba, están muy arraigadas y el sistema es muy criticado.
ETAPAS DE LA REVOLUCIÓN FRANCESA.-
1ª etapa (1789 – 1791): Monarquía Constitucional. Constitución de 1791.
2ª etapa (1792 – 1794): 1ª República. Convención. Terror Revolucionario.
3ª etapa (1794 – 1804): 1ª República. Directorio. Consulado. Moderados en el poder. República de los Banqueros.
4ª etapa (1804 – 1814): Imperio. Napoleón Bonaparte.
DEFINICIÓN DE CONSTITUCIÓN.-
Ley fundamental de un país. Las Constituciones establecen un marco legal. Todas las nuevas leyes que se creen, deben estar dentro de ese marco. Son propias de regímenes de tipo liberal.
HECHOS QUE LLEVAN A LA REVOLUCIÓN.-
En 1787 y 1788 hay malas cosechas en Francia (crisis agrícola), por lo que se pasa hambre. Cuando en 1788 se elabora el presupuesto para 1789, se encuentran con que Hacienda está en bancarrota. Francia tenía una deuda exterior de cinco mil millones de libras. En este presupuesto, los gastos son superiores a los ingresos. La mayoría de los ingresos de Francia en el Antiguo Régimen procedían de los impuestos. Los ministros de Hacienda llegan a la conclusión de que la única solución es imponerle impuestos al grupo privilegiado. El Rey, viendo que esto no le favorecía en absoluto, cesó a los ministros que llegaran a esta conclusión, en total cuatro. Los no privilegiados ya están al límite de sus posibilidades en cuanto a gastos.
Si aún por encima tenemos en cuenta que en esos dos años hubo una crisis agrícola, deducimos que no se les pueden subir los impuestos.
La aristocracia solicita a Luis XVI la convocatoria de los Estados Generales. Estos llevaban sin reunirse desde 1614 porque en la Edad Moderna, los nobles no prestan dinero al rey y el rey no necesita el consejo de los nobles. La convocatoria es realizada a finales de 1788 y se decide que la reunión sea el 5 de mayo de 1789. En los meses que transcurren desde la convocatoria hasta la reunión (5 meses) se elaboran los llamados cuadernos de quejas.
Los Estados Generales estaban formados por representantes de la nobleza, del clero y del Tercer Estado. Se reunían en tres cámaras separadas: en una los nobles, en otra el clero y en la última los representantes del Tercer Estado. En esas cámaras independientes se discuten las posiciones a tomar y se decide un voto que posteriormente se emitiría cuando se reunieran todos juntos.
CUADERNOS DE QUEJAS.-
En los cuadernos de quejas, los distintos grupos sociales expresan su malestar. Hay grandes diferencias en los cuadernos de los privilegiados y los no-privilegiados.
Cuadernos de los no privilegiados: expresan el malestar de la población por las crisis agrícolas y por el hambre que provocan. Aparecen unas nuevas ideas políticas en las que se rechaza el absolutismo y se reclama la monarquía parlamentaria, la separación de poderes, la soberanía popular... siguiendo la ideología ilustrada.
Cuadernos de los privilegiados: rechazan el pago de impuestos y hacen saber al rey que se sienten ofendidos por ello. Sostienen que siempre ha mantenido su lealtad al rey y que son sus principales apoyos.
JURAMENTO DEL JUEGO DE PELOTA (19 DE JUNIO DE 1789. -
El 5 de mayo de 1789 se reúnen los Estados Generales. Esta reunión tiene la característica de que cada grupo social tiene un voto: la nobleza, uno; el clero, otro; y el Tercer Estado, otro. En este sistema de votación por estamentos, los votos de nobleza y clero ganan siempre al voto del Tercer Estado (2-1). La nobleza tiene 300 representantes, el clero otros 300 y el Tercer Estado, 600. En estos datos se basa el Tercer Estado para reclamar el voto por cabeza. Sería la única forma de que pudieran ganar alguna votación.
Empezaron los enfrentamientos entre nobleza, clero y monarca contra los representantes del Tercer Estado, que acabaron cuando el Rey prohibió a los representantes de la gente común reunirse, cerrando la sala donde esto tendría lugar. Estos se encerraron en la Sala del Juego de Pelota y allí crearon la Asamblea Nacional, que quiere decir que se consideran a sí mismos representantes del pueblo.
El 19 de junio de 1789, esta Asamblea realiza el juramento del Juego de Pelota. Juraron que no se separarían hasta darle a Francia una Constitución. Por esta razón pasan a denominarse Asamblea Constituyente. En este momento comienza la Revolución Francesa. Se pasa de un régimen absolutista a una monarquía constitucional. La Asamblea asume el poder legislativo.
ASALTO A LA BASTILLA (14 DE JULIO DE 1789). -
El pueblo de París asaltó la Bastilla porque Luis XVI destituyó al único ministro burgués que había en el Gobierno. Otra causa fue que el Rey enviaba ejércitos a las reuniones de la Asamblea para vigilarlos.
La Bastilla era la cárcel de París. Era un símbolo del Antiguo Régimen, porque en ella había multitud de presos políticos. Los ciudadanos, sabiendo esto, se dirigieron armados hacia allí, lucharon con la fuerza que la custodiaba, entraron dentro al asalto y la destruyeron.
A distintos lugares rurales de Francia, llegaron rumores de que los nobles iban a retomar antiguos derechos feudales, endureciendo su situación con los campesinos. Producen un Gran Miedo, que lleva a los campesinos a armarse con lo que tienen a mano y a asaltar las mansiones señoriales, quemando los archivos de los nobles. La intención de los campesinos es evitar que la nobleza pueda recuperar estos derechos.
A París llegan noticias de lo que sucede en el campo y, el 4 de agosto de 1789, la Asamblea Constituyente aprueba un decreto de abolición de los derechos feudales. Los revolucionarios no quieren que la revolución se les vaya de las manos. Por eso aplicaron este decreto, para tranquilizar a los campesinos. Este hecho supone el fin del feudalismo.
DECLARACIÓN DE LOS DERECHOS DEL HOMBRE Y CIUDADANO FRANCÉS (AGOSTO DE 1789). -
En agosto de 1789, la Asamblea Nacional aprueba la Declaración de los Derechos del Hombre y Ciudadano Francés, un documento en el que se recogen los derechos y libertades individuales defendidos por la Ilustración. Las características son:
La soberanía es nacional.
Libertad de pensamiento y de expresión escrita.
Derecho a la libertad.
Igualdad de todos los ciudadanos ante la ley (igualdad jurídica). Este artículo supone el fin de la sociedad estamental.
La propiedad privada es sagrada. Esto es una muestra de la influencia de la burguesía en el documento, ya que siempre defendieron la propiedad privada.
LA CONSTITUCIÓN CIVIL DEL CLERO (1790). -
La Asamblea elaboró en 1790 un documento por el cual:
El clero regular (frailes y monjes) desaparece y todas sus propiedades son confiscadas.
El clero secular (obispos, párrocos) perdió también sus propiedades, pero no fue suprimido: seguía ejerciendo sus funciones, pero con importantes cambios. Tanto los párrocos como los obispos eran elegidos por los fieles de la zona. Vivirían de una paga que les daría el Estado.
Este decreto fue un medio para pagar la deuda exterior de Francia. Además, la burguesía pudo comprar estas propiedades, cumpliéndose uno de los principios de la Declaración de los Derechos del Hombre y Ciudadano Francés.
LA CONSTITUCIÓN DE 1791. -
Fue aprobada en 1791 por la Asamblea Constituyente. Es la primera Constitución francesa y también de toda Europa. Defiende las ideas ilustradas, como la soberanía nacional y la separación de poderes en:
Ejecutivo: pertenece al Rey y al gobierno.
Legislativo: pertenece a la Asamblea Nacional.
Judicial: es independiente. Pertenece a jueces elegidos por votación.
La Constitución de 1791 recoge los derechos y libertades individuales, considera que el sufragio debe ser restringido: Sólo pueden votar los varones mayores de 25 años y que paguen a Hacienda el equivalente a 3 días de trabajo. Los empleados del servicio doméstico no tienen derecho a voto.
Se reconoce la igualdad jurídica, pero se establece una desigualdad civil porque no todos pueden ejercer el voto. Esta situación de desigualdad civil puede sorprender, ya que la Revolución quiere cambiar todo radicalmente y esto es un "recuerdo" del Antiguo Régimen. Esto es debido a que la nobleza y el clero de la Asamblea influyeron en algún artículo. Éste es uno de ellos.

LA CAÍDA DE LA MONARQUÍA (1792). -
Luis XVI, ante la Revolución, adopta dos posturas diferentes: la oficial, que consiste en aceptar los cambios que están sucediendo en el país y la postura real, que es que el rey rechaza la Revolución y defiende el absolutismo monárquico.
Viendo como se ponen las cosas, el Rey intenta huir del país, pero lo detienen antes de que lo consiga y se ve obligado a volver. En 1791, jura la Constitución y se compromete a obedecerla.
Luis XVI sigue un doble juego. Por un lado da la postura oficial, pero mantiene contactos con otros reyes europeos para recuperar el poder. Los nobles que se fueron de Francia organizan la Contrarrevolución y Luis XVI mantiene contactos secretos con ellos.
El Rey solicita a la Asamblea Constituyente que declare la guerra contra los estados alemanes (Prusia y Austria), ya que estos critican la Revolución. Aunque parte de la Asamblea se muestra contraria, alegando que el ejército está desorganizado, finalmente se acepta.
Francia cae derrotada por Prusia, que llega hasta las puertas de París. El duque de Brunswick, jefe alemán, emite un comunicado diciendo que si el Rey Luis XVI o su familia sufre algún daño habrá duras represalias. Con este comunicado la población parisina descubre el engaño de su rey, que estaba compinchado con los alemanes, y lo acusan de alta traición al país. En agosto de 1792, el pueblo asalta el palacio de Tullirías y detiene al Rey y su familia. Luis XVI es juzgado y condenado a muerte en la guillotina en enero de 1793. En este momento cae la Monarquía en Francia.
LA 1ª REPÚBLICA Y LA CONVENCIÓN (AGOSTO 1792). -
Cuando cae la monarquía de Luis XVI se establece la Primera República. Ésta se caracteriza por la radicalización de la Revolución y la creación de la Convención, que sustituye a la Asamblea, es elegida por sufragio universal y posee el poder legislativo y parte del ejecutivo. Tiene parte de este poder porque es su competencia nombrar y cesar los comités que forman el Gobierno.
TENDENCIAS IDEOLÓGICAS POLÍTICAS DE LA 1ª REPÚBLICA.-
Ultra conservadores: defensores del absolutismo. Muchos están exiliados y otros son perseguidos.
Moderados (liberales): defienden la Monarquía Constitucional, el Sufragio Restringido y la soberanía compartida por la Asamblea y el Rey.
Radicales (liberalismo revolucionario): defienden la República, el sufragio universal y la soberanía popular.
Los dominadores son los liberales, pero tendrán que enfrentarse con los contra revolucionarios, y por la izquierda, con los sans-culottes.
GUERRA Y TERROR REVOLUCIONARIO (1792 – 1794). -
Desde 1792, Francia va a estar enzarzada en una guerra contra los demás países europeos. Sería una guerra de la Revolución Francesa contra el absolutismo europeo. Al ser el Rey guillotinado, en 1793, los reyes europeos se unen contra Francia. Del 1792 al 1794, la guerra no es favorable para Francia, ya que está reorganizando su ejército.
Dentro, Francia también tiene problemas. Se enfrenta a un problema económico y a uno político. Hay una política de represión contra los contra revolucionarios. Esta política se denomina Terror Revolucionario. Todo el que defienda el absolutismo será condenado a muerte. Esto implica que no hay libertad de pensamiento. Una cosa es que Luis XVI traicione a su patria y por ello sea ejecutado, y otra muy distinta es perseguir a los defensores del absolutismo, ya que en la constitución se defiende la libertad de pensamiento. Llega un momento en que a la Convención se le escapa esta política de represión de las manos, llegando a condenar, por error, a los propios revolucionarios.
Robes Pierre es un radical. Es uno de los máximos dirigentes de la Convención y también formó parte de los Comités. Acaba derivando su política en una represión indiscriminada contra cualquiera que parezca sospechoso de estar en contra de la Convención. Robes Pierre acaba convirtiéndose en una especie de dictador: partiendo de unas ideas legítimas, como son las de la Revolución, el sistema político de Francia acaba convirtiéndose en un Régimen de Terror Revolucionario.
Robes Pierre creó el Comité de Salud Pública, que se encargaba de guillotinar a los sospechosos de ir en contra de la Revolución. Más adelante, la Convención lo detendrá, juzgará y guillotinará.
Además del Terror Político, también existió un Terror Económico y uno Cultural. El Cultural consistió en cambiar los nombres de los meses y en comenzar a contar como año 1, 1789, tratando de borrar la etapa absolutista. El Económico consiste en que la Convención establece unos precios máximos y/o mínimos, impidiendo la libertad económica y saltándose una de las principales ideas ilustradas.
El poder perteneció a Robes Pierre durante dos años, tras los cuales la burguesía, aprovechándose de su ejecución, intentó empezar una nueva etapa.
CONSOLIDACIÓN DE LA REVOLUCIÓN BURGUESA (1794 – 1799). -
Tras el fracaso de la Convención, la burguesía se hace con el poder y crea el Directorio, institución de gobierno formada por varias personas. También se crean dos asambleas. Se encargan del poder legislativo. El sufragio es restringido. Se pretende fundamentalmente el orden y la estabilidad porque la burguesía lo necesita para sus negocios. Este orden va a ser difícil de conseguir porque los ultra conservadores (absolutistas) y los sans-culottes se oponen a él. La burguesía contacta con los militares, en concreto con un general joven con muchos éxitos en Egipto, Napoleón Bonaparte. Le piden que de un golpe de estado para llegar al poder y darles la estabilidad que requieren sus negocios, provocada por un gobierno dictatorial. Le dicen también que ellos lo apoyarán llegado el momento. Estos hechos suceden en noviembre de 1799.
Los burgueses confían en que un militar de ese prestigio sea aceptado en toda Francia y garantice el orden que todos deseaban.
Así sucede y Napoleón, tras dar el golpe de estado, llega al poder. Desaparece el Directorio y se forma el Consulado.
CONSULADO (1799 – 1804). -
Está formado por tres personas que tienen el poder ejecutivo. El Primer Cónsul, que tiene más poder, es Napoleón. En 1802, Napoleón es nombrado Cónsul Vitalicio (de por vida) y asume el poder de los otros dos cónsules.
LA REORGANIZACIÓN DEL GOBIERNO POR NAPOLEÓN.-
En 1804, Napoleón se corona Emperador: ahí comienza una nueva etapa, el Imperio, que no es otra cosa que la vuelta a la Monarquía. No la vuelta al absolutismo, porque Napoleón acepta la separación de poderes y defiende, en teoría, algún principio revolucionario. La separación de poderes la controla él, ya que presenta a los candidatos que son votados.
Napoleón es un personaje contradictorio. Es, en muchos casos, un defensor de la Revolución de 1789. Pero la teoría y la práctica son distintas: Napoleón apoya la Guerra Revolucionaria, llevar la Revolución por toda Europa. Pero lo hace aplicando un gobierno francés a toda Europa, por lo que la población está disconforme. Napoleón es contradictorio porque cree en unas cosas y aplica otras.
ELEMENTOS BÁSICOS DEL SISTEMA POLÍTICO NAPOLEÓNICO.-
Administración territorial: Francia está dividida en 83 departamentos. Napoleón nombra un prefecto para gobernar cada uno de ellos, que se limitan a hacer cumplir lo que se les diga desde París.
Administración judicial: se cambia algo con respecto a la Constitución de 1791: de aquella, los jueces eran elegidos por votación. Ahora los nombra Napoleón.
Control de la libertad política: Napoleón establece una censura, reduciendo la libertad de expresión escrita y contradiciendo sus ideas de libertad. Apoya a todos los escritores que ensalcen su persona, como sucedía con los máximos dirigentes de Egipto o Roma. Esto es otra muestra del desequilibrio que padece Napoleón.
El Código Civil: el sistema de Napoleón no representó un retroceso hacia el Antiguo Régimen. Aunque Napoleón concentre todo el poder en su persona, no pretende volver al absolutismo, quiere llevar las ideas revolucionarias a todas partes.
El nuevo Código Civil de Francia establece la igualdad de todos los ciudadanos ante la ley y la abolición de los privilegios del Antiguo Régimen.
Política religiosa: Francia había roto relaciones con el Vaticano debido al decreto de la Constitución Civil del Clero, emitido en 1790 por la Asamblea constituyente.
Napoleón quería restablecer relaciones con el Papado, aunque él no era demasiado religioso, para consolidar su poder: si el pueblo veía que el Papa apoyaba a Napoleón ellos estarían también de su parte. Para conseguirlo, planteó la situación como en cualquiera de sus batallas. Era una gran estrategia y se aprovechaba de ello para conseguir vencer a sus enemigos.
Una de las claves del acuerdo fue que el Papa reconociera la expropiación de las tierras. A cambio, Napoleón los compensaría económicamente. La otra clave fue que aceptó pactar con el Papa sobre el nombramiento de los obispos: serían elegidos entre los dos. A su vez, los clérigos serían nombrados por los obispos.
LAS GUERRAS REVOLUCIONARIAS EN EUROPA. EL IMPERIO NAPOLEÓNICO.-
1792: La guerra contra Prusia evidenció la descomposición del ejército francés.
1793: Se reforma el ejército mediante las "levas en masa".
1794: Francia rechazó a los invasores y comenzó a invadir territorios fuera de sus fronteras.
1796: Napoleón fue enviado a Italia.
1797: Buena parte del norte y centro de Italia estaban bajo dominio francés.
1800: Napoleón llega al poder e intenta negociar la paz.
1801: Paz con Austria.
1802: Paz con Inglaterra. En estos tratados, Francia ve reconocido su dominio sobre Holanda, Bélgica, Suiza, el norte de Italia y parte de los territorios alemanes.
1803: Alianza entre Austria, Rusia e Inglaterra para frenar a los franceses.
1805-1810: Napoleón derrota en varias batallas (Austerlitz, Xena) a los ejércitos de Austria, Prusia y Rusia.
1805: Derrota francesa contra los ingleses en el cabo de Trafalgar. Obliga a Napoleón a diseñar una nueva estrategia contra Inglaterra: el bloqueo continental.
1806: Napoleón pone en marcha ese bloqueo contra Inglaterra.
1808: Sublevación en España.
1809: Sublevación en Alemania.
1813: Derrota de Napoleón contra Rusia.
1814: Napoleón abandona el poder.

RELACIONES DE LA REVOLUCIÓN FRANCESA Y ESPAÑA.-
En el siglo XVIII, Francia y España están unidas contra Inglaterra por dos razones: la primera, que Gran Bretaña es en ese siglo la principal potencia y España y Francia quieren frenarla y la segunda, que existen lazos familiares entre los reyes de ambos países, ya que en ambos reinan los Borbones.
Cuando sucede la Revolución de 1789, la primera reacción española es de sorpresa, ya que hasta aquí sólo llegan rumores, a veces contradictorios. La postura oficial de España es apoyar a Luis XVI. Como hasta 1792 Luis XVI es el rey, España apoya a Francia. En 1792 es derrocado, tras lo cual se establece la Convención. España no apoya ahora a Francia, se produce un distanciamiento entre ambos países. Al ascender Napoleón al poder, vuelven las buenas relaciones.
Napoleón pretende invadir Portugal, para lo que pretende pasar por España. Negocia con Carlos IV y con Godoy, su ministro, para que sus tropas puedan entrar e invadir a nuestro país vecino.
Carlos IV es un mal rey, y deja todas las decisiones en manos de su ministro, Godoy, que no es ni mucho menos un buen ministro y que de lo único que se preocupa es de su propia imagen.
Permiten la entrada de Napoleón a España, sin ver que éste puede intentar, de paso que ataca Portugal, quedarse con España.
Pero Napoleón comete un gran error, confundir a los dirigentes españoles con el pueblo. El pueblo ve mucho más claro que lo que Napoleón quiere es invadir España, y así lo demuestra al levantarse contra Godoy en el motín de Aranjuez (1808). Godoy es cesado y Carlos IV abdica en su hijo Fernando. En ese momento hay una gran crisis política en España. Es una situación ideal para Napoleón. Convoca a Carlos IV y a su hijo a una reunión en Bayona (Francia) para ponerlos de acuerdo, aunque en la práctica busca otra cosa, como veremos.
Los dirigentes españoles se trasladan a Francia y en ese momento se produce un vacío político en España. La crisis es total, ya que Carlos IV, su esposa María Luisa y Fernando, su hijo se marcha a Bayona sin nombrar ningún regente ni nada. España en ese momento está sin representante del poder. Además, las tropas francesas están en territorio español. No pudo ser peor.
En Bayona, Napoleón consigue que Carlos abdique en su hijo y éste, a su vez, lo haga en el propio Napoleón. Estos sucesos se denominan las "abdicaciones de Bayona". En ese momento se produce el secuestro de la Corona Española. Napoleón nombra rey de España a su hermano José Bonaparte. El pueblo español lo acepta con rabia.
El 2 de mayo de 1808, el pueblo español, harto de la opresión francesa, se levanta contra la invasión francesa. Al mismo tiempo que el pueblo se rebela, también se organiza políticamente, creando las llamadas Juntas. Hay una convocatoria de las Cortes de Cádiz, en las que se elabora una Constitución, la primera en España, que cree en las ideas ilustradas. Fue promulgada el 19 de marzo de 1812.
En 1813, España derrota al ejército francés. En 1814, Fernando VII vuelve al poder.